¡ NUEVO ! Hasta que el Cuerpo Aguante del 17 de FEBRERO 2017

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lunes, 13 de febrero de 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 17 DE FEBRERO DE 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 17 DE FEBRERO DE 2017
* Presentaremos canciones antiguas con el toque de la guitarra hawaiana
* Tony Camargo cuenta cómo se grabó “Bárbaro del ritmo” a 54 años de la muerte de Moré
* Además, recordaremos a La rubia diosa del tango. Hace 104 años nació Wello Rivas. En la sección La carpa oiremos a Viruta y Chamula. Rafael de Paz murió hace 34 años
* En la sección Una canción colombiana para el mundo, recordaremos a Estercita Forero

1. En la sección Rincón Norteño presentaremos dos grabaciones en las que destaca como común denominador el uso de la llamada guitarra hawaiana. Inicialmente escucharemos “Ándale, vamos platicando”, una polca grabada en el año de 1938 para el sello Bluebird por la agrupación Medina River Boys, que incluye guitarras, violín y contrabajo, así como voces. Asimismo con la agrupación denominada Orquesta Colonial escucharemos una versión instrumental de “Cielito lindo”, val grabado también en los años treinta para el sello Columbia. El coleccionista y restaurador musical Chris Strachwitz, quien pasó más de medio siglo recuperando las grabaciones que ahora forman parte del archivo Colección Frontera Arhoolie, incluyó la primera grabación, “Ándale vamos platicando”, entre sus 50 canciones preferidas de la colección menciona y destacó: “Es una rara mezcla de la música gringa y el canto mexicano. Es una joya. Me encanta la guitarra de acero y el buen canto de esta grabación realizada en San Antonio, Texas, en los años treinta. Ojalá Medina River Boys hubieran hecho más discos”. Hacia finales del siglo XIX (1880), Joseph Kekuku introdujo la técnica de deslizar sobre las cuerdas un tubo de vidrio, lo que produjo el sonido típico de "guitarra hawaiana" (slack kay). Los grandes intérpretes de guitarra hawaiana de principios del siglo XX exportaron esta técnica a los Estados Unidos. De esta forma, el slack key influenció profundamente a los intérpretes de blues, y a sus estilos de guitarra. La época dorada del slack key abarca hasta finales de los años 1940, con músicos de renombre como Leonard Kwan, Fred Punahoa, Raymond Kâne y, sobre todo, Gabby "Pops" Pahinui, que obtuvo un gran éxito con sus grabaciones en 1947.

2. El 19 de febrero de 1983, después de varias complicaciones en su estado de salud, falleció Rafael de Paz González, nacido el 28 de noviembre de 1903 en Chiapas. Procedente de una familia pobre, y debido a la necesidad, llegó a la Ciudad México, y comenzó a trabajar como integrante de la Marimba Guatemalteca de los Hermanos Barrios, pero al mismo tiempo gracias a un amigo de su querido padre se matricula en el conservatorio de música donde logra con el tiempo, el conocimiento técnico y teórico de la música. Después de estar viajando por el territorio Azteca con la agrupación de Marimba, en 1929 se incorpora a la orquesta "Típica Torreblanca", trabajando en el cine silencioso, posteriormente seguía con la marimba clásica, pero al finalizar la era del cine silencioso, surgió una grave crisis para los músicos se ese sector, y tiene la suerte de ser recomendado para actuar con su Marimba en la emisora XEB y alternar con la Marimba "Lira de San Cristóbal", ya que era una competencia radial de importancia por medio de la radio. Por mediación del compositor, músico puertorriqueño Rafael Hernández que en aquellos años residía en México recomendó a Rafael de Paz para hacer los arreglos, y dirigir la orquestación musical de las afamadas Películas, “Águila o Sol", con Manuel Medel, y Mario Moreno Cantinflas, y "El Gendarme Desconocido", y una estela muy extensiva de cinematografía de la época de oro del cine Mexicano. Participó por varios años como subdirector al lado de Mariano Rivera Conde de la compañía Discográfica R.C.A. Víctor haciendo fabulosos arreglos donde hizo notables figuras del canto, entre ellos María Victoria, Fernando Fernández, Benny Moré, Aurelio “Yeyo” Estrada, las Hermanas Navarro, María Luisa Landín, Pedro Vargas, Luis Carlos Meyer, entre otros muchos más. (Con datos de Silvio Cebrian en http://oyechiapas.com).

3. Hace 21 años, el 19 de febrero de 1996, falleció Marco Antonio Campos “Viruta”. Para recoerdarlo, en la sección La Carpa escucharemos dos nuevos hallazgos musicales en las voces del dueto Aztlán, conformado por las voces de Marco Antonio Campos y José Francisco Flores, también conocidos como Viruta y Chamula: “Un día de tantos” y “El pujo”. Este dueto grabó principalmente para el sello Columbia y en su repertorio destacan varias canciones cómicas de Salvador Flores Rivera. Viruta inicio su vida artística formando parte de algunas agrupaciones como El Poker de la Armonía, Trío Latino, Los Romanceros y Viruta y Chamula. En 1952 se unió a Gaspar Henaine, “Capulina”. Juntos hicieron 26 películas. “Viruta” nació en el barrio de Tepito de la Ciudad de México. Mercedes Álvarez, la abuela materna de Marco Antonio, fue la que lo estimuló en sus primeras manifestaciones artísticas, enseñándole a tocar el piano. Una tarde en 1951, mientras comía en la cafetería de la XEW, Marco Antonio Campos fue abordado por Gaspar Henaine. Capulina había tenido conflictos con sus compañeros del trío “Los Trincas”, quienes lo habían abandonado en Nueva York, Estados Unidos. “Capulina” le pidió a Campos (“Viruta”) que participara con él en el programa Cómicos y Canciones. En primera instancia, “Viruta” no aceptó, debido a que igualmente él había tenido un conflicto con su compañero José Domínguez Flores (“Chamula”), producto del alcoholismo de este último. Adicionalmente “estaba cansado de ser su patiño”. Sin embargo, ante la insistencia de “Capulina”, Campos aceptó la oferta.

4. Este 18 de febrero se cumplirán 104 del nacimiento del cantante y compositor yucateco Manuel “Wello” Rivas Ávila, nacido en Mérida, Yucatán, el año de 1913. Falleció en la ciudad de México, el 12 de Enero de 1990. En 1921, cuando tenía ocho años de edad, sus padres llevaron a la familia a vivir a la ciudad de México. A la edad de quince años su padre le regaló una guitarra y recibió sus primeras clases con Don Enrique del Valle, guitarrista español, quien también fuera banderillero del gran torero Rodolfo Gaona. A los dieciocho años, sentía una gran afición por los toros, al grado de que llegó a participar en algunas tientas y festivales. Debido a que recibió una cornada, dejó la afición, para dedicarse de lleno a la música. En 1933 el señor Bernardo San Cristóbal, Director Artístico de la XEB, lo llama para proponerle formar una orquesta de catorce profesores, para una nueva modalidad en la estación, como Director de orquesta y cantantes. En 1929 lo llamaron para actuar como exclusivo en una serie de programas de música yucateca en la emisora XEFO, Radio Nacional, que era la estación del Partido de la Revolución Mexicana. En 1936, la empresa Laboratorios Picot, contrata una serie de programas en exclusiva con la XEB, con Rafael Hernández, Margarita Romero y Wello Rivas en plan estelar. Fue autor de canciones como “Cenizas”, “Quisiera Ser Golondrina", "Callecita", "Tarde o Temprano", "Con las Alas Rotas", "Llegaste Tarde" y "Tengo una casita”, “Como golondrinas”, “Todo es para ti” y otras. Falleció en la ciudad de México, después de una larga enfermedad, el 12 de Enero de 1990. (Con información de la SACM).

5. Hace 17 años, el 19 de febrero de 2000, falleció la cantante y actriz argentina Amanda Ledesma, recordada en México por su participación en 1944 en el filme “Cuando quiere un Mexicano”, al lado de Jorge Negrete. Luego de filmar “Amor último modelo”, en 1942,  se radicó en México, donde continuó con su carrera, donde filmó ocho películas, y fue llamada “La rubia diosa del tango”. Entre sus grabaciones, se destacan las del sello Victor del año 40: Cariño, el vals Quién será, Imposible (todos de Luis Rubistein) y el vals Quién más quién menos (de Rodolfo Sciammarella). Entre 1944 y 1945 graba comercialmente cuatro temas en México: la zamba Vieja huella, la ranchera Que buscan en la mujer, el tango Cruz (todos de Héctor Stamponi y Ernesto Cortázar) y Coplas de retache en dúo con Jorge Negrete (de Manuel Esperón y Ernesto Cortázar). Escribe Néstor Pinsón que luego de abandonar el cine, Amanda Ledesma decide dedicarse enteramente al tango. Hace una gira por América, acompañada por el pianista Héctor Stamponi, es el año 1943, van primero a Bolivia, rumbo al norte, actúan en todos los países y llegan a Cuba. Su éxito va creciendo día a día, y es en México donde triunfa definitivamente. Allí, en México, consolida sus dotes de comediante y cantanta en el cine. Era común verla en locales nocturnos y oírla en la radio haciendo el rol de comediante, pues adornaba sus canciones con historias mundanas. Hacía participar a los concurrentes y contaba anécdotas de su vida artística. Permaneció en México durante diez años. Había cumplido los 40 años cuando decide regresar a la Argentina.

6. Sobre la muerte de Benny Moré, ocurrida el 19 de febrero de 1963, el cantante Tony Camargo nos confió hace unos años que inmediatamente conocida la noticia en México, el director artístico de la RCA Rafael de Paz, con la letra de Mario Molina Montes, crearon un tema musical que titularon “Bárbaro del ritmo” en homenaje al nacido en Santa Isabel de las Lajas. Invitaron a Tony Camargo para que cantara dicho tema musical y lo que dio un toque especial a la canción fue la mezcla de algunos fragmentos de temas cantados por el propio Benny Moré. Una tema musical que sin duda hoy es recordado en forma especial por Tony Camargo. Recordaremos en el programa ese fragmento de la entrevista que nos concedió hace unos años en el que habla de su relación con “El Bárbaro de ritmo”. Moré tuvo su última presentación el domingo 17 de febrero de 1963, en Palmira, Cienfuegos, a unos kilómetros de Santa Isabel de las Lajas, su pueblo natal. Se cuenta que tuvo la ruptura de una várice encefálica, consecuencia de la cirrosis hepática que arrastraba desde antes de partir hacia México en 1945. En esas condiciones, después de vomitar sangre, subió al escenario y cantó como nunca. A las 9 y 15 de la noche del martes 19 de febrero de 1963 falleció el Bárbaro del Ritmo. La noticia estremeció el mundo musical hasta sus cimentos. Además de un innato sentido musical, estaba dotado con una fluida voz de tenor que coloreaba y fraseaba con gran expresividad. Moré fue un maestro en todos los géneros de la música cubana, pero destacó particularmente en el son montuno, el mambo, y el bolero.

7. En la sección Una canción colombiana para el mundo, el coleccionista Alberto Cardona Libreros  nos compartirá grabaciones de la cantante y compositora colombiana Ester Forero, quien nació en Barranquilla, el 10 de diciembre de 1919 y murió ahí mismo el 3 de junio de 2011. Fue más conocida como Esthercita Forero o "La Novia de Barranquilla". Empezó a cantar desde los cuatro años de edad en las tertulias familiares y teatros de su ciudad natal, Barranquilla. A los catorce años debutó en la emisora "La Voz de Barranquilla. En 1942 realizó su primera gira al exterior; estuvo en Panamá, donde actuó con éxito en Radio Estrella de Panamá, con acompañamiento del pianista y compositor Avelino Muñoz. En 1945 fue a Venezuela donde dio a conocer por primera vez la música costeña. Luego se dirigió a Santo Domingo, República Dominicana, país en el que escribe su primera canción "Santo Domingo" la cual llegó a convertirse en el segundo himno de República Dominicana. Hacia 1950 grabó con el compositor puertorriqueño Rafael Hernández discos de gran suceso en Puerto Rico, lo cual contribuyó a que la música colombiana se abriera paso entre las otras expresiones populares del Caribe. En Cuba actuó con la orquesta de Pancho Portuondo, en 1952 siguió a Nueva York, en donde son ampliamente conocidas sus canciones y empieza a grabar con el conocido pianista y compositor René Touzett. Esther Forero regresa a Colombia en 1959. Autora de conocidos temas de honda aceptación popular como "Mi vieja Barranquilla" (1974), "Luna barranquillera" (1963), "La Guacherna" (1976), "Volvió Juanita" (1978), "Palito 'e matarratón" (1964), "Tambores de Carnaval" (1978), "Nadie ha de saber" (2002), "El hombre del palo", entre otros.

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 17 de FEBRERO 2017 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.

lunes, 6 de febrero de 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 10 DE FEBRERO DE 2017
* Presentaremos en cabina en vivo al Dueto Los Norteños del Sur
* Oiremos grabaciones de los años treinta con el cantante argentino Luis Valente
* Además, recordaremos al peruano Benigno Ballón. Oiremos a la cantante tica Margarita Trejos, al cubano René Cabel, a las españolas Hermanas Fleta y al mexicano Ricardo C. Lara
* En la Cadena del recuerdo, enlazaremos con Radio Cristal de Guayaquil. En la Una canción colombiana para el mundo, disfrutaremos de la creatividad musical de Lucho Bermúdez

1. Este viernes tendremos música en vivo en la cabina de Hasta que el Cuerpo Aguante con interpretaciones del dueto aguascalentense llamado Los Norteños del Sur, conformado por Alejandro Ramos Burgos y Juan Manuel Hinojo. Este dueto nace de la casualidad hace unos tres años en las reuniones bohemias que organizaba el profesor Antonio Chávez Cigala. En una ocasión el profesor Chávez invitó a Juan Manuel Hinojo a cantar a esas reuniones y fue acompañado al teclado por Alejandro Ramos, uno de los asistentes a la reunión. La interpretación de ambos gustó entre los asistentes por lo que fueron nuevamente invitados a esas reuniones bohemias ya con un repertorio que incluía boleros y canciones de estilo norteño, por lo que uno de los asistentes a esa nueva reunión, el profesor Jorge Argüelles, los bautizó como Los Norteños del Sur. Habrá que decir que en la selección de temas ambos integrantes opinan pero al final Alejandro Ramos es quien hace los arreglos pertinentes y aporta también la segunda voz al dueto. Los Norteños del Sur han participado también en los viernes culturales en el vestíbulo del Congreso del Estado de Aguascalientes y también en el Festival del Bolero que promueve el señor Antonio Bernal.

2. Con el cantante argentino Luis Valente presentaremos las canciones "El huerfanito", "La Panchita" y "Atotonilco". El dueto Valente y Cáceres se conformó a finales de 1936 por dos argentinos Luis Valente, primera voz y Miguel Cáceres, segunda. Luis Valente nació, según él, en La Toma, provincia de San Luis, en Argentina, de madre mexicana, quien era acróbata. Creció en California, Estados Unidos. Se casó con una mujer de origen mexicano y tuvo un hijo, era indocumentado en Estados Unidos y posiblemente por esto no pudo salir de este país. Lo encontramos musicalmente en 1930, grabando en Hollywood como solista o a dueto con la soprano mexicana Guadalupe (Lupe) Posada, a quien alguien confundió con la voz de un hombre, posiblemente por su nombre, en este dueto adoptó el seudónimo de El Payador Argentino, luego actuó como guitarrista e hizo dueto con la extraordinaria segunda voz de Rafael Rodríguez (el Chino), puertorriqueño este. Antes se había unido en dueto comercial con Miguel Cáceres y grabaron para la RCA Víctor, desde enero de 1937 hasta diciembre de 1940. En el mismo tiempo cantó como solista acompañado de la Marimba Panamericana, orquesta de planta, con marimba de la RCA Víctor, dirigida por Joaquín García; después de separarse de Cáceres grabó con el monteriano (Colombia) Alejandro Giraldo en 1941 y las últimas grabaciones que se le conocen fueron acompañando con trío de guitarras al barítono colombiano Federico Jimeno. (Texto: Dr. Oscar Berruecos en http://lascancionesdelabuelo.blogspot.mx).

3. El mexicano Ricardo C. Lara fue un tenor operático nacido en 1905 que también grabó en los años treinta algunas canciones en el género popular. Incluso se le recuerda actuando en homenajes a diversos cantantes de la época. El 26 de abril de 1939 cantó en el Palacio de Bellas Artes de la capital mexicana en un Concierto de homenaje a Manuel Romero Malpica. En este concierto intervinieron, aparte de Ricardo C. Lara, los cantantes más importantes de México: Fanny Anitúa, María Romero, Esperanza Quesada, Carmen Ruiz Esparza, Albertina Montaño, Abigail Borbolla, Alfonso Ortiz Tirado y Francisco Sierra, entre otros. La madre de la actriz Katty Jurado, María Cristina Estela Jurado García, cantaba en la radiodifusora “XEW”, donde hizo duetos con Ricardo C. Lara o Juan Arvizu. Según Gabriel Pareyón, Ricardo C. Lara fue alumno de Lamberto Castañares y Alejandro cuevas. Perfeccionó su técnica vocal en España. Formó parte de repartos operísticos destacados y fue uno de los primeros en actuar el Teatro de Bellas Artes. Como director escénico se recuerda su trabajo en el estreno de la opera Tata Vasco en 1941. Escucharemos la canción “Me dejaste”, compuesta por Agustín Lara en el año de 1936, asimismo presentaremos una toma radial en la que el tenor Ricardo C. Lara canta “Valencia”, del español José Padilla.

4. Para recordar al compositor peruano Benigno Ballón escucharemos una de sus composiciones más emblemáticas, "Melgar", en las voces del dueto Valente y Cáceres. Benigno Ballón Farfán nació en Arequipa, el 13 de febrero de 1892 y murió el 12 de julio de 1957. Fue uno de los más reconocidos compositores y músicos arequipeños de todos los tiempos. Autor de casi todos los temas representativos de la ciudad, como el vals Melgar, Silvia, Arrullo, La Benita, todos los carnavales que se interpretan en la Ciudad Blanca, himnos, marineras, yaravíes, pampeñas, entre muchas otras composiciones que ahora son parte del acervo musical de Arequipa. El Vals Melgar fue compuesto por Benigno Ballón Farfán a la edad de 19 años en La Paz, Bolivia, en la Calle Ingabi 390, en un hotel, en medio de un aguacero. Luego, de regreso por Arequipa, el poeta Percy Gibson le agrega las dos primeras estrofas. Después de diez años, en otro momento de inspiración, compuso el resto de la canción. La música de Benigno Ballón Farfán, en plena Segunda Guerra Mundial, a pedido del mismo Adolfo Hitler era programada en Radio Berlín (1944-1945), en que se escuchaban Melgar, Silvia y Arrullo, inclusive en idioma alemán, interpretadas por las orquestas de cámara de Berlín y que se escuchaba en toda Alemania y Europa. (Imagen toda de http://canteradesonidos.blogspot.mx/2008_05_01_archive.html).

5. Mario Zaldívar, investigador musical que preside la Asociación Costarricense de Coleccionistas de Música Popular, escribe en el diario La Nación de Costa Rica que la cantante Margarita Trejos decidió salir del país tico cuando primo José Joaquín Trejos Fernández asumió la Presidencia de la República, ya que no se vería bien que él siendo presidente tuviera una prima cantando en el Club Unión. La solución fue que Margarita Trejos continuase su carrera en el exterior. Margarita Trejos nació en San José el 25 de julio de 1925. Desde niña, Margarita mostró una decidida inclinación por la música, aunque en su familia no había antecedentes en este campo. En principio se dedicó a la música clásica, no obstante, su vocación estaba en la música popular. En 1954, las estaciones de radio La Voz de la Victor y Alma Tica recibieron, en sus estudios, a la cantante Margarita Montes, contralto de dulces matices y voz temperamental, quien se inició cantando temas españoles. Pronto, la publicidad radial se dio cuenta de que en la joven había una promesa artística relevante, y con ello apareció el patrocinio de empresas tan importantes como la Cervecería Ortega, con su producto estelar: la cerveza Imperial, y la Tabacalera Costarricense, con los cigarrillos Virginia. Sin duda, había nacido una estrella en el campo artístico costarricense. En 1955, ya como Margarita Trejos, la artista realizó su primera gira internacional, a Puerto Rico. En 1961, el sello Peerless de México contrató a Margarita Trejos para grabar un disco de larga duración llamado “A solas contigo”. Margarita Trejos falleció en San José el 28 de abril de 1994. (Gracias a César González en Colombia y a Marco González en Costa Rica por la aportación sobre Margarita Trejos).

6. Con el cantante cubano René Cabel escucharemos tres temas musicales acompañado del Trío Taicuba. En 1937, René Cabel visitó México, donde grabó para discos Peerless. En ese país impresionó a Rafael Hernández, quien después fue a grabarle a Cuba 40 registros, casi todas composiciones del maestro boricua y de las cuales alcanzaron resonancia: Despecho (ódiame), Lejos de ti y Pobre gitana. Cabel se presentó también en Colombia, Brasil, Argentina, Chile, Venezuela y Puerto Rico, donde alternó con el gran cantante nacional Carlos Julio Ramírez. En Colombia es invitado por la cadena Kresto, actuó en las principales ciudades del país, en Medellín convenció a Willian Gil para que contratara a Benny Moré en 1955 en vez de la Sonora Matancera, que era el plan inicial del empresario de la Voz de Antioquia. Realizó grabaciones en la NBC, en Cuba le otorgaron un programa de televisión Cita con René Cabell, por el cual pasaron entre otros: Cantinflas, Arturo de Córdoba, María Félix, Pedro Vargas y Agustín Lara. Fue responsable artístico del cabaret Karachi, donde se daban cita entre otros Bola de Nieve, Elena Burke e iniciaba en el piano Frank Fernández. Radicado en Colombia a partir de 1964, cantaba ocasionalmente, fue empresario artístico y comercializador internacional de café colombiano, también regresó en ocasiones a Cuba a contratar artistas del Cabaret Tropicana, Tata Güines, Bobby Carcassés, entre otros. Fallece a la edad de 84 años en Bogotá, Colombia, producto a un prolongado proceso diabético el 3 de abril de 1998.

7. Este viernes escucharemos a las Hermanas Fleta para recordar a  Elia Fleta, nacida el 12 de febrero de 1928. Escribe Julián Molero que las Hermanas Fleta eran cantantes por tradición familiar. Las hermanas Elia y Paloma son hijas de Miguel Fleta (nombre original Miguel Burro Fleta), uno de los tenores más importantes del siglo XX y una de las primeras figuras operísticas españolas. Cuando este gran cantante de la música clásica española falleció en 1938, ellas eran apenas unas niñas. Su infancia transcurrió en un perpetuo ir y venir entre Madrid, donde nacieron, Zaragoza, Nueva York y Salamanca, de donde era natural su madre. Al inicio de la Guerra Civil la familia huye de Madrid, ya que Miguel es militante de Falange, y se refugian en La Coruña, donde fallecería dos años después. Carmen Mirat, madre de Paloma y Elia, siempre cuidó los estudios musicales de las dos niñas, que recibieron lecciones de canto prácticamente desde la cuna. Pero ninguna tenía cualidades musicales para el bel canto, por lo que decidieron dedicarse a la música ligera. Las primeras noticias que tenemos de las Hermanas Fleta datan de los primeros años 50, en que se presentan en “Cabalgata Fin de Semana”, programa de Radio Madrid conducido por su locutor estrella, el chileno Bobby Deglané. Este mítico presentador radiofónico las anima a dedicarse profesionalmente a la canción y les encuentra un sitio en Columbia, donde graban su primer disco: “Mulita / Pénjamo” (Columbia, 1952). 

8. En la sección Una canción colombiana para el mundo, el coleccionista Alberto Cardona Libreros  nos compartirá dos porros que son verdaderos garbanzos de a libra: uno interpretado por la orquesta de Lucho Bermúdez grabado en 1943 llamado  "Cadetes navales" y otro titulado "Borrachera", de Lucho Bermúdez, en versión de la orquesta del argentino Eduardo Armani, grabado en Buenos Aires. Luis Eduardo Bermúdez Acosta nació en Carmen de Bolívar, el 25 de enero de 1912 y murió en Bogotá, el 23 de abril de 1994. Fue más conocido como Lucho Bermúdez, fue un músico, compositor, arreglista, director e intérprete colombiano, es considerado uno de los más importantes intérpretes y compositores de música popular colombiana del siglo XX. La importancia de su obra musical radica en haber adaptado ritmos tradicionales colombianos como la Cumbia y el Porro, en ritmos modernos que se convertirían en símbolos de identidad nacional desde la década de los treinta. Lucho Bermúdez fue uno de los primeros innovadores que experimentaron con la adaptación de éstos ritmos locales del Caribe Colombiano, y que los adaptaron al lenguaje musical contemporáneo de la época. Su obra tuvo gran impacto en otros países de América Latina. Lucho Bermúdez fue tal vez el principal responsable por haber hecho que la Cumbia y el Porro se convirtieran en estandartes de la música colombiana a nivel internacional desde la década del 40. Su obra musical siempre estuvo profundamente influenciada por los porros y fandangos de la Sabana de Bolívar y los pueblos costeros de zona norte de Colombia.

9. Este viernes desempolvaremos una cápsula de la sección la Cadena del recuerdo en la que el locutor Jacinto Fajardo Ronquillo, desde la emisora Radio Cristal 870 AM de Guayaquil, nos presentará un recuerdo del cantante ecuatoriano de pasillo José Antonio Liberio, fallecido en 2014. Si alguien es testigo de la evolución de la música nacional en Ecuador, además de los artistas que la interpretan, es el comunicador Jacinto Fajardo. Treinta años de su vida dedicados a difundir este tipo de melodías y a animar actividades que las incluyen le dan el título irrefutable de locutor del pueblo. Cuenta con el aval del mismísimo Armando Romero Rodas, figura ícono de radio Cristal, una de las principales emisoras del género. Jacinto nos presentará una cápsula dedicada al cantante ecuatoriano José Antonio, recientemente fallecido que popularizó canciones muy difundidas en Ecuador y en el norte del Perú, con más de cuatro décadas de vigencia en los escenarios de Ecuador. El pasado día 22 de enero de 2014 falleció José Antonio Liberio, El pequeño gigante de la canción, artista que tanto deleito con su música, principalmente pasillo, género ecuatoriano popular, urbano y vocal, derivado del pasillo colombiano, el que a su vez tiene como su antecedente más cercano al vals europeo que se afirmó a mediados del siglo XIX. La introducción del pasillo al Ecuador data del último cuarto del siglo XIX.

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 10 de FEBRERO 2017 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 03 DE FEBRERO DE 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 03 DE FEBRERO DE 2017

* Presentaremos un programa con canciones arrabaleras
* Recordaremos a compositores como Carlos Crespo, El Chueco Váquez, Alberto Vides y otros
* Escucharemos a cantantes como Manuel Pomián, Chelo Silva, Julio Jaramillo, Fernando Fernández, Daniel Santos, Sonora Santanera y otros
* Desempolvaremos una cápsula de la sección El romántico de la cicatriz con canciones que Agustín Lara dedicó a las mujeres galantes

1. Este viernes presentaremos un programa especial dedicado a los intérpretes y boleros de un estilo de canciones denominadas arrabaleras o cantineras, muchas de ellas originadas en los años cuarentas y cincuentas, basadas en escenarios como cantinas o prostíbulos. Escribe Escribe Ma. del Carmen de la Peza, investigadora de la Universidad Autónoma Metropolitana, que estos boleros interpretados por cantantes populares y orquestas tropicales o pequeñas orquestas de tres o cuatro instrumentos acompañando al piano, en medio de números de rumberas y bailarinas. Lugar de encuentro y desfogue de los hombres de las distintas clases sociales y de las "malas mujeres", al margen de la vida familiar.Fueron diversos intérpretes y compositores a quienes podemos encerrar en esta forma que adoptó el bolero en esos años. Como compositores podemos mencionar al zacatecano Carlos Crespo, autor de “Hipócrita”, entre otras canciones, el mexiquense Alberto Vides, compositor de temas como “Fruto robado” o “Amor de cabaret”, que se hicieron famosos con la Sonora Santanera; Arturo Vázquez, El Chueco compuso  “Escoria humana”; Agustín Lara aportó naciones netamente arrabaleras desde el propio título como “Aventurera”, “Pecadora”, “Pervertida” o “Cortesana”, entre muchas; no podemos olvidar canciones como “Virgen de Media noche”, compuesta por el mexicano Pedro Galindo, o “Perfume de gardenias, del inolvidable Jibarito, Rafael Hernández. Como interpretes de boleros arrabaleros o cantineros podemos mencionar a la cantante texana Chelo Silva, al veracruzano Manuel Pomián, al trío Los Jaibos, Fernando Fernández y otros más.

2. El cantante veracruzano Manuel Pomián falleció hace 28 años, el 4 de febrero de 1989. Recordemos algunos datos que ya hemos publicado: Con base en documentos solicitados en el Registro Civil de Nuevo León y tomando en cuenta el Acta de Matrimonio 313, con fecha de 23 de Mayo de 1967, nuestro antiguo radioescucha en Monterrey, Francisco Saldaña, nos dice que Manuel Pomián Márquez, originario de Minatitlán, Veracruz, de 45 años de edad, se casó con Alicia Vivanco Juárez, originaria de Elota, Sinaloa. Asimismo el señor Saldaña nos compartió el Acta de Defunción 1064, con fecha del 6 de Febrero de 1989, en la que se asienta que Manuel Poumian (SIC) Márquez, casado con Alicia Vivanco, falleció el 4 de Febrero de 1989. Las causas de fallecimiento que mencionan son Infarto agudo al Miocardio, trombosis crónica, arterioesclerosis, diabetes mellitus, amputación bilateral e infección arterial. Es decir suponemos que las causas fueron complicaciones derivadas de la diabetes mellitus, teniendo el fallecido una edad de 68 años aproximadamente. Sin duda, Pomián fue un especial representante del bolero arrabalero en México, recordado por su particular acompañamiento en el piano del potosino Fernando Z. Maldonado, quien le dio a las canciones interpretadas por Pomián un estilo muy especial con un toque cantinero por lo que lo presentaremos este viernes.

3. Con la cantante texana Chelo Silva presentaremos tres boleros compuestos por el sinaloense Fernando Valdez: “Mala, muy mala”, “Aunque tenga que llorar” y “No vuelvas”. Consuelo Silva Chelo Silva nació el 25 de agosto, 1922 en Brownsville, Texas. Falleció el 2 de abril de 1988 en Corpus Christi, Texas, Estado Unidos. Fue de las más conocidas cantantes del bolero desde principios hasta mediados del siglo veinte.  Silva ayudó a popularizar y destacar su estado natal, Texas, junto con Lydia Mendoza, quienes son consideradas como “Las Grandes de Texas”. Silva empezó a cantar desde una temprana edad y para finales de los treinta ya estaba bien establecida musicalmente en su ciudad natal de Brownsville, gracias a una serie de presentaciones en un programa de radio local cuyo locutor era Américo Paredes.  Su popularidad creció en las zonas fronterizas durante los años cuarentas y cincuentas. Sus primeras grabaciones se hicieron para la disquera Falcon en 1954 y su música se distribuyó en México bajo el sello de Peerless. Su popularidad en Texas y México pronto se igualó a la que tenía en toda Latinoamérica, ya que se presentó durante mucho tiempo en diverso países de América. En Colombia todavía se le recuerda. (Con información tomada de vidaplena.mforos.com).

4. Una de las canciones más representativas del estilo arrabalero en el bolero es sin duda “Escoria humana”, llevada al disco por Manuel Pomián, las hermanas Padilla, entre otros intérpretes. El autor es el tamaulipeco Arturo Vázquez, a quien le decían “El Chueco”. Este viernes presentaremos este tema en la característica voz de El Chueco. Además escucharemos en su voz los temas “China hereje” y “Los Arrayanes”. Según datos aportados por Omar, Arturo Vázquez era originario de Nuevo Laredo, Tamaulipas y fue muy famoso en el noreste de México durante los años treinta y cuarenta. Era también compositor y él fue quien escribió el famoso bolero arrabalero “Escoria humana”, que entre otros, grabaron las Hermanas Padilla. Trabajó mucho en centros nocturnos de dudosa reputación (principalmente en bares, cantinas y en negocios ubicados en las llamadas zonas rojas) de Nuevo Laredo y Monterrey, principalmente, y se acompañaba de su piano. “El Chueco” Vázquez poseía un estilo muy característico para cantar con una voz muy delgada y chillona. Interpretaba boleros y canciones de desamor con el mismo estilo que el veracruzano Manuel Pomián, quien por cierto también grabó el bolero “Escoria Humana”. “El Chueco” padecía estrabismo y arrastraba una de sus piernas, de ahí el apodo. Grabó para Discos Falcón y Discos Imperiales, entre otros sellos discográficos. Su rostro le daba un aire Alejandro Ciangherotti (véase foto). Sin duda Arturo Vázquez era un bohemio empedernido.

5. Otro intérprete que grabó muchos boleros arrabaleros o cantineros fue Fernando Fernández, quien nació en Puebla, el 9 de noviembre de 1916. Conocido como “El Crooner de México”, debutó en 1933 en la emisora XEH de Nuevo León. Ese año viajó al Distrito Federal y trabajó en la XEN, así como también en la XEB. Más tarde viaja a Monterrey, donde se emplea como productor en la XET. En 1936, conoció a Emilio Tuero, quien le ayudó a ingresar a la XEW, donde tuvo su primera aparición ese mismo año. En 1939 fue protagonista de la primera boda transmitida a través de medios electrónicos en México. Contrajo matrimonio con Lupita Palomera, la cantante más bonita de aquellos años, causando tal expectativa que la boda fue difundida por radio. En Cuba, realizó presentaciones durante los años 30 y 40 en las estaciones CMQ y RHC. Falleció en Ciudad de México, México, el 24 de noviembre de 1999. Se le considera como el primer “crooner” que tuvo éxito radiofónico y discográfico. La palabra “crooner” proviene de Estados Unidos donde se utilizaba durante los años 30 y 40 para denominar a los cantantes de “voz menor” pero agradable, que interpretaban melodías dulces con voz aterciopelada y susurrante. También fue compositor, una de sus primeras obras musicales es “Muchachita” (en coautoría con Mario Ruiz Armengol), canción dedicada a su hija Guadalupe. Otros de sus temas son “Aunque tú no me quieras” y “Soñaré contigo” (ambas escritas en colaboración con Armengol), “Arrabalera” y “Por qué no nos queremos” (las dos en coautoría con Sergio Guerrero), “Cómo se baila el son” (escrita en colaboración con Guillermo Rodríguez) y “Espero un amor” (en coautoría con Manuel Esperón).

6. En voz de Daniel Santos escucharemos “Virgen de media noche”, de Pedro Galindo. Daniel Doroteo de los Santos Betancourt nació en Santurce, Puerto Rico, el 5 de febrero de 1916 y murió en Ocala, Florida, el 27 de noviembre de 1992. Hijo de un modesto carpintero y una costurera, tuvo que trabajar desde muy joven como limpiabotas para contribuir al sustento familiar; como otros tantos puertorriqueños, emigró junto a sus padres y hermanos a Nueva York a finales de la década de 1920. Con tan sólo catorce años decidió independizarse y comenzó a ganarse la vida como integrante de diversas formaciones musicales, dedicadas a amenizar fiestas y celebraciones. Durante los años treinta conoció a Pedro Flores,  el compositor quedó maravillado por su voz y lo reclutó para su célebre cuarteto. En 1941 fue elegido por Xavier Cugat para sustituir al cantante Miguelito Valdés al frente de su orquesta, pero nada más unirse al grupo debió abandonarlo al ser llamado a filas por el ejército estadounidense. En Cuba, tras trabajar una temporada para la Cadena Radial Suaritos, fue contratado por Radio Progreso como vocalista del conjunto la Sonora Matancera; este feliz encuentro lanzó inesperadamente su carrera artística hacia el estrellato, de forma que se convirtieron en el grupo musical latino más famoso y escuchado de toda Hispanoamérica, con especial éxito en la República Dominicana, México, Colombia y Venezuela. Santos falleció el 27 de noviembre de 1992, de un ataque cardiaco en Ocala, Florida. (Con datos de http://noticiaaldia.com/).

7. Alberto Videz nació el 16 de Julio de 1921, en Toluca, Estado de México. Radicó en Toluca hasta 1931 y de ahí se mudó a la ciudad de México. Realizó sus estudios en la Escuela Normal de Toluca, y posteriormente los continuó en la ciudad de México, con el profesor Jesús Rodríguez. Fue en 1948 cuando inició su carrera como compositor, con la canción Limosnero de amor. La obra que le dio mayores satisfacciones fue Limosnero de amor. También destacan Amor de cabaret, Fruto robado, Remolino, Quiero saber, Todo lo que sé y Todavía tengo corazón, entre muchas otras que han sido del gusto del público y grabadas por una gran cantidad de intérpretes. Cabe mencionar que toda su obra fue compuesta por él, tanto la letra, como la música. En su carrera como compositor recibió innumerables reconocimientos y homenajes por parte de radiodifusoras y programas de televisión, tanto en la ciudad de México, como en su ciudad natal y otras partes del país. Su mayor satisfacción como artista fue que toda su obra musical fue grabada e interpretada por famosos cantantes nacionales e internacionales, como Javier Solís, Fernando Fernández, Olimpo Cárdenas, Bienvenido Granda, Manolo Muñoz, Alberto Beltrán, la Sonora Santanera, Julio Jaramillo y diversos tríos como Los Jaibos, Los Tres Reyes y Los Soberanos; además de varias orquestas, como la de Gamboa Ceballos, y Cucho Rodríguez, entre otras. Alberto Vídez Barbosa falleció el 20 de junio de 1989, en la ciudad de México.

8. Conocido como “El Amigo del Pueblo”, el intérprete de música vernácula Gerardo Reyes falleció el 25 de febrero de 2015. Fue autor de temas como “Sin fortuna”, las letras de Gerardo Reyes aluden al campo y al contexto rural en general. Uno de los primeros logros del cantautor, nacido en Balsas, estado de Guerrero, el 25 de marzo de 1935, fue haber creado la poesía “A mi madre”, misma que le valió un premio en la escuela donde cursó sus estudios. Con tan sólo 18 años ya había ganado cinco concursos de aficionados en su estado natal y poblaciones cercanas. Su fama lo animó a ir a Estados Unidos para iniciar una carrera. Ya en el país vecino se desempeñó como locutor en una estación de radio en la ciudad de Phoenix, Arizona. Al mismo tiempo que trabajaba en la cabina de radio, cantaba en elegantes centros nocturnos música folclórica mexicana. Poco a poco se colocó entre el gusto del público estadounidense, por lo que se animó a grabar sus temas en una disquera que puso su interés en él. Entre sus éxitos destacan las piezas “Se lo dejo a Dios”, “Libro abierto”, “Pobre bohemio”, “Sin fortuna”, “Nada contigo”, “Cargando con mi cruz” y “Bohemio de afición”. A lo largo de su trayectoria compuso más de 600 canciones, 150 de ellas grabadas por él mismo y por muchos artistas más. Grabó más de 60 discos de larga duración. El cantautor también se desempeñó en el campo cinematográfico, filmó 80 películas. (Con información de http://www.elsiglodetorreon.com.mx).

9. Hace unos meses destacamos la obra de Carlos Crespo, en la que decíamos que se involucra la misoginia, el despecho, el ambiente nocturno, las pasiones humanas y lo arrabalero: “Hipócrita”, “Callejera”, “Escoria humana”, “Carta fatal”, “Un corazón” y otras más, fueron canciones que dieron vida al llamado cine de cabaretero, escenificado por Fernando Fernández, también destacado intérprete de Carlos Crespo. Al hablar sobre el filme hipócrita, Antonio Badú comento alguna vez que el argumento del filme fue del escritor y periodista Luis Spota, quien un día en el Longchamps del Hotel Reforma me mostró el argumento de la película, todavía con otro título. Días después estábamos Fernando Fernández y yo en el Regis, donde actuaba el cantante y compositor Carlos Crespo, quien nos cantó tres canciones: “Hipócrita”, “Amor de la calle” y “Callejera”. Hipócrita me gustó para título de la película cuyo argumento me había mostrado Spota. Se lo comenté al productor Oscar Brooks, quien decidió que así se llamara la cinta y que se incluyera la canción. Hipócrita, bajo la dirección de Miguel Morayta, se hizo al vapor, en sólo 13 días. Creo, sin embargo, que se logró una buena película, pues fue un trancazo en la taquilla. (Foto: AMEF).

10. Este viernes desempolvaremos una cápsula de la sección El romántico de la cicatriz, en la que Fernando Hernández nos hablará de las canciones que Agustín Lara dedicó a las “Mujeres galantes” y es que en la vida del compositor hubo cientos de mujeres, asegura Pável Granados, pero sólo una fue la más importante en su vida: Angelina Bruschetta. De acuerdo con el escritor, estudioso de la vida y obra del llamado “Flaco de Oro”, y autor del libro “Mi novia, la tristeza”, junto con Guadalupe Loaeza, enumerar cuántas fueron las mujeres en la vida del pianista es una tarea imposible de descifrar, “pues yo creo que ni él supo con cuántas anduvo, ya que se cuentan novias, esposas y varias prostitutas”. “En nuestro libro destacamos a 10 mujeres, pero quizá se contaron por cientos o miles”. “En 1917 Agustín Lara contrajo nupcias con una chica de Coyoacán. Por celos, la prostituta Estrella, con la que anduvo, le hizo con una navaja la cicatriz que cruzó su cara. “También se le relacionó con la bailarina colombiana Carmen “La Chata” Zozaya y tiempo después se casó con Rocío, la hija de la actriz Chabela Durán”. María Félix, la gran diva de México dijo, mantuvo una relación muy cerebral, se querían y admiraban mucho.

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 03 de FEBRERO 2017 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.

lunes, 23 de enero de 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 27 DE ENERO DE 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 27 DE ENERO DE 2017
* Presentaremos un programa especial dedicado al TANGO EN MÉXICO
* En la sección el romántico de la cicatriz oiremos una cápsula en la que Fernando Hernández nos hablará de la producción tanguera de El flaco de oro
*En la sección Una canción colombiana para el mundo, el dueto Briseño y  Añez

1. Este viernes presentaremos un programa especial temático en el que escucharemos un paseo musical por el tango en México. Oiremos cuales fueron algunos tangos compuestos por autores mexicanos, como “Tango negro”, que se considera el  primer tango mexicano, gracias a la creatividad del músico neolonés Belisario de Jesús García, y que escucharemos en una de sus primeras versiones que se conocieron en voz de la cantante cubana Pilar Arcos. También oiremos otros tangos mexicanos antiguos como Pecadora y El sacristán, del compositor aguascalentense Alfonso Esparza Oteo. Asimismo disfrutaremos de tangos argentinos pero cantados por voces mexicanas y latinoamericanas que destacaron en México en este género, como Emilio Tuero, Trío Argentino, Tito Guízar, Guty Cárdenas, Agustín Lara, Juan Arvizu, Carlos de Nava y hasta Lydia Mendoza, sin olvidar a Jorge el Che Sarelli, quien escribió un libro titulado El Libro Mayor del Tango (Ed. Diana-Mexico, 1974), con introducción de Carmelo Santiago, y en el capítulo El tango a través del tiempo menciona cómo el tango se introdujo en el gusto de los mexicanos, «en todas las clases sociales, tanto suburbanas como a la elite capitalina». Asimismo el artículo publicado por Jesús Orozco en todo tango.com, titulado Los orígenes del tango en México y sus intérpretes nos da un claro panorama de lo que originó este ritmo en México y por eso lo presentamos en forma íntegra en este menú musical. 

Los orígenes del tango en México y sus intérpretes

Por Jesús Orozco

Fuente: todotango.com

Con el disco “Mi noche triste (Lita)”, grabado por Carlos Gardel en 1917, comienza la era del tango canción que influiría definitivamente en la estructura musical, la temática y la literatura del tango. A partir de los versos de Pascual Contursi que salen de su garganta, El Morocho inventa el modo de cantar los tangos. Los cantantes que lo sucedieron, Ignacio Corsini, Rosita Quiroga, Charlo, Azucena Maizani y Hugo Del Carril, entre muchos otros, se sujetaron por fuerza a este estilo de interpretación. De este modo, la carta definitiva del tango cantado estaba echada. Había nacido a principios del siglo XX, se consagró en España y en Francia para formar parte de la vida social europea, cruzó el océano y se introdujo en el medio cinematográfico de Estados Unidos. En los países iberoamericanos despertó un extraordinario interés a partir de sus letras dramáticas y de elocuente espíritu carcelario. En suma, eran pasajes de la vida cotidiana que transcurrían en ambas márgenes del Río de la Plata, pero que eran transmisibles, por su universalidad, al resto de los pueblos hispano parlantes.

México no fue la excepción, gracias al apogeo de la radiodifusión y los avances fonográficos, en un país que estaba en plena modernización y recuperándose de una guerra civil. Su majestad el tango invadió las estaciones de radio, las casas de discos, los gramófonos, los altavoces de ferias y la mayoría de los hogares mexicanos. Comenta Jorge Sareli en su libro El tango a través del tiempo: «En la década de los treinta, el tango se situaba en la ciudad de México, por su calidad, su ritmo, su cadencia, su languidez, su temática, su drama, su tragedia, su ternura, su breve filosofía de la vida, su mensaje, sus situaciones humorísticas y su coreografía diferente a otros ritmos musicales; cobró miles de aficionados a este género que apasionó y cautivó a todas las clases sociales tanto suburbanas como a la elite capitalina». Continúa diciendo: «Era la música que más se difundía y se escuchaba con mucho interés y entusiasmo, se cantaba y se bailaba con la alegría clara de la novedad, que el pueblo de la ciudad de México asimiló insospechadamente y se adaptó a tal grado, que compositores y cantantes mexicanos se dedicaron de lleno a interpretarlo y a sentirlo tanto como cualquier artista argentino o uruguayo».

En XEB «La estación del buen tono» y en XEQ Cadena Radio Continental, se crearon grupos de cantantes que cultivaban el tango. Allí estaban Maruca Pérez La Mocosita, quien fuera la primera intérprete de la obra de Agustín Lara, Carlos de Nava El Gardel Mexicano, Blanca Reducindo, los hermanos Américo y Abdón Alak , El Trío Argentino, grupo mexicano que tomaba como modelo el trío homónimo de Irusta-Fugazot-Demare, Blanca de la Fuente, Raquel Moreno y El Che Sareli, entre muchos otros. Por supuesto que tendríamos que considerar en esta lista a los anteriormente consagrados: Emilio Tuero, barítono español radicado en México, el tenor Juan Arvizu, que fue primer cantante de tangos, el tenor Alfonso Ortiz Tirado, con su gran recreación del tango “Clavel del aire”, el popular Tito Guizar, Fernando Fernández, luego director de cine y gran amigo de Discépolo, Los gauchos de los ponchos verdes y el famoso bolerista Pedro Vargas, quienes además tuvieron la osadía de llevar al mundo, un repertorio con tangos compuestos por autores mexicanos como el inspiradísimo Agustín Lara con su tango “Arráncame la vida” o Belisario de Jesús García, creador de “Tango negro”.

Nos relata Sareli que: «en esa época, procedentes de Argentina, llegaban artistas de todas categorías y diferentes cualidades histriónicas; por ejemplo, actores, cantores, cancionistas, declamadores, poetas, compositores, autores, cómicos, bailarines, coreógrafos, escritores y directores de cine». La estrella argentina Libertad Lamarque conoció a Pedro Vargas y a Ortiz Tirado en el ambiente de radio de Buenos Aires, iniciándose una amistad que luego se acrecentaría con su llegada a México. El éxito que tuvo la cantante argentina fue contundente, no tenía competencia en el país azteca donde había muy pocas cancionistas de tango. Su extraordinaria repercusión popular la transformó en una diva, no sólo de la canción, también de la cinematografía y, a partir de la repercusión de sus películas, sus admiradores la distinguieron con la frase: La novia de América. Antes que ella en 1938, había estado la bella Mercedes Simone que fue la primera artista extranjera contratada por el mítico local nocturno El patio, propiedad del empresario Vicente Miranda. En 1932 estuvo el famoso Trío Argentino integrado por Agustín Irusta, Robertp Fugazot y Lucio Demare, aunque este último no viajó y en su reemplazo lo hizo Rafael Iriarte. Otros que llegaron entre 1937 y 1945, fueron: Azucena Maizani, Agustín Irusta, Alberto Gómez, el dueto Llamas-Barroso, que hacían tango, folclore y humor, Rosita Quintana y el gran Hugo Del Carril. También triunfaron en sus escenarios: Ignacio Corsini, Charlo, Ángel Vargas y Amanda Ledesma El ángel rubio del tango, quien tuvo una breve pero interesante carrera artística en el cine azteca.


Agustín Lara, sin duda el máximo autor popular que tuvo México, tampoco pudo evitar la influencia de la música ciudadana en su obra. Compuso varios tangos, la mayoría de ellos fueron grabados por Libertad Lamarque y entre los que sobresalen “Arráncame la vida”, posiblemente el más conocido, “Carita de cielo [b]”, “Mentira [d]”, “Reproche [b]”, “No tengo la culpa [b]”, “Canalla”, “El cofre”, “Lejos”, “Adiós [b]”, “Como te extraño”, “Consejo”, “Lo de siempre”, todos de gran calidad y difusión. El eximio creador de tantos boleros y canciones inolvidables como “Granada” o “María bonita”, nació en la ciudad de México el 30 de octubre de 1896 y falleció el 6 de noviembre de 1970.

2. Para redondear el tema del tango en México no podemos dejar de lado la producción tanguera de Agustín Lara, quien antes de conocer Argentina ya había escrito más de 24 tangos. Desempolvaremos una cápsula de la sección El románico de la cicatriz, en la que Fernando Hernández, desde Jalapa, Veracruz, nos hablará de la producción tanguera del Flaco de Oro. Orlando Ortega escribe que cuando por los años treinta el tango invadió a México, al igual que algunos compositores mexicanos, Lara se animó a incursionar en el mundo de este género y compuso su famoso tema “Arráncame la vida”.  El estilo del Flaco de Oro se prestaba para producir un tango con las altas dosis de dramatismo que este género demanda y logró una canción que hubiera sorprendido al mismo Gardel; con bandoneón, arrabal y mucho sentimiento.  Presumía Pedro Vargas “El samurai de la canción” que su compadre Agustín la había compuesto especialmente para él, sin embargo la versión en la voz de Lara contiene más sentimiento que la de Vargas e incluso que la de Libertad Lamarque.  Este tango se convirtió en un éxito en toda Latinoamérica y acompañó a los románticos enamorados que ofrecían su existencia al ser amado.  En los momentos en que este tango estaba en pleno apogeo, algunos que se encontraban al borde de la lipidia, al ser requerido de parte de un acreedor, exclamó con todo sentimiento “arráncame la vida”, en señal de que lo único con lo que contaba era su existencia.  (Con datos de https://ortegareyes.wordpress.com). 

3. En la sección Una canción colombiana para el mundo, el coleccionista Alberto Cardona Libreros, desde Bogotá, Colombia, nos hablará del dueto conformado por Alcides Briseño y Jorge Añez. Según datos de Jaime Rico Salazar, en los primeros meses de 1922 Jorge Añez salió del colegio donde estuvo aprendiendo inglés y tuvo la agradable sorpresa de encontrarse con Alcides Briceño, que en 1918 había llegado a los Estados Unidos en busca de mejores horizontes artísticos. Decidieron entonces formar un dueto. Briceño con el tiple y Añez con la guitarra. Sus voces se acoplaron tan bien que el circuito radial de Ail Keith los contrato para hacer una gira por Estados Unidos. Al regresar a Nueva York y con el acople conseguido en la gira se presentaron a la casa Victor que inmediatamente los contrató. Integraron al dueto al mexicano Manuel Valdespino, magnífico guitarrista y formaron el Trío Sevilla. Pero en la labor de grabación únicamente funcionaba el dueto, ya que así lo condicionaba el contrato firmado con el sello Victor. La primera sesión de grabación que hicieron Briceño y Añez fue el 5 de diciembre de 1922 y grabaron "Mi viejo amor" de Alfonso Esparza Oteo y el tango "La copa del olvido". La segunda grabación la hicieron con el bambuco "Ingrata" de Pedro Morales Pino y "Como olvidarla" bambuco de Alejandro Wills. Tuvieron el respaldo de la orquesta de Nathaniel Shilkret y también Justiniano Rosales los acompañó con el tiple.

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 27 de ENERO 2017 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.


lunes, 16 de enero de 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 20 DE ENERO DE 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 20 DE ENERO DE 2017

* Presentaremos diversas coplas o peleas musicales de películas de antaño
* Escucharemos tres canciones del compositor bilbaíno Carmelo Larrea
* Además, Juventino Rosas nació hace 149 años. Oiremos Fondo azul, con letra de Ignacio Magaloni Duarte. Alfonso Ortiz Tirado y sus viajes a Cuba. Rarezas musicales con el cantante cubano Reinaldo Henríquez. Presentaremos tres boleros del michoacano Salvado Rangel. Disfrutaremos de las canciones del trío tamaulipeco de los Hermanos Samperio
* En La cadena del recuerdo, una cápsula sobre Horacio Guarany, recientemente fallecido, y en Una canción colombiana para el mundo presentaremos el tema El trapiche

1. Este viernes recordaremos algunas bandas sonoras de escenas cinematográficas de antaño en las cuales destaca la participación de cantantes en amenas “peleas musicales” o coplas contestadas. Por ejemplo y tal vez la más famosa es la que protagonizaron Jorge Negrete y Pedro Infante en la película “Dos tipos de cuidado” en 1953. Fue uno de los momentos cumbres de la cinta y una verdadera joya antológica del cine nacional, la escena sucede durante la fiesta del santo de Genoveva, donde los dos protagonistas, Pedro Malo y Jorge Bueno, cantan las Coplas con las guitarras del Trío Tamaulipeco de los Hermanos Samperio. Inolvidable también es la película Allá en el rancho grande en las que podemos escuchar la pelea musical de Tito Guízar en las Coplas del caballo palomo, creadas por Lorenzo Barcelata. En la película “A volar joven” también Mario Moreno Cantinflas incluye este recurso de coplas o peleas musicales. Presentaremos igualmente fragmentos de la película “Ay palillo no te rajes”, en las que Jesús Martínez se pelea, musicalmente hablando, con los opositores políticos que tiene en la historia. Ofreceremos también las Coplas de retache con Jorge Negrete y Amanda Ledesma. Germán Valdés Tin Tan empleó también esta opción en algunas de sus películas como en “Lo que le paso a Sansón”, de 1955, y en “Loco por ellas”, de 1966, en donde destaca un contrapunteo, aunque amigable, con el cantante venezolano Néstor Zavarce.

2. El trío tamaulipeco de los Hermanos Samperio estuvo integrado por los hermanos  Guillermo, Rafael y Ernesto Samperio.  Debutaron en 1938 en la radio emisora capitalina XEQ.  Seis años después en la famosa XEW donde estuvieron en programación por muchos años.  Participaron en innumerables películas del cine mexicano: El criollo (1945), Camino de Sacramento (1945), La malagueña (1947), Cuando lloran los valientes (1947), Los tres vivales (1948), Flor de caña (1948), La última noche (1948), La novia del mar (1948), La mujer del otro (1948), Si Adelita se fuera con otro (1948), El charro y la dama (1949), Solo Veracruz es bello (1949), entre otras. Hicieron gira por América y visitaron Puerto Rico, Cuba y California, Estados Unidos. Se especializaron en música tradicional mexicana. El escritor Guillermo Samperio, hijo de Guillermo, uno de los integrantes del trío, define así las cualidades musicales de su padre: Mi padre era miembro del trío tamaulipeco de los hermanos Samperio y tocaba el requinto, pero también componía canciones; creo que desde el vientre materno y luego en la infancia lo escuché componerlas. Su método era ir incorporando la música a la letra. Yo veía cómo iba apareciendo la canción. Esta forma de componer de mi padre fue importante para mí, si bien no me fui por el lado de la música. Una canción tiene letra y música, y para mí la escritura de un cuento o de un texto en prosa, sobre todo en el primero, requiere de una específica musicalidad interna de las palabras.

3. Del compositor michoacano Salvador Rangel presentaremos los boleros “Canción del corazón”, en la voz de Genaro Salinas; “Juntito al mar” con Fernando Fernández y “Amor y olvido” con la cantante Toña La negra.  El compositor Salvador Rangel nació el 8 de Junio de 1910 en La Piedad de Cabadas, Michoacán. Falleció el 29 de Octubre de 1981. Según datos de la SACM, Salvador Rangel vivió en su tierra natal hasta 1922. En 1923 viajó a Guadalajara, Jalisco para estudiar la secundaria. Cuando la terminó entró al Conservatorio de Música. Su primer maestro de piano fue un gran músico alemán, después continuó sus estudios con el maestro Rosalío Ramírez. Más adelante estudió armonía con el maestro Andrés Sandoval. Continuó sus estudios de perfeccionamiento de piano y también de acordeón. Aproximadamente en 1930 se inició en el mundo de la composición, sus primeras obras fueron "Rayo de Luna", "Rumor de Serenata", "Tres Años", "Aires de Sinaloa" y "Arrullo del Mar". En 1931 viajó a Tijuana para probar suerte en la frontera norte. La obra con la que obtuvo mayores satisfacciones fue "Tu y Yo", ya que se le reconoció a nivel nacional en un evento que le fue organizado en el teatro Alameda, ahí se le dio el reconocimiento de Compositor del Año, por el éxito alcanzado con esa canción. El diploma que recibió fue firmado por Alfonso Esparza Oteo, que era Secretario General del SMACEM. Una anécdota refiere que un día se publicó en algunos periódicos la noticia de que Salvador Rangel y Alberto Domínguez se habían ahogado en una playa del Pacífico. Fue una coincidencia asombrosa, ya que eran unos homónimos.

4. Este viernes presentaremos tres canciones del compositor español Carmelo Larrea: “Dos cruces”, “Tres cosas” y “Camino verde”. Popularísimo compositor de tonadillas y canciones, autor de grandes éxitos musicales. Nació en Bilbao en 1908 y falleció el 2 de febrero de 1980 en Madrid. Trabajó durante cinco años en un circo, formando con otros dos muchachos un trío de piano, violín y concertina. Debutan en Donostia-San Sebastián formando parte del circo de los hermanos Carrey. Carmelo tocaba el piano y era un entusiasta de la música de "jazz". El primer gran éxito de este vasco fueron unas bulerías ¡Que buena soy!, que cantaba Gracia de Triana en una película de la época, "Escuadrilla". En 1941 escribe Noche triste, que es estrenada por Antonio Machín en Sevilla, obteniendo un gran éxito. A partir de entonces, Larrea no cesa en su producción musical y compone nuevas canciones, tales como: “Las doce en punto”, “Un año más” y el pasodoble “No te puedo querer”. Se desplaza a Madrid, donde vive en el Hotel de la Marina de la calle del Carmen y trabaja en la orquesta de Alazán. Larrea, animado por un amigo suyo, Méndez Vigo, escribe una canción para un festival musical. La canción, titulada en principio Soledad, después pasaría a llamarse Dos cruces. Siguen los éxitos de Larrea: Camino verde, escrita para que la interpretara "Angelillo" en la película "Suspiros de Triana" (1955) de Ramón Torrado. Posteriormente, se desplaza a América y, tras recorrer varios países durante nueve años, regresa a España (Con datos de http://www.euskomedia.org/aunamendi/86315).

5. Desde la península yucateca recordaremos al poeta Ignacio Magaloni Duarte, nacido en Mérida, Yucatán, el 25 de enero de 1898 y fallecido el 29 de abril de 1974. Fue hijo del también poeta Ignacio Magaloni Ibarra. Estudio en Mérida en el Colegio de San Ildefonso y en Estados Unidos en el Seaton Hall College. Según datos de Don Luis Pérez Sabido en su Diccionario de la Canción Popular en Yucatán, con poemas de Magaloni Duarte, Guty Cárdenas compuso el bolero “Fondo azul” y la danza “Hoy que vuelves”, que graba el Ruiseñor en el sello Columbia en el año de 1929. Ignacio Magaloni Fuerte fue director de la revista El Faro (1920), en el puerto de Progreso, jefe de redacción del Diario del Sureste (1931) y colaborador del Diario de Yucatán. Fundó la revista Poesía de América (1952-1956). Versos suyos fueron musicalizados, aparte de Guty Cárdenas, por Manuel “Chel” Solís. Magaloni murió en la ciudad de México donde radicó gran parte de su vida. Por sus aportaciones a la música yucateca, su retrato al óleo forma parte de la galería de poetas del Museo de la Canción Yucateca. De Ignacio Magaloni Duarte es el libro Educadores del mundo, en el que se refiere a la aportación que hicieron al mundo los mayas, toltecas, nahuas, quiches, quechuas e incas.

6. Para recordar a Alfonso Ortiz Tirado, nacido el 24 de enero de 1896,  escucharemos en su voz dos canciones cubanas grabadas en la isla: “Martha” y “El mayarí”, acompañado de la orquesta de Radio Suaritos. En junio de 1932 el artista estuvo en Cuba para actuar, pero ya en La Habana, dio la noticia de que también lo haría en la ciudad de Camagüey, donde tenía algunos amigos médicos que le habían invitado a visitarlos. Según las crónicas, su actuación en el Principal durante la noche del jueves 16 de junio fue a teatro lleno, por lo que cuando el cantante supo que fuera de la sala había quedado mucho público sin poder entrar, anunció que volvería a cantar al siguiente día, pero a las cinco de la tarde, pues a las ocho de la noche embarcaría de regreso a La Habana. El día 17 en horas de la mañana, y a pesar del programa, dejó a un lado su descanso para volver al hospital de la Colonia Española a interesarse por un caso de Osteomielitis que en la víspera había discutido con sus colegas camagüeyanos, sin que estos dieran esperanzas sobre los resultados de cualquier operación. Ortiz solicitó permiso para operar esa misma mañana al paciente, quien dio su consentimiento. Esa operación fue muy complicada y duró varias horas, pero resultó un éxito. Por cierto que aquel trabajo de cirugía luego se utilizó como cursillo especializado, debido a la moderna técnica medica aplicada y que era en parte desconocida en Cuba. (Con datos de http://panoramaciudad.blogspot.mx/2011/10/alfonso-ortiz-tirado-y-en-el-recuerdo.html).

7. Dos rarezas musicales son la que presentaremos con el cantante cubano Reinaldo Henríquez y la orquesta Casino de la playa, se trata de los temas mexicanos “Bésame mucho”, de consuelito Velásquez, y “La feria de las flores”, de Jesús Chucho Monge. La Voz más Expresiva de América, como se le conoció a Henríquez, nació en Santiago de Cuba, antigua provincia de Oriente, el 21 de agosto de 1915. Falleció en La Habana, el 8 de junio de 1987. Inició su carrera artística en 1939, en la radioemisora CMKO de Santiago de Cuba. En la década del 40 se trasladó para La Habana, donde actuó por las radioemisoras CMQ, Mil Diez y RHC-Cadena Azul, acompañado por el pianista y compositor Orlando de la Rosa. En 1942 viajó a los Estados Unidos, contratado por Edmund Chester. Se presentó por la CBS de Nueva York, y en el cabaret El Chico, de Greenwich Village. En 1953 regresó a Cuba. El pianista Frank Emilio fue su acompañante por varios años. Henríquez tenía un amplio repertorio, sobre todo dominaba las canciones de Adolfo Guzmán. Reynaldo Henríquez trabajó con el Quinteto Instrumental de Música Moderna, integrado, entre otros, por Frank Emilio y el baterista Guillermo Barreto. Este intérprete actuó, entre otras salas, en el Museo Nacional de Bellas Artes, acompañado por el pianista y compositor Frank Domínguez. Esta fue una de sus últimas presentaciones en público.

8. Hace 149 años, el 25 de enero de 1868, nació José Juventino Policarpo Rosas Cadenas, en Santa Cruz de Galeana, hoy Ciudad Juventino Rosas, en el Estado de Guanajuato. Para recordarlo escucharemos sus composiciones “Sueño de las flores” y “La cantinera”. Fueron sus padres, Don José de Jesús Rosas y Paula Cadenas. A Don José le tocó combatir contra la intervención francesa; era músico militar, tocaba el arpa y enseñó música a sus hijos, con quienes formó un trío que tocaba en bailes, bautizos y otros eventos, lo que les permitía obtener modestos ingresos. En este trío, Manuel el hermano mayor, tocaba la guitarra; Juventino el violín, y su padre el arpa. Como el pueblo era pequeño no encontraban oportunidades para su desarrollo, por lo que decidieron viajar a la ciudad de México en 1875. Una vez ahí, se convirtieron en uno más de los muchos grupos que trataban de sobresalir y ganar un poco de dinero y un poco de prestigio. El trío se convirtió en cuarteto, ya que se incorporó su hermano patrocinio, quien actuaba como cantante. Eran un conjunto de arpa, violín, guitarra y voz, pero la situación de ellos no mejoro, ya que además de una fuerte competencia, su aspecto eminentemente indígena, no les ayudaba. El conjunto familiar se desintegró a causa de la muerte de Manuel, quien falleció en una riña de vecindad, al disputar con un rival el amor de una mujer. Juventino encontró acomodo en algunos grupos musicales. 

9. En la sección Una Canción Colombiana para el Mundo, desde Bogotá, el coleccionista Alberto Cardona Libreros nos hablará de la canción “El trapiche”, Con letra de Ismael Enrique Arciniegas y música de Emilio Murillo Chapul. En el caso de Ismael Enrique Arciniegas, nació en Santander, Colombia, el 2 de enero de 1865 y murió en Bogotá, el 23 de enero de 1938. Fue un poeta cuyo estilo se encuentra en la transición del romanticismo al modernismo. En Bucaramanga comenzó a ejercer el periodismo, profesión que mantuvo el resto de su vida. En 1887 fundó El Impulso; posteriormente dirigió La República y El Eco de Santander. En 1904, Arciniegas adquirió el periódico El Nuevo Tiempo, donde desarrolló una labor periodística muy importante que se extendió, a lo largo de casi tres décadas, hasta finales de 1930. El periódico, cuya ideología era conservadora, alcanzó una enorme influencia en la política. La defensa de causa aliada en la primera guerra mundial, le valieron a Arciniegas condecoraciones, como la Legión de Honor en grado de Gran Oficial; la Orden del Imperio Británico en grado de Comandante; La Orden de la Corona de Bélgica en grado de Gran Oficial. Ismael Enrique Arciniegas es especialmente reconocido por su obra poética, centrada en temas como la naturaleza y el amor. De su basta obra podemos mencionar los siguientes poemas: A Solas, Inmortalidad, El Trapiche, Fugitiva, El poeta Bohemio, Romanza antigua, Paisaje, La Balada del Regreso, Noche de invierno, La Canción del Otoño, Su Corsé, El Baño, El Virrey.

10. En la Cadena del Recuerdo, escucharemos una cápsula dedicada a Horacio Guarany, con la producción de FM Latina, de Trelew, Argentina. El folklorista argentino Horacio Guarany falleció el pasado 13 de enero de 2017 a los 91 años. Grabó 57 discos y actuó en innumerables festivales, con gran éxito. Horacio Guarany nació el 15 de mayo de 1925 en Las Garzas, provincia de Santa Fe, con el nombre de Eraclio Catalín Rodríguez. A los 17 años se estableció en Buenos Aires con el proyecto de triunfar como cantante. Al inicio de su carrera interpretó folclore, pero también tangos y boleros, mientras se ganaba la vida como estibador en el puerto. Se inició con la Orquesta de Herminio Giménez, cantando música paraguaya y en idioma guaraní. En 1957 debutó en Radio Belgrano de Buenos Aires, consiguiendo que su interpretación de «El mensú» (de los hermanos Ramón Ayala y Vicente Cidade), se difundiera en las estaciones de radio. Fue autor de  conocidas composiciones como «Guitarra de medianoche», «Milonga para mi perro», «La guerrillera», «No sé por qué piensas tú», «Regalito» o «Si se calla el cantor». A los 32 años publicó el primero de los 57 discos que comprende la trayectoria de uno de los más populares artistas del folclore; una trayectoria que tuvo su apogeo en los años sesentas y setentas, con sus mensajes de protesta y su reivindicación de las vidas de los peones, los campesinos y los trabajadores golondrina. Muchas de sus célebres composiciones musicales acompañaron las letras del gran poeta tucumano Juan Eduardo Piatelli. El cantor se mantuvo activo prácticamente hasta hace un año. En enero del 2015 había actuado en el Festival de Jesús María, aunque en el 2016, por razones de salud, suspendió su recital.

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 20 de ENERO 2017 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.