¡ NUEVO ! Hasta que el Cuerpo Aguante del 08 de SEPTIEMBRE 2017

Hasta que el Cuerpo Aguante Radio 24 horas on line

Vea lo que pasa en Cabina en vivo Estéreo Mendel

Visite nuestro sitio en la WEB

lunes, 18 de septiembre de 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 22 DE SEPTIEMBRE DE 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 22 DE SEPTIEMBRE DE 2017
* Escucharemos al Dueto Fantasma, donde cantó también Nery Landa, prima de Benny Moré
* Hace 99 años nació El tenor de la Voz de Oro
* Además, Jaime Nolla  Reyes nació hace 108 años. Tres joyas de los treinta con el trío México. Un viejo amor, con letra de Fernandez Bustamante. Oiremos a Mario Alberto Rodríguez
* En la sección Permítame un recuerdo, desde Cuba, cómo nació La engañadora; y en Una canción colombiana para el mundo, semblanza de Ángel María Camacho y Cano


1. En 1946 en México, Benny Moré se casó con Juana Margarita Bocanegra Durán, el padrino de la boda lo fue el afamado cantante mexicano Miguel Aceves Mejías. Juana, de nacionalidad mexicana y de profesión enfermera, trabajaba con el célebre cantante mexicano Dr. Ortiz Tirado. Allí de 1945 a 1950 canta con las orquestas de Arturo Núñez, Rafael de Paz y Mariano Mercerón. Formó dúo con Lalo Montané y el resultado fue magnífico, era el mejor dúo de música antillana, se denominaban “El Dúo Fantasma” y por razones comerciales “El Dúo Antillano”. Benny Moré grabó para la RCA Víctor con las orquestas de Mercerón, Arturo Núñez y Rafael de Paz. Cuando actuaba a dúo con Lalo, grababan con la orquesta de Arturo Núñez, la actuación con las orquestas era invariablemente por contratación. Nuestro amigo en Costa Rica Mauricio Aymerich preguntaba quién era la voz femenina que acompaña al dueto en el tema “Encantado de la vida” y “Rumberos de ayer”, un disco de 78 rpm del sello Victor. Gracias al apoyo de Roberto García en la Florida,  podemos saber que esa voz era la de Nery Landa, prima del Bárbaro del Ritmo. La carrera de Benny Moré en México fue vertiginosa, saltó a la cima de la popularidad después de sus actuaciones en los cabarets “Montparnase” y “Río Rosa”, en varios de salones de bailes afamados, y sus grabaciones con las mejores orquestas ya mencionadas. Contribuyó además a su fama el contrato como vocalista de la orquesta de Damaso Pérez Prado con la que graba más de 60 discos y de aquellos éxitos han quedado grabados: “Bonito y Sabroso”, “Mucho corazón” “Pachito e´che”, “Ensalada de mambo”, etc.Con Pérez Prado conquistó al noble pueblo azteca en giras por distintos estados de ese país hermano. Debido al éxito alcanzado por el Benny, el pueblo le otorgó el título de “Príncipe del mambo” y a Pérez Prado el de “Rey del mambo”. (Con datos de http://www.sancristobal.cult.cu).

2. Genaro Salinas Cardona nació el 19 de Septiembre de 1918, hace 99 años, en el barrio “El Cascajal”; en el puerto de Tampico, Tamaulipas. Todavía no tenía veinte años cuando se radicó en el Distrito Federal para empezar a cantar en vivo en la XEW, la estación más importante del país. Era la década de los cuarenta, y el bolero vivía su gran auge en el mercado mexicano. Y Salinas, a quien los críticos catalogan hasta la fecha como uno de los cantantes con mayores aptitudes vocales que ha tenido México, encontró rápidamente un espacio para desarrollar su carrera. Según Omar Martínez Benavides, uno de los investigadores más importantes de la vida y la obra de Genaro Salinas, en 1941 firmó su primer contrato discográfico con la RCA y grabó temas acompañado por las orquestas de Rafael de Paz, Miguel Ángel Pazos y Absalón Pérez.  Pocos años más tarde, Salinas también habría grabado para la compañía Peerles, otra de las empresas importantes en la industria del disco. Con una carrera consolidándose y un creciente éxito en las estaciones de radio y en los emblemáticos centros nocturnos de aquella vieja Ciudad de México, el futuro ya ofrecía algunos problemas para Salinas. Martínez Benavides, sostiene que el talento y el arrastre popular que comenzó a mostrar “la voz de oro de México”, como ya lo llamaban, generaron las envidias de un gremio que ya no tenía más cupo para celebridades. Ello lo habría llevado a buscar el aplauso, ahora hacia el sur, en un largo camino que incluyó países como Colombia, Chile, Perú, Venezuela, y Argentina, donde de hecho radicó durante varios años. (Foto y datos www.genarosalinas.org.mx).

3. Hace 108 años, el 23 de septiembre de 1909, nació el cantante Jaime Nolla Reyes, llamado también El tenor de la hora azul. Este viernes lo recordaremos con tres de sus grabaciones. Fue en la ciudad primaveral de Cuernavaca, Morelos, en donde vino al mundo este cantante que hoy poco se recuerda. Jaime Nolla fue un cantante proveniente de una familia de artistas que realizaba giras por varios estados de la República Mexicana e incluso por otros países, de ahí la confusión de que algunos lo consideraran como nacido en Honduras, lugar al que la familia visitó debido a sus presentaciones artísticas. Nolla fue un bolerista de los años cuarentas que actuó en la emisora XEW y en otras estaciones de radio. Fue uno de los primeros que llevaron al disco boleros como “Despedida” de Pedro Flores y” Chacha linda” de los Hermanos Martínez Gil, entre otros. Aunque también grabó otros géneros como tangos, Melodía de arrabal y Beso de Mujer. Grabó además algunos duetos con su esposa. De acuerdo con datos de Héctor Madera Ferrón, Nolla Reyes salta a la fama en el año de 1935 y logra ocupar un lugar de privilegio. “Durante mucho tiempo yo grabé cuatro canciones quincenales con la Peerlesss”, comenta Nolla Reyes, quien agrega “esa era la razón por la que todos los compositores noveles se acercaban para darme canciones y que las grabara. A esa gente siempre me gustó siempre darle la mano, un ejemplo claro de ello fue Federico Baena”. En el año de 1967 decidió poner fin a su carrera y dedicarse a otras de sus pasiones: la escultura y la pintura. Nolla Reyes decidió retirarse ante su público en el hotel tamaulipeco “Imperial” con un recital inolvidable.

4. Este viernes volveremos a disfrutar de las voces del  antiquísimo Trío México gracias al aporte de Rogelio Antonio Ramos. El trío México fue una agrupación que grabó una gran cantidad de discos de 78 rpm en la década de los años treinta. Lamentablemente no hay muchos datos de esta agrupación, aunque nos comenta Omar Martínez Benavides que tal vez uno de los integrantes de este trío fue el cantante Abundio Ortiz de quien ya hemos presentado algunas grabaciones como solista. El propio Rogelio Antonio Ramos agrega que otro integrante del trío México puedo haber sido José J. Torres, que es el autor de varios temas que grabaron principalmente para el sello DECCA. Ya hemos comentado anteriormente en este espacio que Abundio Ortiz realizó una gran cantidad de discos de 78 rpm durante la década de los años treinta para los sellos discográficos DECCA y Bluebird, principalmente. Ortiz fue, aparte de cantante solista, un destacado guitarrista, pero hay pocos datos biográficos de él. El investigador musical Óscar Berruecos Uribe señala que Abundio Ortiz era una voz que decía las canciones como su admirado Agustín Lara, de quien interpretó y grabó muchas canciones en esa década de los treinta. Los temas que llevaron al disco reflejan principalmente la realidad del campo mexicano, ya que la mayoría de las canciones tiene un toque de mexicanidad que reflejan la vida en el campo en aquellos años, aunque también grabaron una gran cantidad de boleros. Títulos como “Ya me estoy poniendo chango”, “El toro Coquito”, “Ya no ti horco”, “La acamaya”, “Mujer del 36”, “El chinchorro” y otra más, forman parte de las más de 50 grabaciones que este trío hizo para el sello DECCA. Las grabaciones que compartiremos este viernes con el Trío México fueron grabadas en el año de 1937 para el sello DECCA.

5. Este viernes disfrutaremos la voz del cantante tenor y actor  mexicano Mario Alberto Rodríguez. Según datos de Jaime Rico Salazar, Mario Alberto nació en Chihuahua el 15 de octubre de 1919 y falleció en el año de 1990. Una de las voces de tenor más lindas y emotivas del bolero en México. Realizó giras por el continente, y grabó para la casa Victor. Mario Alberto empezó cantando en una radiodifusora local en Chihuahua, o por lo menos allí fue donde se le empezó a conocer. Por su parte Alfonso Diez, de la página codigodiez.mx cuenta que Mario Alberto Rodríguez, el magnífico tenor que nos deleitó con su gracia y su voz en "Mi Bella Dama", junto a Manolo Fábregas, cantando “Con un poquitín de suerte a mi favor…”, me platicó que cuando Humberto Cravioto estaba en la cúspide de su popularidad, le dio un consejo: “Canta bajito…”, y se burlaba de quien lo aconsejaba: “Cómo es posible que Cravioto me salga con eso, que cante quedito él, que no tiene mi voz…”, pero la realidad es que Mario Alberto también se equivocó, no interpretó de manera adecuada el consejo de Humberto, éste se refería a las interpretaciones que Rodríguez hacía de canciones comerciales y a las grabaciones de discos. Casi todos los cantantes que no utilizan la técnica del Bel Canto “dicen” las canciones. Los mismos directores artísticos les aconsejan cantar bajito al grabar un disco, para que la voz pase con todo el sentimiento y para que las notas altas no se escuchen forzadas.

6. La canción Un Viejo amor se debe a la creatividad musical de Alfonso Esparza Oteo, pero la inspiración poética en la letra la puso Adolfo Fernández Bustamante, quien nació en Veracruz, Veracruz, el 27 de septiembre de 1898. Vivió en el Puerto de Veracruz hasta su adolescencia. Posteriormente viajó a la ciudad de México para continuar sus estudios que culminaron con una licenciatura en Derecho.  También estudió la carrera de compositor en la ciudad de México. Su primera obra fue la letra de “Un viejo amor”, por invitación del maestro Alfonso Esparza Oteo, que había compuesto la música. Fue jefe de la oficina de Espectáculos, en el periodo de Ernesto P. Uruchurtu; y Secretario General del Sindicato de Autores y Compositores, y del de Adaptadores de Teatro y Cine, y director en ambas áreas. Relataba que cuando era Jefe de la Oficina de Espectáculos, en el periodo de Ernesto P. Uruchurtu, se estrenó su película “A los Cuatro Vientos”, estelarizada por Miguel Aceves Mejía y Rosita Quintana. En ese tiempo las autoridades capitalinas eran muy estrictas en cuanto al exceso de cupo en los cines. A esa función asistió el licenciado Uruchurtu, pues era su amigo, y cuál sería la sorpresa de ambos al ver personas de pie hasta en los pasillos... La canción con la que logró el mayor reconocimiento fue “Un viejo amor”. Recibió el reconocimiento Teponaxtli de Malinalco, por la realización de cortos cinematográficos en color sobre la ciudad de México, con los que se configuró la mejor campaña de interés nacional en 1955. Adolfo Fernández Bustamante falleció el 18 de Marzo de 1957. (Con datos de la SACM).

7. Hace 57 años, el 25 de septiembre de 1960, murió Cirilo Marmolejo Cedillo. Nació en Hacienda de Las Trojes, municipio de Teocaltiche, Jalisco, el 9 de julio de 1890 y murió en la ciudad de México. Mariachero. Muy pequeño se estableció con su familia en Tecolotlán, Jalisco, donde inició su actividad como músico guiado por Valentín Covarrubias. Desde entonces sobresalió como ejecutante de vihuela. Se incorporó al Mariachi Coculense que había formado su padre, José Santos Marmolejo, y con él inició una constante trayectoria artística. Hacia 1920 marchó al Distrito Federal con su grupo musical. El 4 de junio de 1921 actuó en el teatro Iris para ofrecer un homenaje a la famosa tiple de opereta Esperanza Iris. En 1926 grabó con el Mariachi Coculense los primeros sones y canciones de mariachi que se registraron en discos de 78 revoluciones, para la compañía RCA Victor, en los estudios de la calle Villalongín. Igualmente, fue el primer mariachi que grabó acompañándose de instrumentos como flauta, clarinete y trompeta. En 1931 efectuó una exitosa gira por el norte de la República Mexicana, y al año siguiente participó en el filme sonoro Santa. Luego actuó en Chicago, en la Feria Mundial de 1933, y en Texas. Después, ya con el Mariachi Tapatío, Marmolejo continuó sus giras por todo México y grabó otros discos a partir de 1937. En la ciudad de México fundó la cantina y restaurante El Tenampa, que se convirtió en uno de los lugares de encuentro de mariachis más activos fuera de Jalisco. (Con datos tomados de Diccionario Enciclopédico de Música en México por Gabriel Pareyón).

8. Para este viernes en la sección La Carpa hemos hecho una recopilación de grabaciones muy antiguas que tienen que ver con aspectos de la Independencia de México. Por ejemplo, en antiguos discos de 78 rpm la Asociación de Estudios Fonográficos ha encontrado autenticas piezas fonográficas de museo, por ejemplo “Grito de Independencia” con el Cuarteto Metropolitano”; “Grito de Dolores”, pieza grabada en 1910 en las voces de Julio Ayala, Maximiano Rosales y Rafael Herrera Robinson; “El centenario: Aniversario de Grito de Dolores”, en interpretación de Julio Ayala; entre otros títulos. La Independencia de México fue la consecuencia de un proceso político y social resuelto por vía de las armas, que puso fin al dominio español en los territorios de Nueva España. La guerra por la independencia mexicana tuvo su antecedente en la invasión de Francia a España en 1808 y se extendió desde el Grito de Dolores, el 16 de septiembre de 1810, hasta la entrada del Ejército Trigarante a la Ciudad de México, el 27 de septiembre de 1821. El movimiento independentista mexicano tiene como marco la Ilustración y las revoluciones liberales de la última parte del siglo XVIII. Por esa época la élite ilustrada comenzaba a reflexionar acerca de las relaciones de España con sus colonias. Los cambios en la estructura social y política derivados de las reformas borbónicas, a los que se sumó una profunda crisis económica en Nueva España, también generaron un malestar entre algunos segmentos de la población.

9. En la sección Una canción colombiana para el mundo, el coleccionista Alberto Cardona Libreros nos ofrecerá una semblanza y canción del compositor Ángel María Camacho y Cano, nacido en San Estanislao, Departamento de Bolívar, el 1 de agosto de 1901. Falleció en Barranquilla el 29 de diciembre de 1993. Estudió en Cartagena en el Seminario San Carlos Borromeo durante 5 años de 1912 a 1916. Pero fue ahí donde se dio cuenta que la música era lo suyo. Dada su condición de “costeño”, la obra de Camacho y Cano es principalmente de ritmos de esa región, siendo importante destacar que fue quien primero exportó los aires caribeños a los Estados Unidos, aunque antes Jorge Añez ya había exportado música colombiana  los Estados Unidos, pero éste lo hizo con los ritmos del interior. Ángel María Camacho y Cano estudió derecho y música en Cartagena y a la edad de 24 años traslada su residencia a Barranquilla. Allí, con la ayuda del distinguido comerciante de la época Ezequiel Rosado logra realizar un viaje a Estados Unidos para realizar algunas grabaciones. A su regreso a Barranquilla organiza su propia orquesta de la cual fue vocalista titular el famoso tenor panameño Alcides Briceño. Ángel María Camacho y Cano se casó con una de sus alumnas de piano, Mercedes Alandete Estarita, con quien tuvo cuatro hijas mujeres, todas ellas dedicadas a la música: Zoila, Rosita, Lyra y Viola. Sus incursiones como compositor de música andina quedan registradas en su importante obra “Colombiafonía” que con arreglos para gran orquesta sinfónica es un compendio de todos los aires colombianos del interior. Es también autor de varios pasillos y bambucos como “Bajo la luz de la luna”, “Ondulación”, “Cielo azul” y del que mas permanencia y difusión ha tenido dentro de toda su obra: “Hortensia”.

10. Desde Cuba, en la sección Permítame un recuerdo, Gaspar Marrero, de la emisora CMGC, Radio Vitral, 103.9 FM de la ciudad de Sancti Spiritus, Cuba, nos ofrecerá una cápsula en la que nos contará como nació el cha cha chá “La engañadora”, de Enrique Jorrín, que narra la historia de una joven con distribución anatómica colosal que asistía al salón de baile sito en los altos de las esquinas de Prado y Neptuno, y a quien “todos los hombres la tenían que mirar”, para descubrirse después, ¡oh, decepción!, que “en sus formas sólo relleno hay”. Enrique Jorrín nació en Candelaria, Pinar del Río, Cuba, el 25 de diciembre de 1926. Su padre participó en la Segunda Guerra Mundial como soldado del Ejército Norteamericano y murió en combate; era sastre y clarinetista de orquestas populares. Por su parte Enrique Jorrín desde muy pequeño se dedicó al estudio de la música. A los 11 años de edad creó e interpretó con la agrupación “Selección”, de la Habana Vieja, su primer danzón titulado “Hilda”; posteriormente integró otras agrupaciones donde se significaron: “Arcaño y sus Maravillas” y la Orquesta “Ideal”, dirigida por Joseíto Valdés Catani. Fue violinista, inicialmente de la orquesta del Instituto Nacional de la Música, bajo la dirección de González Mántici. En 1941 ingresó en la orquesta danzonera Hermanos Contreras, donde se asentó en el cultivo de la música popular. Pasó seguidamente, a la orquesta de Arcaño y sus maravillas. Estando en la orquesta América en los inicios de la década del cincuenta, creó la nueva forma musical bailable denominada cha cha chá. De 1954 a 1958 permaneció en México. En 1964 realizó una orquesta una gira por África y Europa.

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 22 de SEPTIEMBRE de 2017 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.

lunes, 4 de septiembre de 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 08 DE SEPTIEMBRE DE 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 08 DE SEPTIEMBRE DE 2017
* Desde Texas, escucharemos a la cantante Delia Gutiérrez
* Desde el sur: el dúo Buono-Striani; el tango Esperanzas de Rubinstein y la voz de Magaldi
* Presentaremos las voces de José Mojica, Pedro Vargas. El Piporro murió hace 14 años. 
* En la Cadena del recuerdo, el merengue venezolano; y en Una canción colombiana para el mundo, la Orquesta de las Américas de Efraín Orozco

1. Este viernes presentaremos algunas canciones en voz de la cantante texana Delia Gutiérrez, quien comenzó su carrera en la década de los años cuarenta. Delia Gutiérrez fue hija única de Eugenio Gutiérrez y Melida Ayala. Delia nació el 5 de julio de 1931 en Weslaco, Texas. Su padre, quien era parte de una familia de granjeros de Runge, Texas, fue un joven con mucho talento musical que empezó a tocar el violín a los 9 años de edad y de adulto conformó su orquesta que acompañó por muchos años a su propia hija. A pesar de su obvio talento, Delia admite que su padre realmente no quería que ella se convirtiera en cantante. Debido a que su padre estaba enfermo, se decidió que ella empezaría a cantar profesionalmente con la orquesta familiar, la Orquesta Eugenio Gutiérrez, a los 12 años. "Esa fue la única razón por la que me dejó cantar", dijo Delia. La orquesta de Eugenio Gutiérrez se presentaba en varios lugares del valle de Texas: desde Brownsville hasta Rio Grande City. Los domingos actuaba en la emisora KURV de Edinburg, Texas. A finales de los cuarenta, la Orquesta de Eugenio Gutiérrez comenzó a grabar para el sello Falcón de Arnaldo Ramírez. Posteriormente dejaron el sello Falcón y comenzaron a grabar para Discos Ideal de Armando Marroquín a principios de los años 50. Entre las grabaciones populares para el sello Ideal se encuentran "La Carta", "Cenizas", "Falsedad" y "Blue Moon". Durante ese mismo tiempo, a la orquesta se integró un joven trompetista llamado Moisés "Moy" Pineda. Delia y Pineda se enamoraron y se casaron en 1954. Tuvieron tres hijas. Delia continuó cantando con la orquesta hasta 1971, cuando murió su padre. Posteriormente Moy Pineda conformó su grupo Moy Pineda Mini-Band, y Pineda eventualmente convenció a Delia para volver a cantar. Ella continuó hasta que ella se retiró oficialmente en 1990. Actualmente vive en McAllen (2016).  (Véase foto de la orquesta de Eugenio Gutiérrez, con Delia a la izquierda). (Con datos de Eduardo Martínez de www.themonitor.com).

2. En la sección La Carpa, hoy saldremos de México para llegar hasta Argentina. Conoceremos a un dúo cómico que durante los años treinta y cuarenta actuaban en radio y televisión de ese país y dejo varios discos grabados. Cada uno tenía una forma de hablar cómica característica. Era el dueto Buono - Striano. Fueron muy famosos en Argentina. Salvador Striano y Rafael Buono debutaron en 1932 en la emisora LT3 Radio de la Sociedad de Cerealistas de Rosario, y en 1936comenzaron a actuar en radios de Buenos Aires, como Radio Odeón. Desde Radio Centenario pasaron a Radio Belgrano de la mano de su propietario Jaime Yankelevich. Por lo general, cuando el dúo Buono-Striano interpretaba un skech, Salvador se vestía de mujer, mientras Buono lucía su inseparable traje bien ajustado al cuerpo, hecho de tela a cuadros. Buono era además de actor, un excelente bandoneonísta y pianista, elementos que no tardó en combinarlo con su humor. Fueron artistas de Jabón Palmolive durante doce años, empresa que auspició algunos de sus exitosos programas radiales. Ya en esos tiempos actuaron conjuntamente con grandes y consagradas figuras del medio artístico de ese entonces como Libertad Lamarque, Mercedes Simone, y Francisco Canaro. Dejaron registro de su comicidad en los filmes La virgencita de madera de 1937, y Al toque de clarín de 1941. También hicieron varias giras por Chile, Uruguay y Perú. Luego de que Buono fuera condenado a varios años de prisión por el homicidio de su amante, Striano formó un dúo con Adolfo Stray con quien se presentó en Radio Belgrano, pero al tiempo se separaron. Al salir Buono de la cárcel hicieron una segunda aparición en la década de los sesenta como "Los Reyes de la Risa", pero su vigencia fue efímera debido a la poca repercusión. Buono falleció en 1970 y Salvador Striano murió el 1 de mayo de 1993.

3. Existe un tango llamado “Esperanzas”, que hoy pocos lo recuerdan pero que fue grabado en los años treinta por dos cantantes: una en Argentina y la otra en Texas: Libertad Lamarque y Lydia Mendoza. El tango en cuestión se debe a la autoría de Luis Rubinstein, quien a pesar de que ni siquiera completó la escuela primaria, era un letrista prolífico. Según datos de Julio Nudler, Rubistein, además fue periodista en la revista del editor Julio Korn La Canción Moderna, luego devenida Radiolandia, y dirigió Sintonía, creada en 1933 por Emilio Kartulovic, «Kartulo», publicaciones que acompañaban el auge de la radiofonía y del tango en ésta. Callejero, indomable, Luis se mezcló muy pronto en los ambientes del tango, con su ambición y su voracidad, que con los años lo convirtió en un obeso incontrolable. Cuando conversaba con el popularísimo cantor Agustín Magaldi, que era tartamudo como Luis, parecían estar mofándose mutuamente. Siendo todavía un adolescente, Luis cantó con Juan D'Arienzo, pero luego abandonó ese intento. Hizo del cabaret su mundo, con todo lo imaginable. “Cadenas”, el primer tango que lleva música y letra de Luis, es de 1933. Tema de trazo grueso, fue estrenado por Mercedes Simone. Pero la pieza cumbre llegaría en 1940 con “Charlemos”, historia de un acercamiento romántico entre dos desconocidos a través del teléfono: «Charlando soy feliz,/ la vida es breve./ Soñemos en la gris/ tarde que llueve./ Hablemos de un amor,/ seremos Ella y El,/ y con su voz/ mi angustia cruel / será más leve...» Como impactante final, el golpe bajo de la anécdota: él es ciego. «No puedo... no puedo verla;/ es doloroso, lo sé./ ¡Cómo quisiera quererla!/ Soy ciego... Perdóneme.» (Datos tomados de Todotango.com).

4. Hace 79 años, el 8 de septiembre de 1938, falleció Agustín Magaldi Coviello. Había nacido en Rosario, Provincia de Santa Fe, el 1 de diciembre de 1898. Fue un eximio músico, compositor y cantor de tango argentino. En su casa eran afectos a la música lírica, y así pudo germinar en el pequeño Agustín, el apego por la canción, dado que permanentemente se escuchaba en su hogar, los discos de Titta Ruffo y Enrico Caruso. Existen rumores que plantean que en Junín conoció a Eva Duarte, futura esposa de Juan Domingo Perón, de quien fue amigo de infancia. Apodado La voz sentimental de Buenos Aires, contemporáneo a Ignacio Corsini y a Carlos Gardel, forma parte de la canción popular en su apogeo de la década de 1930. Magaldi participó del inicio de transmisión de LOY Radio Nacional de Argentina en julio de 1924. Entre sus grabaciones más populares se destacan la canción Nieve, los tangos Disfrazado, Vagabundo, Levantá la Frente, y muchos valses y canciones camperas. Si bien no lo manifestaba, Magaldi sufría de malestares hepáticos, con cólicos dolorosos, pero después de un reposo los mismos se atenuaban. A comienzos de septiembre de 1938, a partir de malestares más seguidos, su clínico de cabecera, el Dr. Pedro Goyena, lo internó en el Sanatorio Otamendi por un cuadro agudo, donde decidieron operarlo. Parecía que la intervención a cargo del Dr. Pedro Valdez había sido un éxito, pero tras 48 horas el cuadro se agravó, y el 8 de septiembre, a la edad de 39 años. Fue enterrado en el Cementerio de la Chacarita en Buenos Aires. En tres años los argentinos perdían dos de sus más grandes cantores, tras la muerte de Carlos Gardel en 1935.

5. Gracias  las amables peticiones de los radioescuchas, presentaremos a Eulalio González Piporro, quien falleció hace 14 años, el 1 de septiembre de 2003. Eulalio González Ramírez pasó su infancia, debido al trabajo de su padre, habitando diversos sitios fronterizos del norte de México, y es viviendo en Ciudad Guerrero (ahora bajo las aguas de la Presa Falcón), Tamaulipas donde tiene su primer contacto con la radio, hecho que lo haría soñar con ser un famoso locutor. Ya en su juventud su padre lo anima a estudiar el bachillerato en medicina, carrera que abandona, cambiándola por la de contaduría, carrera de la que no obstante haberse titulado, nunca ejerció, pues su inquietud por el periodismo lo lleva a trabajar en periódico “El Porvenir” de Monterrey, como reportero y estenógrafo, cubriendo una nota para el diario en la estación de radio XEMR-AM. En diciembre de 1942 le llega la oportunidad de convertirse en locutor de la misma, así como de conducir algunos eventos en vivo, desde cenas de gala hasta funciones nocturnas de lucha libre. También fue locutor en la XEFB, igualmente en Monterrey. Las aspiraciones de Eulalio lo llevan a viajar en 1944 a la cosmopolita Ciudad de México para tratar de colocarse como anunciador en la entonces famosa “Voz de América Latina", la XEW, en donde fue aceptado pero no como locutor, sino como actor de radionovelas. A fines de la década de los 40 se hace una audición para interpretar un personaje llamado “El Piporro” en la serie radiofónica Ahí viene Martín Corona en la XEQ, estelarizada por el astro cinematográfico Pedro Infante, logrando rotundo éxito y adoptando Eulalio el mote con que sería popularmente conocido en su posterior carrera en el cine.

6. Este viernes recordaremos al cantante José Mojica, nacido hace 121 años, el 14 de septiembre de 1896, en San Gabriel, Jalisco y fallecido en Arequipa, Perú, en 1969. Cantante, tenor. Inició su carrera como cantante de coros infantiles, primero en Guadalajara, y después en la ciudad de México, donde fue discípulo de José Eduardo Pierson y Alejandro Cuevas. En 1915 se integró al elenco de la Compañía Impulsora de Ópera. El 5 de octubre de 1916 debutó como primer tenor con la ópera Il barbiere di Siviglia, presentada en el teatro Arbeu. Ese mismo año marchó a Nueva York, donde conoció a Caruso, quien lo recomendó a su futura compañía: la Ópera de Chicago. Hizo estudios particulares de alemán, inglés y francés y cantó con éxito en esos idiomas, en varias ciudades de EU. Después de la muerte de Rodolfo Valentino fue contratado para actuar en cine en Hollywood. Entonces grabó numerosos discos para la firma Edison (1922-1925) y llegó a ser  considerado como “el mejor tenor del mundo” y “el más famoso” luego de cantar con Mary Garden Pellèas et Melisande, de Debussy. Entre sus exitosos filmes destacan El rey de los gitanos (1932), La cruz y la espada (1937) y El capitán aventurero (1938). Regresó a México para sepultar a su madre en 1940, y después de concluir con una gira por Sudamérica, decidió recluirse en un convento. Fue ordenado sacerdote el 13 de julio de 1947 en el templo Máximo de San Francisco de Jesús, en Lima, en donde cantó varias misas. Donó todos sus bienes a la Iglesia y a los necesitados y recaudó nuevos fondos en presentaciones callejeras por toda Sudamérica. (Con datos tomados del Diccionario Enciclopédico de Música en México, escrito por Gabriel Pareyón).

7. Este viernes escucharemos algunas de las primeras grabaciones del el cantante Pedro Vargas, quien a los seis años de edad ingresó al coro infantil de la parroquia de San Miguel Allende, Guanajuato, allí aprendió solfeo, piano y órgano. En 1921 se trasladó a la ciudad de México. Cursó el bachillerato e ingresó a la facultad de medicina, la cual abandonó pronto para dedicarse al canto con la asesoría de José Eduardo Pierson. Debutó en 1928 en el teatro Iris con el papel de «Turiddu», de la ópera Cavalleria rusticana, de Mascagni; entonces alternó con Manuel Romero Malpica y María Romero. Ese mismo año emprendió una gira por EU y Canadá como solista de la Orquesta Típica de Lerdo de Tejada, y grabó en Chicago su primer disco, con la canción Primer amor, del mismo Lerdo. En 1930 ganó el concurso Ann Harding (*) por su interpretación del vals homónimo de Espinosa de los Monteros; de inmediato fue contratado para formar parte del elenco de la radiodifusora XEW, donde cobró fama como intérprete de las canciones de Agustín Lara. Desde entonces se le conoció como “El Samurai de la Canción” o “El Tenor Continental”. En 1936 realizó su primera gira por Centro y Sudamérica, como solista. En 1942 cantó en la Casa Blanca, invitado por el presidente Franklin D. Roosvelt; más tarde hizo actuaciones privadas ante Getulio Vargas y Augusto Pinochet. Apareció en más de 40 películas. Vargas compuso algunas canciones, de las cuales sobresalen “Me fui”, “Porteñita mía” y “Tú me haces falta”. (Con datos tomados de Diccionario Enciclopédico de Música en México, escrito por Gabriel Pareyón y de Historia de la música popular en México, de Juan S. Garrido).

8. En la sección Una canción colombiana para el mundo, el coleccionista Alberto Cardona Libreros, desde Bogotá, Colombia, nos presentará una grabación en 78 rpm que incluye un porro con la Orquesta de Las Américas de Efraín Orozco, una de las más importantes figuras en la historia de la música en Colombia. Compositor, director de orquesta e intérprete sobresaliente de piano, trompeta, guitarra y flauta, nació en Cajibío, Cauca, el 22 de enero de 1897. Se inició en la música bajo la dirección de su propia madre, la guitarrista Amelia Morales de Orozco. Trashumante y aventurero como lo fue siempre, Orozco recorrió muchos países de Latinoamérica hasta afincarse finalmente en Buenos Aires por cerca de 18 años a finales de la década del 30. Allí transformó su orquesta, Los Alegres Muchachos, en Efraín Orozcoy su Gran Orquesta de las Américas, agrupación con gran influencia del jazz que contó con músicos de la importancia de Álex Tovar y el barítono Carlos Julio Ramírez; así como de cantantes argentinos como Leo Marini, Carlos Argentino Torres y Lita Nelson. De regreso en Colombia se radicó en Popayán, donde fue director de la Banda Sinfónica del Cauca. Allí siguió componiendo hasta su fallecimiento, en Bogotá, en 1975. Entre sus composiciones más exitosas se cuentan el inmortal pasillo “Señora María Rosa”, y otras como “La llamaban primavera”, “Allá en la montaña”, “Tenjo”, “Diana”, “Adiós a Popayán”, “Ramón”, “Claudia”, “Dos vidas”, “Volver” y “El regreso”, compuesto tras su vuelta definitiva de la Argentina. Orozco falleció en Bogotá, en el Hospital San José, el 27 de agosto de 1975, cuando era atendido a causa de un neoplasma gástrico por un grupo de médicos que encabezaba el doctor Omar Orozco, su hijo.

9. En la sección La Cadena del Recuerdo, Luis Paredes y Nury Tinedo, del programa La colección de mis recuerdos, de la emisora Sabor 106.5 de Maracaibo, Venezuela, nos compartirán una cápsula dedicada al merengue venezolano también conocido como merengue rucaneao, que es una forma musical extendida por todo el Caribe, proveniente principalmente de República Dominicana. Las primeras apariciones de merengue en la impresión en Venezuela son de la segunda mitad del siglo 19. Como manía de la danza, el merengue adquirió popularidad en Caracas en la década de 1920. A pesar de que comparten el mismo nombre, los ritmos tienen muy poco en común, excepto que eran comúnmente escritas para una pareja de baile. En Caracas, el término se designa como un merengue rucaneao que es una forma de bailar en la celebración de las parejas y, a menudo con exagerados movimientos de cadera, paso que le sumo una posterior controversia, ya que era considerado por los conservadores de entonces como una manifestación vulgar. Tal vez por lo acaramelado de su nombre, por la impudicia de sus letras o por la forma de bailarlo, que requería ciertos movimientos acentuados de las caderas y un acercamiento muy estrecho de la pareja. Esta forma musical tuvo su mayor auge entre 1920 y 1940, ya entrada la década de 1950, este baile caraqueño llegó de la mano de la orquesta de Luis Alfonzo Larraín.

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 08 de SEPTIEMBRE de 2017 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.

lunes, 28 de agosto de 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 01 DE SEPTIEMBRE DE 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 01 DE SEPTIEMBRE DE 2017
* Programa especial dedicado al bolero en España
* Escucharemos canciones de Carmelo Larrea
* Presentaremos las voces de Lolita Garrido, Jorge Sepúlveda y Raúl Abril. Los Hermanos García Segura y sus canciones. Triunfadores en España: Machín y Lorenzo González
* En la Cadena del recuerdo, semblanza de Herminio Kenny; y en Una canción colombiana para el mundo, presentaremos al Dueto de Antaño

1. Este viernes daremos un repaso a lo que fue el bolero en España: sus cantantes, sus compositores y sus figuras principales. De acuerdo con el escritor español Javier Barreiro, en España el bolero tuvo su época de oro entre 1940 y 1955 y en el gran músico cubano Antonio Machín su principal exponente. El más grande de los compositores españoles de este género fue Carmelo Larrea (1902-1980), que pasó de gerente en una fábrica bilbaína de bicicletas a payaso, pianista en un trío y saxo en un tablao sevillano. Antonio Machín, nacido en Sagua la Grande, Cuba el 17 de Enero de 1903, quien después de recorrer prácticamente toda Europa interpretando los boleros que por entonces eran famosos en Cuba y México, decide quedarse a vivir definitivamente en España, entre otras razones, como consecuencia de haber comenzado la segunda guerra mundial. Probablemente, el bolero con el que más se le identificaba en España hasta la fecha de su muerte en Madrid, España, el 4 de Agosto de 1977, fue “Angelitos Negros”. Debido al éxito que tenía el bolero en América y la implantación de dicho ritmo en España a través de Antonio Machín, propició que algunos compositores españoles de la época se decantaran por este ritmo para realizar nuevas creaciones; entre ellos estaban Genaro Monreal Lacosta, Carmelo Larrea Carricante, Luis Araque Sancho, Jacobo Morcillo Uceda, Fernando García Morcillo, Manuel Palos Aruña, Alfredo García Segura, Gregorio García Segura, Augusto Algueró Dasca  otros. Entre los intérpretes se puede mencionar a Jorge Sepúlveda, Lolita Garrido, Raúl Abril, Juan Legido, Lorenzo González (venezolano) y otros.

2. Carmelo Larrea Carricante nació en Bilbao el 7 de Julio de 1907 y falleció el 2 de Febrero de 1980 en Madrid. En su juventud, hizo estudios musicales en las Sociedades Filarmónicas de Bilbao y Valencia. Después de finalizada la Guerra Civil española, fijó su residencia en Sevilla, donde para subsistir tocaba el piano y el saxo en un tablao flamenco del Barrio de Santa Cruz llamado Las Cadenas. Cuando dio por terminada su estancia en Sevilla, se trasladó a Madrid, trabajando en un centro nocturno llamado El Alazán, donde conoció al periodista y compositor Mariano Méndez-Vigo, que le convenció para que participara en un concurso que Radio Nacional de España patrocinaba con el nombre de El Tribunal de la Canción. En dicho concurso, presentó un bolero titulado “Soledad”, al que con posterioridad le cambió el nombre por el de “Dos cruces”, siendo éste el más importante en su carrera como compositor. No obstante, el bolero más popular de Carmelo Larrea, fue sin duda “Camino Verde”, estrenado por Angelillo, en la película “Suspiros de Triana”, siendo incorporado rápidamente en el repertorio de Johnny Albino y El Trío San Juan, Juanito Segarra, Trío Los Panchos, Libertad Lamarque, Lucho gatica y Alfredo Sadell, entre otros. Otros boleros compuestos por Carmelo Larrea fueron “Puente de Piedra”, siendo un gran éxito de Juanito Segarra, en España y de Víctor Hugo Ayala en Colombia, además de los titulados “Que pare la vida”, popularizado por la reina del bolero ranchero, María Elena Sandoval y “Cautiverio”. Además de los ya mencionados, Carmelo Larrea, compuso otros boleros, entre ellos los titulados “Las tres cosas” y “No quiero volver contigo”. Otro género que cultivo profusamente Carmelo Larrea, fue el Pasodoble, obteniendo una gran popularidad con el titulado "No te puedo querer”, que fue grabado inicialmente por Jorge Sepúlveda y con posterioridad por Juan Legido con Los Churumbeles de España”.

3. Alfredo García Segura nació en Cartagena, España en el año 1927 y falleció el 24 de Julio de 2008. Fue pianista, arreglista y compositor y es quien escribe las letras de las canciones musicalizadas por su hermano Gregorio. Gregorio García Segura nació también en Cartagena, España, el 13 de febrero de 1929 y falleció en Madrid, el 5 de Diciembre de 2003. Fue Alumno del Conservatorio de Cartagena, obtuvo sus títulos por el de Conservatorio de Madrid, donde se examinó por libre de armonía, contrapunto, fuga, orquestación y composición. Gregorio García Segura destacó como pianista, tarea en la que realiza un buen número de conciertos con muy buena crítica. Cuando se esperaba que se dedicara a esta actividad, sorprende dedicándose a la composición, y más concretamente a un género totalmente diferente al clásico: canciones y revistas musicales. Desde 1949 residió ya definitivamente en Madrid, en donde se vinculó pronto al mundo del cine, más de 200 películas cuentan con su música. Entre sus éxitos de los primeros años destacan las canciones "Un Compromiso" interpretada por Antonio Machín y "Un Telegrama“, de Monna Bell. También compuso las canciones de la película "Carmen la de Ronda", de Sara Montiel. Trabajó de forma continua con su hermano Alfredo, habiendo numerosas piezas firmadas como “Hermanos García Segura”. Además de los dos temas antes mencionados, también compusieron el bolero “Envidia”, muy popular en las voces de Vicentico Valdés, Lucho Gatica (véase foto en la que este cantante chileno aparece con los Hermanos García Segura), Daniel Santos y muchos más y “La primera piedra”, bolero que Rolando Laserie incluyó en su repertorio.

4. De origen valenciano, Lolita Garrido nació el 24 de Marzo de 1928 en Manises. En 1945 su familia se traslada a Madrid y es allí donde comienza a forjar su carrera musical. Comenzó cantando en el Club Bellas Artes y de ahí fue contratada por la sala de fiestas J'Hay situada en el centro de la capital española. Debido a la gran aceptación por parte del público su contrato se prolonga por tres años.  Pronto se destaca por el swing que imprime en sus interpretaciones, el sello Columbia se interesa por ella y en 1947 lanza su primer disco. En Abril de ese año se suma a la lista de mujeres que, como Rina Celi, Mary Merche o las Hermanas Russell, fueron pioneras en grabar boogie-woogie cantado en España. Acompañada por la Orquesta de Luis Rovira con su cantante José Castro, Lolita nos dejó el fantástico "En Pasapoga", en referencia a la famosa Sala de Baile madrileña inaugurada en 1942. En Octubre de 1947 le llega su primer gran éxito, y uno de los más grandes de su carrera, con el bolero "Viajera". En su cara B figuraba el tema "La Televisión" que entonces no tuvo gran repercusión, pero que hoy día se incluye en los recopilatorios musicales sobre la época por la curiosidad que tiene haberle cantado a ese medio nueve años antes de su primera emisión en España: "...la televisión pronto llegará, yo te cantaré y tú me verás...". Rumbas, boleros, fox, cha-cha-chá se incluyen en su repertorio y se lanza al estrellato actuando en las famosas salas madrileñas Morocco, Pasapoga o Casablanca. Su estilo swing no deja indiferente y edita unos cuantos discos. Una larga carrera para la gran Dama del Swing española.

5. Otra figura del bolero en España fue el cantante Jorge Sepúlveda, cuyo nombre verdadero fue Luis Sancho Monleón, nacido en Valencia, en 1917 y fallecido en Palma de Mallorca, el 16 de junio de 1983. Fue un cantante español de boleros y pasodobles. Antiguo sargento del ejército republicano, tras pasar por el campo de concentración de Albatera, en 1941 trabajaba como contable, pero se fue a Zaragoza a probar suerte como cantante y de allí a Madrid, donde inicia su carrera artística en la Sala Casablanca en 1942. Empezó a grabar discos y sus canciones se popularizaron a través de la radio, en programas de canciones dedicadas muy escuchados en la época, cuando las orquestas y artistas de moda actuaban en directo. El cénit de su popularidad lo vivió con sus boleros en las décadas de los 40 y los 50, cuando fueron muy populares en su voz entre otros boleros: "Coruña", Limosna de amor, Monísima (chotis), El mar y tú, María Dolores, Bajo el cielo de Palma, Dos cruces, A escondidas, Campanitas de la aldea, Mi casita de papel, Malvarrosa, Qué bonita es Barcelona, Quiero llevarme tu amor, La noche que te conocí, Tres veces guapa (pasodoble), Monasterio de Santa Clara, Santa Cruz o Sombra de Rebeca y muy especialmente sus dos grandes números: Mirando al mar y Santander. A mediados de la década de 1960, los boleros ya no eran la música preferida de los españoles -junto a la copla- y con la llegada de las baladas italianas y la música anglosajona, parece que su estrella declina. Hasta que, en la década de 1970, TVE pone en antena el programa Mundo Camp, en el que reviven sus viejos éxitos, vuelve a los escenarios y se reeditan sus discos.

6. El cantante Raúl Abril (José María Juncosa Panadés) nació en Porrera, Tarragona, España, el 28 de enero de 1911 y murió en Madrid, el 28 de marzo de 1969. Estudió magisterio y ejerció la profesión de maestro antes de la guerra civil, profesión de la que, después, fue depurado y hubo de buscarse la vida como cantante. Así, en el periodo republicano, durante los fines de semana y con el sobrenombre de Young Jancs, actuaba con la orquesta American Jazz y también intervino repetidamente en programas musicales de Radio Tarragona. Soldado en el bando republicano, perdió un dedo en el frente de Belchite y, tras la derrota, padeció cárcel y fue depurado de su puesto de maestro, por lo que debió volver a probar fortuna como cantante en la orquesta de Luis Duque, donde, grabó sus primeros discos y tomó el nombre artístico de Raúl Abril, con el que fue conocido. Estuvo después con las importantes orquestas de Martín de la Rosa y Plantación y en 1943 formó la propia, primero conocida como Melodians y, luego, con el nombre del propio cantante. De voz agradable y acariciadora, aunque poco potente, se especializó en boleros y en la década de los cuarenta grabó más de un centenar de canciones y obtuvo sus mayores éxitos: “Tico-tico”, “Siempre en mi corazón”, “Celos”, “Mi caravana”, “Las Ramblas de Barcelona”, “Mi casita de papel”. En 1950 se instaló en Madrid y siguió actuando con su orquesta por España, antes de aceptar el trabajo de director artístico de la famosa sala de fiestas madrileña “Casablanca”, cargo que desempeñó hasta su muerte.

7. La cantante Rina Celi destacó más en el género del jazz que en el bolero. Nació en Barcelona, el 4 de febrero de 1920 y murió en Asunción, Paraguay, en 1996. Debutó en  noviembre de 1940 en el barcelonés teatro Tívoli aunque su estilo, impregnado de las nuevas tendencias que traían los musicales americanos, se acomodaba mejor a cabarets, music-halls y salones pequeños. El 27 de noviembre de 1941 se presentaba como vocalista se jazz en el Circo Price de Madrid, donde actuó repetidamente aunque lo hizo más en su ciudad natal.  Fue vocalista de las mejores orquestas barcelonesas, como las dirigidas por Ramón Evaristo, Sebastián Albalat o Casas Augé, hasta que a fines de 1944 aparece con la suya propia, también dirigida por Casas Augé. Una de sus canciones más populares fue “Tarde de fútbol”, escogida como sintonía para el programa “Carrusel deportivo” de la Cadena SER. Considerada por muchos como la renovadora de la música ligera en España, Rina Celi declaraba que la cantante de jazz había de tener “mímica, expresión, voz, estilo y alma”. Su popularidad fue grande, especialmente entre la juventud más vanguardista que hacía ascos a la copla y prefería los ritmos del exterior. En los cincuenta su fama fue decayendo hasta que en 1953 marchó a América, junto a su hermano Carlos Manuel. Participó también como locutora de doblaje en la versión española de películas como Mujercitas o Mary Poppins. Falleció en Paraguay donde también vive una de sus hijas. (Con datos de https://javierbarreiro.wordpress.com).

8. Aunque no era español sino venezolano, no podemos olvidar a Lorenzo González, quien destacó como intérprete del bolero en España. Lorenzo nació en Panaquire, Venezuela el 5 de enero de 1923. Fue un cantante venezolano de bolero s y música tropical. En su juventud ganó un concurso de aficionados en Radio Tropical de Caracas. Como no tenía éxito en Venezuela, decidió emigrar a España. Debutó en Madrid en la primavera de 1952, en la sala de fiestas Casablanca, y obtuvo un éxito inmediato. Luego actuaría en Radio Madrid. Se presentó con su orquesta tocando boleros y música tropical. Su característica voz de fumador, y su perfecta dicción, hicieron que el público pensase que González era el nuevo Antonio Machín. Se presentó en los mejores lugares de Madrid y Barcelona. Estrenó sus propios espectáculos en el teatro Victoria y fue cantante invitado de la cadena de hoteles Hilton en todo el mundo. A principios de los años cincuenta, el cantante incluyó en su repertorio los temas de Bobby Capó "Niña", "Cómo duele una traición", "Piel canela" y "Luna de miel en Puerto Rico". Su primer disco en España fue Cabaretera, de Bobby Capó, grabado con la discográfica Odeón, que fue un gran éxito. En Valencia grabó el bolero “Hola, ¿qué tal?”, de Gilberto Urquiza, cubano afincado en México, “Cita a las 6” y “Niña”. En los años cincuenta y sesenta actuó innumerables ocasiones en La Casona de Santander (Cantabria). A principios de los años setenta, tanto Jorge Sepúlveda como Antonio Machín y Lorenzo González tuvieron que abandonar su actividad profesional como boleristas, debido a que el bolero había perdido vigencia en España.

9. En la sección Una canción colombiana para el mundo, el coleccionista bogotano Alberto Cardona Libreros nos compartirá el corrido “El zorzal”, en voz del Dueto de Antaño, un disco antiguo grabado a 78 rpm para el sello Zeida. El Dueto de Antaño permaneció junto por muchos años, simbolizando la clásica serenata que por muchos años se acostumbró en Medellín. Conformado en marzo de 1941 por Camilo García, nacido en Amalfi, Antioquia el 6 de mayo de 1910 y por Ramón Carrasquilla, nacido en Sopetrán, Antioquia el 12 de noviembre de 1912, ambos destacaron por ser músicos, maestros y por trabajar en la política, además, ambos eran genios de la música que sobresalieron como cantantes, guitarristas y Camilo como compositor. Fueron ganadores de los cuatro máximos galardones que otorga el país a un músico, que fueron: La Estrella de Antioquia, El Hacha de oro, La orden de la Orquídea y la Cruz de Boyacá. Cuando el Dueto de Antaño celebró sus 40 años de vida artística, el 18 de marzo de 1981 en el teatro Pablo Tabón Uribe, fueron recibidos por una prolongadísima ovación a la que ellos respondieron levantando sus guitarras, o Ramón las manos porque no interpretaba ningún instrumento. Fue tan larga la ovación que cansados tuvieron que bajar sus manos para volver a levantarlas. Don Arnulfo Baena Pineda, quien fuera el guitarrista estrella del Dueto de Antaño, acompañó a Ramón Carrasquilla y a Camilo García durante quince años, entre 1947 y 1962. Luego, a la muerte de Ramón Carrasquilla, estuvo durante diez años con Darío Miranda y Camilo García, el Dueto del Pasado, que fue una especie de prolongación del Dueto de Antaño.

10. En la sección La cadena del recuerdo, escucharemos una cápsula dedicada a Herminio Kenny, quien fue un compositor, cantante y demás menesteres artísticos que explotó diferentes géneros musicales como boleros, swing, polkas, beguines, pero aderezados con un sentido del humor plagado de comicidad y doble sentido. Su hijo Humberto Álvarez nos recordará algunos pasajes de la vida de su padre Herminio Álvarez Rodríguez, su nombre de pila, quien nació en san Luis Potosí en 1916. Sus padres eran originarios de Nuevo León y su fueron a vivir a San Luis Potosí. Herminio, al quedar huérfano, se fue a trabajar a la Ciudad de la ciudad de México, en donde laboró en una armadora de rifles. Vivía en el centro de la Ciudad de México en las calles de Argentina y Nicaragua. Según datos aportados por su hijo Humberto Álvarez, músico-acordeonista y productor de radio, integrante de grupos como Sangre Azteka, su padre aprendió a tocar varios instrumentos como la pianola de su madre, también dominó otros instrumentos como el ukulele, con el que tocaba música hawaiana. Humberto Álvarez comentó al programa de radio Código retro que su padre Herminio Kenny conformó el grupo de los hermanos Kenny, al lado de Joaquín Roberto y el propio Herminio, se hacían llamar los Hermanos Kenny, Los Excéntricos Musicales. Ese grupo hacía imitaciones, cantaban y tocaban diferentes instrumentos. Durante los años sesentas Kenny tenía su programa de televisión en Canal 5 de donde adoptó el sobrenombre del Tío Herminio. Herminio Kenny murió el 7 de noviembre de 1971.

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 01 de SEPTIEMBRE de 2017 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.

martes, 22 de agosto de 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 25 DE AGOSTO DE 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 25 DE AGOSTO DE 2017

* Feliz cumpleaños para Flor Silvestre, nacida en Salamanca, Guanajuato
* Escucharemos varias canciones dedicadas al Niño Fidencio en los años treinta
* Presentaremos canciones de Los Cuates Castilla con diferentes intérpretes. Leo Marini nació hace 97 años. Ana María Fernández fue descubierta por Lara en el Teatro Lírico. Oiremos corridos sobre la prisión de San Juan de Ulúa. 
* En la Cadena del recuerdo, semblanza de Obdulio y Julián; y en Una canción colombiana para el mundo, conoceremos al dúo Pérez-Pineda

1. Guillermina Jiménez Chabolla, nació hace 87 años en Salamanca, Guanajuato, el 16 de agosto de 1930. Conocida artísticamente como Flor Silvestre, fue llamada “La sentimental” y “La voz que acaricia”. Ya en la Ciudad de México, empezó a participar en la emisora XEFO, conocida como Radio Nacional de México. Durante sus inicios en la XEFO, comenzó a buscar un nombre artístico. Una de las primeras canciones que cantó en la radio fue “La soldadera”, de la autoría de José de Jesús Morales, y el título de esa canción se convirtió rápidamente en su apodo, hasta que una mujer enfurecida dijo que ese apodo era suyo. Un famoso locutor llamado Arturo Blancas le recomendó el apodo de “La Amapola”, por su parecido a una flor, y Guillermina decidió llamarse así, pero, al igual que el apodo anterior, una mujer, esta vez la hermana de la cantante La Panchita, dijo que el apodo era de ella. Finalmente, fue Blancas el que le puso el nombre artístico de “Flor Silvestre”, ya que durante ese año una película del mismo nombre protagonizada por Dolores del Río se estaba estrenando. Ganó un concurso de aficionados en la estación de radio XEW, conocida como La Voz de América Latina desde México, y su carrera despegó. Recibió muchos contratos a partir de entonces. Gracias a su participación en el concurso de la XEW, fue contratada para formar parte del elenco del Teatro Colonial. En ese teatro alternó con comediantes como Jesús Martínez «Palillo» en revistas en las que ella cantaba. En 1950, grabó con Columbia sus primeros éxitos. Flor Silvestre destacó en el cine mexicano como figura estelar de la época de oro. Hizo su debut como actriz en la película “Primero soy mexicano” (1950), dirigida y coprotagonizada por Joaquín Pardavé.

2. Este viernes presentaremos tres canciones de Los Cuates Castilla interpretadas por diferentes cantantes: “Cuando ya no me quieras”, “Ausencia” y “Has vuelto”. Miguel Ángel y José Ángel Díaz Mirón y González de Castilla nacieron el día 2 de septiembre de 1912, en Veracruz. En 1924, a la corta edad de 12 años, Los Cuates Castilla iniciaron su longeva carrera de compositores, cantantes y guitarristas, debutando en el Teatro Principal de su tierra natal, Veracruz. Fueron autores y compositores de letra y música de más de mil canciones de todos los estilos. La primera fue “Tu alma”, compuesta en 1924. Según Pablo Dueñas, el eslabón entre el bolero veracruzano y el bolero capitalino lo realizaron Los Cuates Castilla a través del bolero “Cuando ya no me quieras”, compuesto a los 18 años de edad, en 1930, cuando llevaban más de dos años de vivir en la capital, procedentes de Veracruz. Tuvieron que pasar más de cuatro años para que los cuates grabaran este tema que finalmente llevaron al disco en 1934 y precisamente esta grabación la escucharemos en el programa. Además con los mismos Cuates Castilla presentaremos “Tal como fuiste”, bolero grabado para el sello Víctor acompañados de la orquesta de Miguel Ángel Pazos. Miguel "Cuate" Castilla falleció en la ciudad de México, Distrito Federal, el 21 de junio de 1979. José "Cuate" Castilla falleció en la ciudad de México, Distrito Federal, el 13 de septiembre de 1994. Imagen de Los Cuates Castilla tomada de la Revista Somos. (Con datos de www.cuatescastilla.blogspot.com).

3. En los años treinta se grabaron varias canciones dedicadas un famoso curandero mexicano: El niño Fidencio. Este viernes escucharemos las versiones de Los Cancioneros de Sonora y de Los Trovadores Tamaulipecos. Su nombre verdadero fue José Fidencio de Jesús Sintora Constantino, venerado ahora por la Iglesia Fidencista Cristiana. La Iglesia Católica no le reconoce estatus oficial de santo, pero su culto se ha extendido por gran parte del norte de México y el sur de Estados Unidos. Según lo que apunta Raúl Cadena en su sitio de internet, Fidencio no se desarrolló sexualmente, siempre fue lampiño, de voz aguda. Fidencio llegó al pueblo de Espinazo, Nuevo León en 1921, procedente de Iramuco, Guanajuato, en donde nació en 1898. En Espinazo permaneció casi toda su vida. Fue entonces cuando comenzó a realizar curaciones. El 8 de febrero de 1928, el presidente Plutarco Elías Calles visitó Espinazo y acudió a una sesión curativa con el Niño Fidencio. Aunque nadie conoció el padecimiento del mandatario, se ha dicho que se trataba de lepra nodular. Se narra que Fidencio era famoso por realizar operaciones sin anestesia sin causar dolor en sus pacientes. Asimismo sumergía a sus pacientes en un charco lodoso ubicado en las afueras del poblado. En 1980, CONACULTA, a través del IMCINE, produjo el documental Niño Fidencio, el taumaturgo de Espinazo. En noviembre del 2011 se estrenó una serie mexicana llamada "Niño Santo" basada en la historia del niño Fidencio. El escritor latinoamericano Felipe Montes dedicó una parte de su obra al Niño Fidencio, El Evangelio del Niño Fidencio, donde se plasma una visión mítico-fantástica de la vida de este personaje. Quentin Tarantino hace mención de él en la película Death Proof (A prueba de muerte).Este personaje murió en 1938.

4. Gracias a las amables peticiones de los radioescuchas, de nueva cuenta escucharemos la voz de la cantante Ana María Fernández. Se cuenta que en una de esas ocasiones que Lara tocaba en el Teatro Lírico, el pianista escuchó una voz entre el público, una voz que se distinguía por su potencia y entonación. De inmediato volteó hacía las butacas para localizar a la mujer que cantaba de esa manera. Cuando la localizó entre el público, le pidió que repitiera ella sola la pieza completa. Después de hacer que cantara varias veces el mismo bolero, Agustín Lara bajó del escenario y se dirigió a ella. Dicen que, siendo tan cursi como le permitía su temeridad, se arrodilló ante ella y le pidió si quería ser su intérprete. Ana María Fernández, es decir la joven sentada frente a Agustín, aceptó la invitación. Sólo por casualidad Ana María había asistido a ver la función de Agustín, en realidad ella era una bailarina que trabajaba en la compañía de Roberto “El panzón” Soto. Viuda muy joven, a los 19 años, fue una mujer que decidió entrar a trabajar al teatro para poder mantener a Olga, su pequeña hija. Perteneció al grupo de tiples que salían en los cuadros bailables, pero su jefe, el señor Soto, nunca sospechó de su voz. En ese tiempo ella enfermó de pulmonía que la tuvo en cama varias semanas, cuando ya se sentía un poco mejor, antes de regresar al trabajo en el Teatro Politeama, fue a ver la actuación de Agustín Lara y Juan Arvizu al Teatro Lírico. Fue así como se dio el encuentro con Agustín Lara, un encuentro importante para la música popular en México, ya que por ese acontecimiento podemos disfrutar de la voz de Ana María Fernandez.(Con datos del libro Mi novia la tristeza, escrito por Pavel Granados y Guadalupe Loaeza).

5. Hace 97 años, el 23 de agosto de 1920, nació Leo Marini, en Mendoza, Argentina. Su primera actuación fue en emisora de radio de la Ciudad de Mendoza, LV 10 Radio Cuyo, invitado por unas vecinas que lo escucharon cantar. La experiencia fue efímera, pero le sirvió para tomar conciencia de sus aún imperfectas condiciones de cantante. Fortuitamente, el tenor lírico español Juan Díaz Andrés estaba de paso por Mendoza, cuando Alberto lo escuchó en la misma estación de radio en que debutó y de manera inmediata, buscó su asesoría musical. Díaz aceptó enseñarle canto por un año, casi todos los días, en lo que se convirtió en su única formación musical la cual hizo que dejara de imitar al cantante Juan Arvizu. Cuando Alberto Batet ya tenía perfeccionado el arte de cantar, el mismo Díaz lo llevó a la emisora local a probar suerte y es aquí donde él y Francisco Fábregas, el presentador del programa, lo bautizaron como Leo Marini el seudónimo artístico que usaría en lo sucesivo.Con un grupo de amigos, en 1941 viaja a Chile, donde es contratado para cantar en salas de baile y radio de Valparaíso y Viña del Mar. Es en Valparaíso donde conoce al pianista cubano Isidro Benítez, quien con su conjunto de músicos graban con Leo Marini sus dos primeros discos para la filial chilena de RCA Víctor los cuales contienen los temas Virgen de media noche (Pedro Galindo), Puedes irte de mí (Agustín Lara), Inútilmente y Cerca de ti (ambos temas del compositor Luis Aguirre). En Chile residió durante cuatro meses. En Cuba, cantó con la Sonora Matancera, su primer tema grabado con la agrupación fue Luna yumurina, siguiéndole temas como “Quiero un trago tabernero”, “Mi desolación” y “Desde que te vi”. Leo Marini murió en Mendoza, su ciudad natal, el domingo 15 de octubre de 2000.

6. La canción “Flor de azalea” es una linda creación de Zacarías Gómez Urquiza con la música de Manuel Esperón, quien por cierto tenía tres hijas llamadas Flor de Azalea, Maigualida y Graciela. Tal vez las versiones más destacadas de “Flor de azalea” sean la de Jorge Negrete, acompañado de Los Calaveras y también la grabación que hicieron Los Panchos, sin embargo existe una versión cantada por Toña la Negra en una de sus participaciones cinematográficas, en la que se puede advertir una letra diferente a la que conocemos por ejemplo en la versión de Negreta. Este viernes presentaremos esa versión cantada por la nacida en Veracruz. El letrista de la canción Zacarías Gómez Urquiza destacó básicamente como director y guionista cinematográfico. Gómez Urquiza nació en la Ciudad de México el 5 de noviembre de 1905. En 1940 inició su carrera dentro del cine, como anotador en las películas “Pobre diablo”, dirigida por José Benavides Jr., y “Al son de la marimba”, de Juan Bustillo Oro. Al año siguiente continuó su labor de anotador en “Cuando los hijos se van” (Dir. Juan Bustillo Oro, 1941); “Noche de recién casados” (Dir. Carlos Orellana, 1941); “Simón Bolívar” (Dir. Miguel Contreras Torres, 1941) y “El barbero prodigioso” (Dir. Fernando Soler, 1941). En 1942 tuvo su promoción como asistente de dirección y trabajó al lado de René Cardona, Emilio Indio Fernández, John Ford, Alfredo B. Crevenna y con Alejandro Galindo. Al iniciar la década de los cincuenta, Zacarías Gómez Urquiza debutó como director y guionista en la cinta “Flor de sangre” (1950), a la que siguió “El Tigre Enmascarado” (1950). Como director llegó a filmar 48 películas, de las cuales, más de la mitad se basaron en sus propios guiones. (Con datos de escritores.cinemexicano.unam.mx/biografias/G/GOMEZ_urquiza.../biografia.html).

7. Sin duda versiones interesantes del corrido dedicado a la terrible cárcel de San Juan de Ulúa, ubicada en Veracruz, son las que escucharemos este viernes en interpretaciones del Trío Luna y De los Hermanos Chavarría, agrupaciones fronterizas que llevaron al disco durante los años treinta los terribles relatos que sucedían en esta prisión, que en 1915, por mandato de Venustiano Carranza, se ordenó su supresión. Escribe por Irene Arceo, egresada de la Facultad de Ciencias de la Comunicación de la Universidad Veracruzana y miembro con voto en la organización internacional “Reporteros sin Fronteras” que no ha sido posible precisar la fecha en que se inició la costumbre de confinar presos en la fortaleza de San Juan de Ulúa, pero es un hecho que a fines del siglo XVII ya se encontraban ahí presidiarios aprovechados  en los trabajos de construcción. Según versiones, las celdas de Ulúa eran terroríficas: en cada una de ellas se confinaba hasta  a mil hombres y ahí, en ese espacio oscuro, húmedo y caliente a la vez, hacían sus necesidades fisiológicas, comían y dormían. Había también (y aún puede apreciarse con tristeza y horror) unas celdas de castigo, donde cabían alrededor de siete hombres encerrados en la más completa  obscuridad y sin poder estar de pie, sino sentados o en cuclillas.  Bajo estas  circunstancias estuvieron muchos famosos personajes de la historia mexicana, y entre los muchísimos y distinguidos mexicanos que sufrieron cautiverio en el fuerte, victimas de sus convicciones, no faltó la figura cimera de Benito Juárez, preso en Ixtlán , Oaxaca el 25 de mayo de 1853 y llevado a Ulúa por la implacable dictadura Santanista  que perseguía a los desafectos  a su régimen. Jesús Arriaga, el famoso bandido conocido como Chucho “el Roto” fue detenido en 1885 y enviado a la fortaleza. En 1912 el general Félix Díaz, sobrino del expresidente, fue apresado  e internado en Ulúa por intentar  levantarse en armas contra el régimen maderista. (Con datos y foto tomada de https://efacico.wordpress.com).

8. En la sección Una canción colombiana para el mundo, el coleccionista Alberto Cardona Libreros, desde Bogotá, compartirá la grabación “Mi dulce media naranja”, con el dúo Pérez Pineda, del sello Vergara. Los integrantes de este dúo eran los cantantes Virgilio Pineda, quien nació en Tolima, y Alfredo Pérez, de Ituango, muerto trágicamente en 1961. Virgilio Pineda fue cantante, músico, guitarrista, compositor y luthier, nacido en El Líbano, Tolima, el 4 de septiembre de 1930, y residente en Medellín de la edad de 23 años, en donde conformó diversas agrupaciones de gran calidad de las cuales las de mayor permanencia fueron su dueto Pineda y Pérez en compañía del mencionado excelente cantante de Santa Rita de Ituango, Antioquia, Alfredo Pérez. En sus inicios, Virgilio Pineda tuvo oportunidad de hacer dueto con su gran ídolo y maestro, el profesor Jorge Añez, persona por quien Virgilio profesa la más profunda admiración. La obra de Virgilio Pineda como compositor contiene una amplia gama de modalidades: música romántica, andina, conciertos y más. De su autoría son temas bellísimos como los bambucos “Olvido”, “Magnolias”, "Ibagereñita", “Capricho tolimense”; los boleros “Creyendo que me amabas”, “Un verano sin tí”, “Más amor”, “Mi pecado”, “Te fuiste”, y otros más. Es coautor, con Rafael Roncallo, de “Corazón”, uno de los más bellos boleros colombianos de todos los tiempos. El maestro se dedicó a trabajar en su fábrica de guitarras, y de manera muy especial durante los últimos años, se dedicó a la composición de nuevas obras que habrán de seguir enriqueciendo el archivo musical colombiano. (Con datos de http://www.oocities.org/nashville/opry/3107/virgilio.html).

9. En la sección La Cadena del recuerdo, algo especial: el Doctor Jorge Iván Arango Lopera y su hija Lucía Arango, desde Medellín, Colombia, del programa “Universo musical “nos hablarán del dueto colombiano Obdulio y Julián. Sobre este dueto, Gabriel Cuartas Franco escribe que Obdulio y Julián han sido de los más afamados "serenateros" de Colombia. Sus voces, ya históricas, llegaron a la más rotunda consagración presidiendo serenatas de alta jerarquía en el dormido Medellín de aquel entonces. Las voces y estilo de Obdulio y Julián tienen su neta traducción en el vocablo serenata. Escuchar los más señeros bambucos y pasillos colombianos en sus voces, es escuchar una siempre reeditada serenata, con todos sus cordiales agravantes sentimentales. Por su parte, Hernán Restrepo dice que Obdulio y Julián actuaron en los principales centros artísticos de Medellín. Se sometieron triunfalmente al juicio de los contertulios del Café París. Colaboraron con la Estudiantina del maestro Nicolás Torres, y cuando advino la radiodifusión estuvieron entre los primeros que hicieron programas con música de Colombia. Sus actuaciones se prolongaron por muchos años. Desde aquel lejano 1927 que marca el principio de su colaboración hasta el fallecimiento de Julián, fueron primerísimas figuras en el ambiente artístico nacional. Se acompañaron siempre, en sus actuaciones, con el tiple y la guitarra. Solo excepcionalmente cantaron con orquesta. Quedan muchos recuerdos de sus voces con acompañamientos diversos, en discos fonográficos.

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 25 de AGOSTO de 2017 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.