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martes, 23 de mayo de 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 26 DE MAYO DE 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 26 DE MAYO DE 2017
* Escucharemos alegres y tropicales ritmos con las Hermanas Montoya
* Disfrutaremos la voz de Fortunio Bonanova, cantante nacido en Palma de Mallorca
* Además, desde Costa Rica presentaremos el Vals de media noche. El trovador Juchiteco, Saúl Martínez, nació hace 103 años. Eva Garza cantará temas tropicales. El trío Garnica Ascencio, agrupación de la cual formó parte Lucha Reyes. Conoceremos la voz de Toño El negro
* En Una canción colombiana para el mundo, la orquesta de Porfirio Díaz,  y en La cadena del recuerdo, conoceremos la danza de la tortuga, desde Oaxaca

1. La agrupación de las Hermanas Montoya estaba conformada por Ofelia, Emilia y Esther. Sus padres eran inmigrantes que se mudaron a los Estados Unidos en 1928. Solamente una hija, Mercedes, nació en México y las demás nacieron en California. Sus padres, Salvador, trabajador ferroviario, y su madre, Concepción, se trasladaron a San José, California. Las chicas formaron su propio grupo de cantantes locales en la zona y con el advenimiento de la radio comenzaron a realizar actuaciones en directo. En una de estas sesiones en vivo, un ejecutivo de radio de la Ciudad de México les propuso que actuaran en México. Las cuatro hermanas llegaron a la ciudad de México en 1948 y actuaron como cuarteto y disfrutaron de un trabajo constante en un programa de radio en vivo en la estación XEW y actuaban en "El Patio", que en ese momento era el club nocturno número uno en la Ciudad de México. Mercedes eventualmente regresó a los Estados Unidos para casarse. En 1950 las hermanas fueron abordadas por el "Rey Mambo", Dámaso Pérez Prado para hacer una gira mundial que incluyó a Japón, Europa y América del Sur, y grabaron como artistas exclusivas de la RCA Victor ese mismo año. El grupo continuó trabajando con algunos de los grandes intérpretes de música latina de la época como Celia Cruz, Billy Eckstine y Nat King Cole. De 1950 a 1957 las Montoya realizaron giras, cine y grabaciones como artistas de RCA Victor. En 1957 Emilia (Emily) dejó el grupo para casarse. Esther y Ofelia continuaron el grupo como dúo hasta 1969.

2. Este viernes recordaremos al cantante español Fortunio Bonanova, músico, cantante de ópera, barítono de opereta, bailarín, dramaturgo, novelista. Fortunio Bonanova fue además de todo eso un excelente actor, capaz de representar zarzuelas en Madrid y también de estrenar en Broadway piezas dialogadas en inglés. Nacido el 13 de enero de 1896 en Palma de Mallorca, Bonanova eligió primero la vocación operística, luego combinada con la teatral. Estudió en el Conservatorio de Música de Madrid, y luego completó estudios en París, para debutar finalmente como barítono. Llegó al cine interpretando al personaje central de Don Juan Tenorio (1922). En una entrevista hecha en 1935 por el periodista argentino Florentino Hernández Girbal, incluida en la revista Cinegramas, Fortunio Bonanova señala: “Marché a México. Allí hice una película muda, claro es, porque entonces aún no había llegado el sonoro, y aprovechando la proximidad, entré en Estados Unidos, satisfaciendo así mis deseos de visitar y trabajar en Norteamérica. (...) Tuve suerte. Organicé una compañía de zarzuela española, y con ella recorrí, durante tres años, todos los estados, haciendo el repertorio de nuestros músicos más populares. Tan bien fue la cosa, que al llegar a Nueva York me contrató la Columbia Company para impresionar discos. (...) Luego canté en la National Broadcasting Corporation, una de las estaciones de radio más importantes del mundo”.  Fortunio Bonanova falleció en Los Ángeles, California, lugar donde residía, el 2 de abril de 1969. En su voz presentaremos las canciones “Nunca”, “Jacalito”, a dueto con Pilar Arcos, y el danzón “Sanfarinfas”. (Con datos de cvc.cervantes.es).

3. En la sección El rincón norteño presentaremos el “Vals de media noche”, compuesto por el costarricense José María Chaverri Trigueros (1894-1963) y grabado por Los Montañeses del Álamo con el título “A media noche”. Sin duda este vals le dio reconocimiento al compositor nacido en Heredia, aunque “Pepe Chaverri” ya tenía cierta fama con su pasillo “Crisantemos”, pero su consagración vino con su fox “Cavita”; más tarde, en los años treinta, tuvo un rotundo éxito con su “Vals de media noche”, que incluso en ese hermoso país centroamericano era utilizado en la sintonía de algunas emisoras de radio. José María Chaverri Trigueros (Pepe Chaverri) fue compositor y ejecutante de piano, guitarra y trombón, hijo del músico mayor y subdirector de la Banda Militar de Heredia Alfonso Chaverri Gutiérrez. En 1906 ingresó a la escuela de Música Militar de Heredia, dirigida por Octavio Morales Fernández; recibió lecciones de Juan Rafael Alfaro. En la Banda Militar de Heredia fue trombonista y director así como de la Escuela Militar de Música de San José. Después de obtener su pensión, organizó y formó conjuntos de orquestas, y además dirigió varias filarmonías cantonales. En la música popular antigua de Costa Rica siempre será infaltable la obra de compositores como Pepe Chaverri, además de otros como Rafael Ángel Fonseca, Julio Barquero, Carlos María Hidalgo, Roberto Cantillano, Carlos Gutiérrez, Emilio León Rojas, que además de componer música estrictamente popular, se desarrollaban también en la música académica.

4. Hace 115 años, el 29 de mayo de 1902, nació Abel Domínguez, en San Cristóbal de las Casas, Chiapas. Fue el segundo de los 10 hijos de Don Abel Domínguez Ramírez y Doña Amalia Borrás Moreno de Domínguez. Este viernes lo recordaremos con algunas de sus canciones grabadas por diferentes intérpretes. Abel Domínguez vivió en San Cristóbal hasta 1920, lugar donde cursó la primaria, secundaria y preparatoria, decidiendo ese mismo año trasladarse a la ciudad de México para realizar sus estudios profesionales en el Conservatorio Nacional de Música y la Escuela Libre de Música. Descubriendo sus dones naturales, inició su carrera de compositor; el vals titulado El canto del Jilguero fue su primera obra. Hay que resaltar que además de compositor, Abel tuvo fue también músico y director de orquesta. Siendo un joven inquieto, su vida privada estuvo enmarcada por otras aficiones como la natación y el baile; gozaba mucho los viajes, y en sus tiempos libres se divertía viendo televisión o jugando partidas de dominó. Tenía una especial predilección por escuchar música clásica y todo tipo de música refinada. Asimismo, en relación a su carácter y personalidad, Abel era un muchacho introvertido, pero muy agradable en su trato. Abel Domínguez Borrás, un apasionado de la composición musical y su cálida tierra, falleció el 5 de julio de 1987. (Con datos de la SACM).

 5. Hace 103 años, el 30 de mayo de 2014, nació el trovador juchiteco Saúl Martínez. Según biografía aportada por su hija, Saúl Martínez García nació el 30 de mayo de 1914 en Juchitán de Zaragoza, Oaxaca. Desde muy pequeño mostró inclinación hacia la música, con una guitarrita artesanal trataba de reproducir las melodías que escuchaba, a los diez años ya tocaba la guitarra perfectamente.  Emigró a la ciudad de México en donde cursó en el Instituto Politécnico Nacional, la carrera de Contador Público y Auditor, paralelamente a sus estudios siguió tocando la guitarra y cantando; hizo arreglos musicales a los sones del Istmo poniéndoles letra. Además  realizó sus propias composiciones. Inicialmente hizo un dueto con su compadre David López llamados “El Dueto Juchiteco”. Posteriormente al incursionar en la radio como solista lo llamaban “El Juglar Juchiteco”. Cuando participó en la XEW, el locutor Pedro De Lille lo bautizó como “El Trovador del Recuerdo”. Su primera grabación discográfica fue una colección de sones oaxaqueños en 1948 para la marca RCA Victor  en virtud de que la escuela que seguía era la de Guty Cárdenas. Grabó también para  discos ANFIÓN un álbum musical nombrado  “Evocaciones de Guty Cárdenas”. Perteneció al Trío “Los  Cancioneros del Sur” como primera voz y con quienes participó en una película al lado de Jorge Negrete llamada “Camino de Sacramento”. Cultivaba la música tradicional Istmeña. Saúl Martínez falleció el 3 de enero de 1969 en la Ciudad de Oaxaca y sus restos fueron trasladados a su tierra que lo vio nacer, Juchitán de Zaragoza, donde reposan actualmente.

6. Gracias al amable coleccionista Luis Chapa, en Reynosa, Tamaulipas, presentaremos algunas interesantes versiones de canciones tropicales en la voz de Eva Garza como “La Jaibera”, “Cachita” y otras. Según datos de Deborah Vargas, Profesora de Estudios Chicanos de la Universidad de California, Eva Garza nació el 11 de mayo de 1917 en el lado oeste de San Antonio, Texas. Su entrada al mundo de la música fue cuando, a los 17 años, ganó el segundo lugar consistente en 500 dólares en un concurso de canto en la radio texana. Eva hizo sus primeras grabaciones con el sello Bluebird, con rumbas como "La Jaibera" y "Calientito”. Eva conoció a Felipe "el Charro" Gil (de la agrupación el Charro Gil y sus Corporales) mientras hacían un programa de radio en Ciudad Juárez. Eva y el Charro se establecieron en Nueva York donde grabó para la Columbia y con frecuencia cantaba para programas de radio CBS, incluyendo los programas de radio que se transmitieron para las tropas estadounidenses durante la Segunda Guerra Mundial . Durante la década de 1940 y mediados de 1950, la carrera de Eva Garza se solidificó con contratos para viajes a través de América Latina. También apareció en más de veinte películas mexicanas, junto a populares cantantes y músicos de la época. Eva Garza murió el 1 de noviembre de 1996 debido a complicaciones de la enfermedad cardíaca que se desarrolló como resultado de haber adquirido la fiebre reumática cuando era niña. Está enterrada en El Panteón Jardín, junto a algunos otros actores y cantante de México.

7. En la sección Una canción colombiana para el mundo, escucharemos a la orquesta de Porfirio Díaz. Hernán Restrepo Duque dice que se llamaba igual que el dictador mexicano, pero era chileno. Porfirio Díaz nació el 25 de junio de 1912 y murió el 21 de agosto de 1993.Y se hizo famoso en América entera interpretando tangos argentinos al frente de una orquesta típica que llegó a competir, en grabaciones fonográficas, con las mejores de Buenos Aires. La orquesta típica de Porfirio Díaz se identificó con un tipo de tango dulzarrón y fácil, de acogida extraordinaria en el gran público. Y los amantes de la canción argentina identifican fácilmente su estilo, milonguero y amable. Nació en la ciudad de Valparaíso. A la edad de 13 años, fue director de orquesta. Y viajó a Lima como tal al frente del grupo que acompañaba a la compañía de Carlos Valicelli en 1933. Indistintamente ha figurado como gran intérprete de la música típica argentina, de la música chilena y de la música popular de todos los países americanos, inclusive de porros y bambucos y pasillos colombianos. Famosos directores y solistas como Federico Ojeda, Lucho Silva y otros, formaron en su orquesta, en donde como cantantes desfilaron Armando Bonansco, Jorge Abril, Agustín Copelli, Juan Carlos del Mar, Carlitos Morán, Armando Arolas, Jorge Omar, Nino Lardi y otros.

8. Gracias a las amables peticiones de los radioescuchas, presentaremos las voces siempre agradables del Trío Garnica Ascencio. Esta agrupación musical se conformó inicialmente por Lucha Reyes y las hermanas Ofelia y Blanca Ascencio, bajo el nombre del trío Reyes-Ascencio, aunque posteriormente y debido a la adicción por las bebidas alcohólicas de Lucha Reyes y también por sus continuos incidentes bochornosos durante sus presentaciones, se decidió que Lucha Reyes fuera sustituida por la cantante Julia Garnica, de esa manera nacía el trío Garnica-Ascencio, que triunfó principalmente en sus presentaciones en el teatro Lírico y en la radiodifusora de la XEW. El trío Garnica-Ascencio fue uno de los más famosos en interpretar el estilo campirano. Este trío pasó a la historia musical como las precursoras de los tríos en México uno de los grupos musicales inolvidables de la radio, cuando la radio era la más importante fuente de transmisión de la cultura y el entretenimiento para los mexicanos. El trío Garnica se acompaño a lo largo de sus grabaciones de diferentes agrupaciones como orquestas típicas, sin olvidar a al pianista Raulito  “El cartero del aire”, quien al parecer era el acompañante de planta.

9. Precisamente sobre la cantante Julia Garnica, integrante del trío Garnica Ascencio, algunos amigos gustosos de la música de antaño recuerdan que ella vivió ya retirada de la vida musical en la ciudad de Matamoros, Tamaulipas, en donde incluso fue una persona cercana al cantante Toni Gari, más conocido como Toño el Negro, a quien también recordaremos en este programa. Precisamente este viernes presentaremos algunas grabaciones de Toni Gari, de quien existen muy pocos datos biográficos. Es difícil conseguir mayor información sobre él. Toni Gari grabó una gran cantidad de discos para varios sellos discográficos. Luis Jaime  Chapa, coleccionista de música de antaño, nos comenta que las primeras grabaciones de Gari fueron a partir de 1946 para la compañía SEECO. Sin embargo, en 1948 grabó para la marca Azteca con el nombre de Toño El Negro, en clara referencia a la cantante María Antonia del Carmen Peregrino Álvarez, llamada Toña la Negra. Antes, en 1947 grabó algunos temas para el sello RCA como “Canción del sur”, “Siembra dulzura” y “El Tío Remus lo contó”. En 1949 grabó para el sello DECCA canciones como “Ambar”, “Bambalaca” y “Sí, señor”. A mediados de los años cincuentas grabó algunos temas para el sello Columbia, entre ellos “Cha cha cha Chabela”, “Capricho” y  “Aunque me cueste la vida”.  A mediados de los años sesentas hizo algunas grabaciones para el sello Cisne. Toni Gari radicó por algunos años en la ciudad fronteriza de Matamoros, en el estado de Tamaulipas.

10. En la sección La cadena del recuerdo, Fernando Merino Reyes, desde a emisora XEJAM, La Voz de la costa Chica, de Santiago Jamiltepec, Oaxaca, nos ofrecerá una cápsula sobre La Danza de la Tortuga. En el estado de Oaxaca se representan dos distintas variantes de la danza de la tortuga: en la región del Istmo y en la Costa. Una de las interpretaciones más originales se lleva a cabo al sureste de Santiago Pinotepa Nacional, en la Agencia Municipal de José María Morelos, cuya cabecera es Santa María Huazolotitlán. La intención de la Danza de la Tortuga que se practica en la Costa es ridiculizar el dominio español y rememorar la explotación que se hizo de los esclavos negros durante la Colonia. El control y la estricta disciplina impuesta por los españoles hacia los negros se representa con el látigo que lleva en las manos el Pancho, el capataz que reprime a sus compañeros de raza después de haberse ganado la confianza del amo. La Minga es la mujer del Pancho, es alegre y coqueta, por lo que constantemente es objeto de piropos que enfurecen a su pareja, quien la castiga con golpes, al igual que a todo aquel que se haya atrevido a abrazarla o besarla. Durante el desarrollo de la danza la Minga ofrece a su "hija" a las personas del público, al elegido se le pide que abrace a la muñeca que representa a la supuesta hija; si la persona no la toma, la Minga grita llamando al Pancho para que castigue a quien se atrevió a despreciar a su hija, y si la persona toma la muñeca llega el Pancho inmediatamente para reclamarle el que tenga a su hija en brazos y acusándolo de "tener que ver" con su mujer, por lo que le impone un castigo.

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 26 de MAYO 2017 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.

martes, 9 de mayo de 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 12 DE MAYO DE 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 12 DE MAYO DE 2017
* ¿Quién fue Virginia Fábregas, inspiradora de la inmortal canción  “Ella”?
* Recordaremos a Gilberto Parra, autor de Por un amor y Qué te ha dado a esa mujer
* Además escucharemos canciones que hablan sobre tísicos. ¿Quién fue Luis Enrique El Plebeyo? Oiremos a las Hermanas Landín. Disfrutaremos la voz de Julio Flores. Desde Puerto Rico, Bobby Capó. En el Rinconcito Arrabalero, el Caballero Gaucho
* En Una canción colombiana para el mundo, Los Trovadores Andinos, y en La cadena del recuerdo, un paseo musical por San Germán, Puerto Rico

1. Seguramente usted habrá escuchado la romántica historia de cómo nació la canción yucateca “Ella”, del peluquero Domingo Casanova, con versión del poeta dominicano Osvaldo Bazil. La canción en cuestión fue dedicada a la artista española Virginia Fábregas, pero quién fue esta mujer inspiradora de la inmortal “Ella”. Se cuenta que el propio Domingo Casanova en una serenata le declaró su amor a Fábregas, a lo que ella respondió “Dispénseme, joven, yo no le corresponderé a usted ni a nadie. Nací para artista y artista me he de morir. Olvídeme, sin odios y sin llanto”. Virginia Fábregas García nació en Yautepec, Morelos, el 17 de diciembre de 1871 y murió en la Ciudad de México, el 17 de noviembre de 1950, fue una actriz mexicana considerada como una diva del teatro a principios del siglo XX, se le conoció como la "Sarah Bernhardt mexicana". Fue hija del español Ricardo Fábregas y de la mexicana Úrsula García. Se trasladó a Campeche en donde vivió parte de su infancia. Viajó a la Ciudad de México e ingresó a la Escuela Normal logrando titularse como profesora en 1896. En 1891, participó en una obra benéfica en el Asilo de Mendigos en el Teatro Nacional de México al recitar el monólogo Día completo de Eusebio Blanco. En 1892, a la edad de 21 años, debutó profesionalmente en la comedia Divorciémonos del dramaturgo francés Victorien Sardou. Su desempeño como actriz, le permitió destacar rápidamente alcanzando una gran popularidad. Realizó giras en América Latina y Europa. En los primeros años de su carrera logró formar su propia compañía de teatro. En la antigua ubicación del teatro Renacimiento, construyó su propio teatro y a la inauguración asistió el presidente Porfirio Díaz.

2. Dos temas musicales muy conocidos en el ámbito de la llamada canción ranchera son “Por un amor” y “Qué te ha dado esa mujer”. Ambas se deben a la inspiración de Gilberto Parra Paz. Este compositor nació en San Pedro Tesistán, Jocotepec, Jalisco, el 30 de julio de 1913 y falleció en Cahuacán, Estado de México, en el año 2000. Fue uno de los compositores mexicanos más importantes de la música ranchera, creador de íconos de la música mexicana, y de temas para películas, además de musicalizar muchas de ellas. Fue trompetista y cancionero. Estudió agronomía en la U de G, pero abandonó esa carrera para dedicarse a la música. Estudió en la Escuela Libre de Música de la misma ciudad, y más tarde ocupó el puesto de trompeta solista de la Banda del Estado de Jalisco. En 1933 se incorporó como pianista, guitarrista y trompetista a la banda de jazz de Nacho Pérez, con la cual actuó en varias ciudades del centro-occidente del país. Luego ingresó a la Banda Municipal de Ameca. En 1936 se trasladó a la ciudad de México y allí estableció su Mariachi San Pedro Tlaquepaque, que debutó en 1938 en la XEW, y que acompañó a Lucha Reyes en giras por Estados Unidos y el norte de México. Esta cantante le grabó su tema “Por un amor”, en el año de 1938. Compuso muchas canciones de estilo ranchero, entre ellas “El amor de los dos”, “El atravesado”, “Jalisco”, “La barca”, “No quiero esperar”, “Ojitos negros” y “Por un viejo amor”. (Con datos del libro Diccionario Enciclopédico de Música en México, escrito por Gabriel Pareyón, y foto tomada del libro Historia de la música popular mexicana, escrito por Yolanda Moreno Rivas).

3. Gracias a las peticiones de la semana pasada de los amigos radioescuchas, le presentaremos algunas interpretaciones con las Hermanas Landín. María Luisa y Avelina Landín Rodríguez fueron las integrantes de este excelente dueto que interpretó magistralmente algunos de los antiguos boleros que se conocieron en México. Debutan en la XEW, en 1938, con el nombre de “Pirita y Jade”, acompañados por las orquestas de Gabriel Ruiz, Ray Montoya y Federico Bahena. En octubre del mismo año se incorporan a la programación de la naciente XEQ, donde su director artístico Enrique Contell, las contrata para que compitan con las “Hermanas Águila”, conocido ya como el “Dueto de América” a partir de entonces se originaría una rivalidad artística entre ambos duetos, que duraría muchos años en la programación de las radiodifusoras. A partir de 1939, ya bajo el nombre de Hermanas Landín pasan a formar parte del elenco de la RCA y su fama y popularidad alcanzan grandes dimensiones. En 1940, las Hermanas Landín, inician una gira por el Caribe, particularmente por Cuba y República Dominicana. El dueto se mantiene firme en las preferencias del público hasta 1942, en que el dueto se disuelve, ya que Avelina contrae nupcias con Ángel Zempoalteca, quien la retira de los medios, eventualmente habrían de reunirse nuevamente, bajo el nombre del dueto Mari-Lina, a finales de los años cuarenta; de esta época son los temas: “Amargado de la Vida” y “Los Magueyes”. Este dueto sería de corta vida musical ya que vuelven a separarse iniciando exitosas carreras por separado tanto Avelina como María Luisa. (Con datos de https://marialuisalandin.org.mx/biografia).

4. De nueva cuenta escucharemos la voz del cantante bolerista mexicano Julio Flores. Este cantante es una de esas figuras de la música de antaño que durante el tiempo en que actuaron fueron muy conocidos y prueba de ello son la gran cantidad de discos que grabaron y la gran calidad de las orquestas que los acompañaron, sin embargo pasados los años fueron casi olvidados. Actualmente se conocen pocos datos biográficos sobre este cantante. Durante los años cuarenta fue estrella de las emisoras de radio XEB y posteriormente la XEW. Tenía un timbre de voz muy característico que lo hacía diferente a otros boleristas de la época. Grabó varios discos de 78 rpm para la etiqueta Peerless, boleros principalmente. Destacan en su voz boleros como “Amargura”, de Gonzalo Curiel; “La última noche”, de Boby Collazo: “Qué fácil”, de Paco Teviño y “La canción del viento”, de Alfonso Esparza Oteo, entre otras. Además grabó diversos pasos dobles como “Manolete”, de Paco Treviño y Mario Molina Montes y “Cañitas”, de Juan S. Garrido; asimismo canciones bravías como “América unida”, de Juan S. Garrido y “Cantar del Regimiento”, de Agustín Lara. En una etapa de su carrera grabó varios discos en lo zona fronteriza para el sello IDEAL acompañado de conjuntos como los de Raymundo Treviño o Pine Cáceres. (Foto: AMEF).

5. En la sección Una Canción colombiana para el mundo, Alberto Cardona Libreros nos ofrecerá un tema interpretado por Los Trovadores Andinos, agrupación de la cual formó parte Luis Ángel Ramírez, más conocido como El caballero gaucho, quien interpretó más de 2 mil tangos, pasillos y bambucos. El Caballero Gaucho falleció el 9 de agosto de 2013, a los 96 años. Nació en Pereira, el 10 de junio de 1917, de allí sus padres, Pedro Antonio Ramírez y Carmen Emilia Saldarriaga, se trasladaron con sus dos hijos a Ansermanuevo, una pequeña población del norte del Valle del Cauca donde le vieron la cara a “la peor de las pobrezas, a la miseria en todas sus facetas”. Cuando por primera vez se presentó a un programa de aficionados en la emisora de Armenia Pregones del Quindío, lo botaron a la calle y le recomendaron que cogiera café. En ese tiempo Luis Ángel había conseguido un destartalado tiple y con un método práctico de enseñanza se fue guiando y aprendió sin que nadie le enseñara; fue tan persistente este hombre que volvió a esa emisora, pero esta vez sí ganó el primer puesto y como premio recibió dos camisas, jabones y un pantalón. Su padre le enseñó la ebanistería; así que cuando su familia se trasladó a Pereira éste fue el oficio que desempeñó. Con su hermano José Ramírez y su primo Luis Bernardo Saldarriaga (posteriormente excelente compositor y segunda voz del dueto Los Pamperos) conformó el trío Los Trovadores Andinos. El caballero gaucho, conocido así desde 1946, llegó a los medios de comunicación colombianos a través de la emisora La Voz de Pereira, donde combinaba la ebanistería con la interpretación de tangos y milongas, un legado que dejó en Colombia la trágica muerte en Medellín de Carlos Gardel en 1935.

6. Este viernes recodaremos a Bobby Capó. Nacido el 1 de enero de 1921 en Coamo, un municipio en el sur de Puerto Rico. Su carrera artística comenzó cuando por motivos fortuitos debió reemplazar al cantante Davilita en el Cuarteto Victoria. A partir de ese momento fue muy solicitado por sus temas, especialmente los románticos. Más tarde se convirtió en ídolo de Cuba y de toda América Latina en la década de los cuarenta. Su fama se inició cuando grabó como solista con la orquesta del conocido músico español Xavier Cugat. Durante los años de guerra, muy en especial en Puerto Rico y países de Sudamérica, las canciones románticas de Bobby Capó eran tema obligado en las estaciones de radio y eso lo convirtió en un ídolo. Grabó una serie de discos de larga duración, en especial junto a Rogelio Martínez y Lino Frías, director y pianista, respectivamente, de la afamada Sonora Matancera, agrupación con la que Bobby Capó cosechó su mayor fama y popularidad. Con ellos editó “Piel Canela”, el 1 de abril de 1952, bolero cantado por innumerables intérpretes en todos los géneros. Algunas de sus otras canciones fueron: Luna de miel en Puerto Rico, Soñando con Puerto Rico, Y llorando me dormí y una que fue muy famosa, grabada por Cortijo y su Combo: El Negro Bembón. Falleció en Nueva York en 1989 de un infarto, mientras trabajaba en su oficina de relaciones públicas.

7. El compositor peruano Felipe Pinglo es el autor del tema “El plebeyo”. Pinglo, llamado “El bardo inmortal”, murió el 13 de mayo de 1936. ”El Plebeyo” es uno de los temas más importantes en la historia del criollismo en Perú. Se estrenó en 1930 en el teatro Alfonso XII del Callao, en la voz del amigo de Felipe Pinglo, Alcides Carreño. Hay dos historias que rodean el origen de este vals: La primera adjudicaba el drama a Luis Enrique Rivas, un tejedor de canasta que vivía en la parte baja del Cerro San Cristóbal. Otra versión, en la que concordaron muchos amigos del compositor, es que el drama de Luis Enrique fue el propio drama vivido por Pinglo entre 1921 y 1923, cuando se alejó de los Barrios Altos para hacer vida bohemia en La Victoria. Dicen que allí se enamoró de Gianina, bellísima hija de 17 años del industrial italiano Zuccarello. El compositor era correspondido, motivo por el cual los padres de la niña la enviaron a Italia, a vivir con sus abuelos en Florencia. La canción “El Plebeyo” planteó un drama social porque Luis Enrique, el personaje principal, era el plebeyo que amaba a una aristócrata pero su amor es condenado por la sociedad. El 12 de Febrero de 1953 fue estrenada en México la película mexicana “El Plebeyo”, basada en el vals de Felipe Pinglo Alva. La historia del plebeyo Luis Enrique fue llevada al ambiente de la minería y el actor principal no fue Pedro Infante, como se ha dado a conocer muchas veces en forma errónea. Las figuras de Luis Enrique y su aristocrática amada fueron representadas por los actores Raúl Martínez y Rosita Arenas.

8. Llama la atención que existe una gran cantidad de temas ya sea boleros, tangos o incluso canciones criollas peruanas dedicadas a los tísico o tísica. En la sección Un tema mil versiones escucharemos varias canciones sobre el tema. El tísico se le denominaba a aquella persona que padecía de Tisis, enfermedad que ahora conocemos como Tuberculosis. El término proviene del latín “Phthisis”. La enfermedad que sufre el Tísico, es una enfermedad bacteriana altamente contagiosa que afecta a los pulmones principalmente pero también hay otros tipos de Tisis que afecta a diversos órganos y glándulas pero son muy extraños esos casos. Su presencia en el cuerpo es provocada por el alojamiento del “Mycobacterium Tuberculosis” o también conocido como Bacilo de Koch. Uno de los temas que escucharemos será "El tísico", vals compuesto por el peruano Luis A. Molina.  Esta canción recoge la tragedia de un enfermo atacado por la tuberculosis que se halla desesperado, casi solitario en un hospital. Y nos conmueve cuando en su letra exclama a su amada: "No me beses, que estoy muy enfermo, no me beses, te pido por favor; hace tiempo no como ni duermo, de pensar en este cruel dolor. Mucho tiempo ya llevo postrado en la cama de un hospital, ya la ciencia me ha desahuciado, contagioso y malo, dicen que es mi mal". Este vals alcanzó su mayor popularidad por la versión grabada de "Los Embajadores Criollos". (Foto: http://loritos-periquitos.blogspot.mx).

9. En la sección La Cadena del recuerdo, le daremos la bienvenida al nuevo colega Jorge López Paez, un mexicano residente en San Germán, Puerto Rico, quien nos ofrecerá una rica semblanza y un paseo por la ciudad de San Germán, además de una revisión a la música popular puertorriqueña. San Germán es un municipio de Puerto Rico fundado en 1573. Se ubica al suroeste de Puerto Rico y limita al norte con Mayagüez y Maricao, al este con Sabana Grande, al oeste con Cabo Rojo y Hormigueros, y al sur con Lajas. San Germán está repartido en 18 barrios y San Germán Pueblo, el centro urbano y administrativo del Municipio de San Germán. Su gentilicio es sangermeño. San Germán es el segundo poblado de más antigüedad en Puerto Rico, siendo San Juan el primero. La ciudad actual comienza su historia alrededor del mismo tiempo de colonización de Puerto Rico. San Germán fue fundado por orden de Juan Ponce de León luego de una escaramuza con taínos en febrero de 1511. Este pueblo fue atacado y destruido por corsarios franceses, y mudado a tierra interior. El área se conoce por su cultivo de guineos (bananos), piñas y el cultivo limitado de azúcar. San Germán tiene como su mayor tesoro a la iglesia de Porta Coeli, uno de los primeros ejemplares de iglesia estilo gótico en Latinoamérica.

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 12 de MAYO 2017 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México.

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.

lunes, 1 de mayo de 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 05 DE MAYO DE 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 05 DE MAYO DE 2017
* Presentaremos un programa especial dedicado a Juan S. Garrido, inmortal compositor, músico  e investigador musical chileno radicado en México, a 115 años de su nacimiento
*  Hasta que el Cuerpo Aguante se fue para la Feria de San Marcos y presentaremos fragmentos de un programa grabado con Los Norteños del Sur y Las Tranqueñitas 
* En Una canción colombiana para el mundo, semblanza de la agrupación Los Típicos, interprendo la chacarera La Lartija, de los años cuarenta

1. Este viernes recordaremos al compositor Juan S. Garrido, nacido hace 115 años. Fue, aparte de compositor, arreglista, letrista, intérprete, director de orquesta, director artístico y funcionario de casa disqueras de origen chileno, radicado en México. Autor del libro “Historia de la Música Popular en México de 1896 a 1973”. Colaborador del Instituto Mexicano de la Radio en la conducción de la Serie Radiofónica “Historia Musical de México” transmitida de 1984 a 1991. Escucharemos su voz, sus canciones, sus intérpretes, así como desempolvaremos antiguos programas de radio donde que él producía y conducía como "Sonrisas Colgate" y el ya comentado "Historia musical de México". Aquí dejamos una biografía publicada por la Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM): 

Juan S. Garrido nació el 9 de Mayo de 1902, en Valparaíso, Chile. Falleció el 23 de Enero de 1994, en la ciudad de México. Fueron sus padres, el Sr. Evaristo Antonio Garrido Briseño y la Sra. Margarita Vargas Valenzuela. Vivió en Chile hasta 1932, y en México a partir de ese año. Estudió High School y Comercio.
 Durante su infancia su madre le enseñó a tocar el piano. Inició su carrera como compositor en Santiago de Chile, a la edad de doce años. Su primera canción fue "Madre, Bendita Palabra". Era muy trabajador, creativo y activo; fue director de orquesta; seis años Presidente de la Unión Mexicana de Cronistas de Teatro y Música; director de coros musicales, como el Coro Infantil de Televicentro, que dirigió de 1959 a 1972, y el Coro de Banca Serfín.


También fue conductor de programas de radio. Dirigió durante treinta y seis años el programa "La Hora del Aficionado", en la XEW; en él se dieron a conocer muchos de los artistas de la Epoca de Oro de la canción mexicana. En otra de sus facetas, se desempeñó como importante escritor e investigador de todos los aspectos relacionados con la música mexicana. Durante dieciocho años publicó en el periódico Novedades la columna "Buenos Días Mis Amigos", que posteriormente pasó al Universal. Entre 1980 y 1983 para el Instituto Mexicano de la Radio hizo el programa "Historia Musical de México", que también ha sido transmitido por Radio UNAM. Es autor del libro "Historia de la Música Popular en México (1896-1973)" publicado por Editorial Extemporáneos, S.A. En su dedicatoria imprimió el Mtro. Garrido: "Al pueblo mexicano, dueño de un agudo sentimiento artístico, expresado en su maravilloso cancionero popular, ofrendo este libro como prueba de mi sincera gratitud. J.S.G." Esta obra contiene dos mil quinientas composiciones catalogadas, quinientos autores y cincuenta fotografías de compositores famosos.


Respecto a su forma de ser y personalidad, algunos meses antes de su fallecimiento él mismo se definía de la siguiente forma: "En mi juventud fui un hombre sencillo, entusiasmado por la música. Hice muy buenos, queridos y grandes amigos. Me gustaban los amigos artistas y los que querían llegar a serlo. Hacía fiestas en mi casa e invitaba a muchos de ellos. Ahora soy un hombre más tranquilo y hogareño." Dos de sus grandes pasiones, la lectura y escuchar música clásica, popular nacional, jazz y Fox trot. Las obras con las que mayores satisfacciones obtuvo fueron "La pelea de gallos en la Feria de San Marcos" y "Noche de Luna en Jalapa", tanto que en Aguascalientes y en Jalapa era recibido como huésped distinguido, reconocido con medallas, homenajes y sobre todo con el cariño de la gente. En una muy emotiva ceremonia recibió las llaves de la ciudad de Jalapa, y luego un enorme coro interpretó "Noche de Luna en Jalapa", y después le pusieron su nombre a una calle de la ciudad. En 1990 se le rindió un gran homenaje en el Teatro de la Ciudad. Compuso obras en coautoría con diversos autores como, Ernesto Cortazar, con quien hizo "El corrido villista" y "Enamorado"; con José Antonio Zorrilla "Monís" y con Manuel Muñoz Farrus. Entre éstas están "El ay, ay, ay", "Calesero", "Tampico", "Cuando tú me quieras", "Muchachita bonita", etc.

Una anécdota que le gustaba platicar, narra que cuando tenía veinte años y vivía en Chile consiguió un trabajo en una compañía discográfica. El tocaba muy bien el piano y un amigo le propuso tocar en un restaurante con un grupo musical. Aceptó, pero tenía que partirse en dos para cumplir con su trabajo en la oficina y el restaurante. Un día de plano no fue a la oficina para llegar un poco más temprano al restaurante y estar más tiempo. Y cuál fue su sorpresa al descubrir entre la concurrencia a su jefe, pero la sorpresa fue mayúscula porque su jefe lo despidió. Lo relevante de esto fue que en ese momento se quedó solamente con un empleo, en el que siguió... toda su vida. Consideraba que estas son cosas del destino. De las satisfacciones que recibió de su carrera comentaba: "No podría hablar de una, sino de muchas. Por ejemplo, conocer a la gente de diversas ciudades que me han inspirado algunas de mis canciones. Saber que hay un parque en la ciudad de México que lleva mi nombre. Haber formado una orquesta de alta calidad, con la que bailaron los amantes de la música, por muchos años. Haber despertado a tanta gente por las mañanas cantándoles mis canciones. Que siempre encuentro alguien que se acuerda de mi música y me detiene para saludarme. Que mis amigos intérpretes, todos ellos, hayan gustado de mis canciones y las hayan cantado y grabado".

De las canciones que compuso, las siguientes son algunas de ellas: "Dame un beso", "Lágrimas", "Pelea de gallos en la Feria de San Marcos", "Noche de Luna en Xalapa", "El enamorado", "Ay Caramba", "Hasta el cepillo", "Un suspiro", "Canitas", "El charro", "Ladrón", "El detalle", "Los ojos de mi Negra", "Yo sé tu pena", "Chula", "América unida", "Adorada", "La última jugada", "La suegra", "Claudia", "El mole poblano", etc. Para cine compuso "Las mujeres mandan", "La india bonita", "Padre mercader", "La pequeña madrecita", "La justicia del lobo", y otras. (Fuente http://www.sacm.org.mx). Sin duda su más destacada canción tal vez sea "Pelea de gallos", el himno del estado de Aguascalientes, situado en el centro de la república. Una canción muy mexicana, llena de colorido y plena de espíritu bravío. Sus imágenes se asocian automáticamente con todos los "palenques", donde se juegan los gallos y se canta, en cualquier rincón de nuestro de México. 

2. Este viernes también presentaremos fragmento de la grabación hecha por Hasta que el Cuerpo Aguante en las instalaciones de la Feria de San Marcos en donde contamos con la participación del Dueto Norteños del Sur y el dueto de Las Tranqueñitas. La Feria Nacional de San Marcos cuenta con 189 años de historia, convirtiéndola en una de las más antiguas; y en la actualidad una de las de mayor prestigio internacional. Su celebración se remonta a 1828, del 20 de octubre al 20 de noviembre, para vender el producto de las cosechas y la ganadería. En aquel entonces competía con las ferias de Acapulco, Jalapa y San Juan de los Lagos. Al comienzo era celebrada en el Parián (palabra de origen filipino) que es un centro comercial que todavía existe y se localiza a dos cuadras de la plaza principal, esto hasta 1848. En 1842 la balaustrada externa del Jardín de San Marcos, de estilo neoclásico, fue construida en un terreno donado por la Iglesia Católica y se conserva hasta hoy; al ser completado el jardín la celebración fue cambiada de noviembre a abril para coincidir con las fiestas en honor del Santo Patrono. Desde 1924 se organiza un concurso de belleza para elegir a la Reina de la Feria. En 1958 la feria fue elevada al rango Nacional por el Presidente Adolfo López Mateos. 

3. En la sección Una canción colombiana para el mundo, escucharemos una aportación de Alberto Cardona Libreros quien nos hablara de Los Típicos, un dueto cuyos integrantes eran Nelson Ibarra, nacido en Tumaco y el ecuatoriano Alfonso Medina, ambos formaron parte del famoso dueto Ibarra y Medina, pero grabando para Discos Capri. Poco se sabe sobre la forma corno se unieron musicalmente pero en la década de los años cuarenta del se encontraban en Pereira grabando para Discos Mario de Industrias Marango. Posteriormente estuvieron en la Sultana del Valle, donde hicieron grabaciones para Discos Cali, pero indudablemente la fama nacional les llegó cuando fueron a grabar a la ciudad de Medellín. En Pereira algún día se unieron a Óscar Agudelo y formaron un efímero trío; pero fue con este cantante tolimense que llegaron a la capital paisa. Ibarra y Medina se metieron mucho en el alma del pueblo cuando lanzaron canciones como "Ojos negros", "Palpita corazón", "Todo es amor", "La negrita", "Yo quiero un amor" y sobre todo una melodía instrumental que sirve para que en muchas partes se pruebe al buen guitarrista, pues es muy común entre músicos la frase: Si usted toca el pasillo Esperanza, más o menos sabe tocar guitarra. (Foto y datos de Fabio Nelson Ortiz Moncada en http://biografiasantioquia.blogspot.mx/).

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 05 MAYO 2017 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa. 

martes, 25 de abril de 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 28 DE ABRIL DE 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 28 DE ABRIL DE 2017
* Se cumplen sesenta años de la muerte del cantante Genaro Salinas 
* Semblanza y canciones de Santiago Manzanero, nacido hace 113 años
* Además, tres grandes voces acompañadas de Américo Belloto. En La Carpa, canciones cómicas de Ventura Romero. En el Rinconcito arrabalero, el ecuatoriano Lucho Bowen. Rosa de Castilla nació en La Chona, Jalisco. Recordaremos a Pedro Vargas, nacido hace 111 años
* En Una canción colombiana para el mundo, la voz del cantante Raúl López, y en La cadena del recuerdo, La rumba criolla, desde Colombia

1. Hace 60 años, el 29 de abril de 1957, el cantante mexicano Genaro Salinas fue encontrado agonizando, con el cráneo fracturado y en un pozo de sangre, en el pavimento del túnel que une la avenida Victoria con la Urbanización Los Chaguaramos, en Caracas. Una patrulla policial lo recogió y lo llevó al puesto de emergencia de Coche, en donde murió hora y media después, sin pronunciar palabra, pero tratando de decir algo. Escribe Omar Martínez que Salinas tenía ocho meses en Venezuela. Había llegado en septiembre de 1956, contratado por Radio Caracas, para cantar en el programa “La media jarra musical”, con Luis Alfonzo Larraín. Era su tercer viaje a Venezuela. Antes, en 1952, había trabajado con Aldemaro Romero en Radio Continente. El cantante estaba viviendo una situación económica crítica. Su empresario lo había robado, según denunció en la Asociación Musical; no tenía con qué cancelar las deudas contraídas en el Hotel Comercio; y su gira artística por el interior del país, Ciudad Bolívar y Puerto La Cruz, acompañado por la cantante venezolana Graciela Naranjo, no había respondido económicamente a las expectativas de “La Voz de Oro de México”. Graciela Naranjo, conocedora de la dura situación de Genaro lo alojó en su casa. La última vez que ella lo vio fue el día anterior a su muerte, el sábado en horas de mediodía. El inmueble donde vivía Graciela se levanta aún a unos cuatrocientos metros del túnel en donde fue encontrado agonizando Genaro Salinas, en la Avenida Victoria, Edificio San Bosco. (Con datos y foto tomados de http://genarosalinas.org.mx/biografia).

2. “El tenor continental”, Pedro Vargas, nació hace 111 años, el 29 de abril de 1906 en San Miguel de Allende, Guanajuato. Pedro Vargas fue el segundo de doce hermanos, a los siete años cantaba en el coro de la iglesia de su ciudad, el maestro del coro fue el primero en reconocer su talento y en darle lecciones de canto y en 1920, a la edad de 14 años, llegó a la Ciudad de México y de inmediato empezó a cantar en los coros de varias iglesias y ofreciendo serenatas. Más adelante el maestro José Pierson también le daría alojamiento y lecciones de técnica vocal de forma gratuita. Recibió la oportunidad de participar en la ópera «Caballería rusticana», el 22 de enero de 1928, en el Teatro Esperanza Iris. Recibió la oferta de viajar en una gira con la Orquesta Típica de Miguel Lerdo de Tejada, a los Estados Unidos, como cantante de música popular, lo que aceptó.1 En su primera visita a Buenos Aires grabó para el sello RCA Víctor dos temas de su autoría: “Porteñita mía” y “Me fui”, con el respaldo musical del piano de José Agüeros y el violín del legendario Elvino Vardaro. Fue uno de los mejores y más exitosos intérpretes del compositor Agustín Lara, así como de muchos otros compositores de toda Hispanoamérica, lo que le permitió recorrer diversos países de este continente, principalmente Argentina, Colombia, Perú y Venezuela. Pedro Vargas falleció por complicaciones de la diabetes mientras dormía y sufrió un paro respiratorio, el 30 de octubre de 1989, en la Ciudad de México, a la edad de 83 años.

3. En la sección Rinconcito Arrabalero escucharemos la voz del cantante ecuatoriano Luis Enrique Bowen Gómez, conocido en el ambiente farandulero internacional como Lucho Bowen. Nació en Ecuador, en la ciudad de Guayaquil el 11 de agosto de 1926. Precisamente en una emisora de esta ciudad se  encontró con el compositor guitarrista y cantante Julio César Villafuerte y con él constituyó el dueto juvenil Bowen Villafuerte. Hicieron sus primeras grabaciones en el sello Ónix del Ecuador, pero luego pasaron a Discos Fénix y Discos Cóndor. Posteriormente este dueto llegó a Colombia donde debutó en La Voz de Antioquia de la ciudad de Medellín y fue un suceso tan impresionante, que los quince días de contrato se transformaron en seis meses. En 1952 Antonio Fuentes los contrató para hacer unas grabaciones en su casa disquera de Cartagena; una de ellas fue la ranchera “Corazón prisionero”, uno de los más grandes sucesos de la canción mexicana al estilo antioqueño en todos los tiempos. El dueto permaneció hasta 1959. Posteriormente Lucho Bowen se transformó en solista de mucho éxito e hizo grabaciones para la RCA Víctor; también constituyó duetos transitorios con sus paisanos Olimpo Cárdenas y Julio Jaramillo. Lucho Bowen falleció en la ciudad de Cali el 30 de abril del año 2005 y allí también estuvo acompañándolo su eterno amigo Julio César Villafuerte. (Con datos de http://biografiasantioquia.blogspot.mx).

4. En la sección Una canción colombiana para el mundo, nuestro amigo y colaborador en Bogotá, Colombia, el coleccionista Alberto cardina Libreros nos presentará al cantante colombiano Raúl López quien nos ofrecerá el bolero “Errante de un amor”. Raúl López nació en La Unión, Valle del Cauca, en Septiembre de 1932 y con un título de maestro escuela y sólo 22 años se presentó a probar suerte en Medellín llegando como era obligado entonces al Hotel Latino conocido como “La pensión mondongo” ya que el gracejo costeño de la gente que estaba allí había rebautizado así al sitio donde para fortuna de todos vivía Edmundo Arias y como el exitoso compositor y músico de siempre era también valluno, allá le caían sus paisanos y con ese cuento solicitaban y obtenían ayuda. Arias lo probó y le dijo que no tenía ni cinco de cuadratura y que además debía dejar de imitar a Charlie Figueroa. Total, el célebre arreglista lo “zafó” y confiesa que nunca pensó que aquel muchacho pudiera cantar, tal era su falta de medida. Por ello, decía Edmundo Arias, mi sorpresa fue grande cuando tiempo después Raúl López pegó un disco. “Oíste hombre, pero cómo lo hizo?” Y menos se lo explicaba el gran director de orquesta porque después cuando él lo tomó en sus manos para que grabara con su agrupación,  Raúl seguía sin cuadratura. Pero ayudado por Arias logró mejorar en su canto. Y posteriormente se convierte en el artista más vendedor del año 1956 cuando graba inicialmente para Codiscos con la orquesta de Edmundo Arias aquel tema “Juanita Bonita”. Raúl López murió atropellado cerca de la Plaza de Mercado Galerías de Guayaquil. López fue conocido como “El triunfador colombiano”. (Con datos tomados de http://postalesdeayer.blogspot.mx).

5. En la sección La Carpa, escucharemos algunas canciones cómicas compuestas por Ventura Romero, nacido el 2 de mayo de 1913 en Valle de Buenaventura, Chihuahua. Empezó a solfear desde tierna edad con Pilar Flores, un músico de trombón quien le regaló el primer instrumento de cuerdas que tuvo entre sus manos: un violín. La sensibilidad del compositor se prestaba para ir avivando su imaginación y su fantasía musical. Así es como años más tarde, una mañana alegre y bullanguera, cuando ya tenía 24 años y con la compañía de los amigos del pueblo, concibió su canción “Un madrigal”, misma que Tata Nacho le sugirió, al momento de registrarla, que la titulara precisamente así, Un madrigal, porque ya existían dos canciones mexicanas con el nombre de Madrigal: la del también compositor Gabriel Ruíz y la del propio Tata Nacho (Ignacio Fernández Esperón). En 1936, ganó un concurso convocado por Pepe Guízar para conocer músicos, cantantes, artistas y compositores que contrataba en sus programas. En 1941 tocaba en programas de Radio Mil y después de organizar su propio conjunto incursionó en la XEW. Viajó mucho, realizó giras por diversos lugares del país y regresó a la XEW a sus programas. Allí, en la XEW, conoció a Guillermo Kornahouseer, empresario y ejecutivo de los discos Peerlees, hombre de buen gusto y conocedor a nivel negocios de las melodías que fueran del gusto popular y por ende de éxito comercial, como “La burrita”, que grabó el compositor Ventura Romero con su propia voz.

6. Nuestro amigo y colaborador en Guadalajara, Jalisco, Alberto Ramírez Martínez nos recomienda escuchar la voz de una jalisciense importante: Rosa de Castilla. María Victoria Ledesma Cuevas, más conocida como Rosa de Castilla nació en Encarnación de Díaz, Jalisco, el 30 de mayo de 1931. Desde muy pequeña se trasladó con su familia a la ciudad de Aguascalientes, por lo que es muy identificada con esa ciudad, y es en esta que inicia su carrera a los 14 años de edad, presentándose con gran éxito en el centro nocturno Río Rosa. Pasó poco tiempo para que se decidiera probar suerte en la Ciudad de México, lugar en donde es contratada para actuar por un mes, en el entonces muy popular centro nocturno Waikikí, con tan gran éxito que alargó su temporada por dos años más. Estando con su temporada en el Waikikí, el productor Raúl de Anda «El Charro Negro» la invita a participar como actriz en las películas filmadas en 1951, El lobo solitario, La justicia del lobo y Vuelve el lobo. Poco después la casa productora Mier y Brooks la contrata en exclusiva por 5 años, el nombre Rosa de Castilla surgió debido a que en ese tiempo estaba en su momento cumbre otra cantante mexicana que se hacía llamar María Victoria, por lo que el delegado jurídico de la ANDA sugirió a la incipiente actriz a cambiarse su nombre de pila. En poco tiempo Rosa de Castilla logró reconocimiento como actriz, como lo demuestra su nominación al Ariel por su trabajo en la cinta Tal para cual (1952) de Rogelio A. González y en la que trabajo con Jorge Negrete y Luis Aguilar. Además fue dama joven de Germán Valdés «Tin Tan», en la divertida comedia El mariachi desconocido (1953).

7. Américo Belloto Varoni vio la luz primera en Buenos Aires el 30 de abril de 1913, falleció, igualmente, en la noche del 30 de abril pero de 1955, justamente el día de su cumpleaños número 52, al chocar su automóvil con un pesado camión de carga cuando regresaba a su casa, en la capital federal de Argentina. El notable arreglista y compositor, con pinta de galán del celuloide, tuvo estrechos vínculos artísticos y familiares con Colombia: los cronistas de antaño reseñaban la clamorosa temporada de Don Américo y sus Caribes, en el radioteatro de Emisoras Nuevo Mundo, en Bogotá. En el marco de su permanencia en territorio colombiano contrajo matrimonio con la destacada figura de la radio y la televisión Teresa Gutiérrez, unión de la que hubo dos hijos: uno de ellos es el actor Miguel Varoni, recordado en la pantalla plana por su papel de "Pedro, El Escamoso", cuyo nombre de pila es Miguel Américo Belloto Gutiérrez. Cuando llegó a Colombia, por sugerencia de productores colombianos, y encargo de la reputada Odeón argentina armó una orquesta que llamaban "de estudio" (solo para la grabación de discos) con la que batió verdaderos récords de ventas por la excelsa calidad de sus 25 cantantes y la impactante armonía de los arreglos musicales. Formaban parte del catálogo, entre otros intérpretes, figuras de la talla de Leo Marini, Hugo Romani, Marión Inclán, Fernando Torres, Gregorio Barrios, Eduardo Farrell, Alberto Gómez, Alfonso Ortiz Tirado, Eduardo Lanz, María de la Fuente, Arturo Gatica, Aldo Nigro, Mario Visconti, Álvaro Solani, Elvira Ríos y Fernando Borel. Ninguno perteneció a la orquesta. Grababan con don Américo y luego le facturaban a la disquera. Este viernes escucharemos algunas de esas grabaciones. (Con datos de Orlando Cadavid en www.lapatria.com).

8. En las voces de Santiago Manzanero y Humberto Escalante, escucharemos dos selecciones musicales. Santiago Manzanero Manzanero, trovador y compositor yucateco, nació en la población de Seyé, Yucatán el 30 de Abril de 1904. En el año de 1922 comenzó a trabajar como cordelero en “La Industrial”, cordelería que, por motivos políticos, cerró sus puertas en 1923. A principios de los años veinte ya era miembro del gremio de trovadores que se reunía en el parque del barrio de San Cristóbal. En 1925 formó parte de la estudiantina “Club Yucatán”, la cual era dirigida por Alfonso Baqueiro. Cuando ésta se disolvió, ambos integraron un cuarteto al que se unieron Luis Alfonso Basulto, y Fernando el “Chel” Marín y con el que Santiago Manzanero iniciaría, en Mayo de 1925 su primera gira artística por el sureste mexicano finalizando ésta en Tapachula, Chiapas. A su regreso a Mérida formó su primer dueto con Ramón Peraza, iniciando con éste, en Septiembre de 1926. Para el año de 1928 ya se encontraban estos trovadores en el vecino país del norte actuando en Arizona y en Los Ángeles, California. Ahí, la compañía OKEY los contrató para grabar tres discos, pasando luego a formar parte de los artistas exclusivos de la compañía discográfica Columbia. En 1935 integra el Quinteto Yucatán. En el año de 1941 formó parte del Cuarteto “Mérida” . Entre los años 1974 y 1975, contando con la dirección artística de su hijo Armando Manzanero, grabó un disco de larga duración para lo cual hizo nuevamente dúo con Humberto “El Chato” Escalante Alonzo. El disco se tituló “Algo del Mayab que no conocíamos”. Sólo se le conoce una composición, el bolero “Flor de azahar”, con letra de Manuel Montes de Oca Espejo, la cual compuso en la década de los cuarentas. (Con datos tomados de www.trovadores-yucatecos.com).

9. Dos auténticos garbanzos de a libra son los que presentaremos en la sección Rincón Norteño, se trata de “El corrido de la Adelita”, grabado por Roberto Rodríguez y Clemente Mendoza con acompañamiento de bajo sexto el 6 de noviembre de 1930 para el sello Vocalion. Asimismo escucharemos “La cucaracha”, en versión muy antigua grabada el 4 de febrero de 1934 por el dueto Flores y Montavo para el sello Bluebird, acompañados de guitarras y acordeón. No se conoce con certeza el origen de "La Cucaracha", pero ganó su fama y popularidad durante la Revolución Mexicana a comienzos del siglo XX. Sin embargo, la canción ya es mencionada en 1883, y posiblemente ya existía hacia 1818. Aunque se especula que podría ser de origen español, no existe una fuente fidedigna para poder afirmar esto con certeza, la canción tampoco aparece en ningún otro país latinoamericano. Se trata de una canción de origen español posiblemente de procedencia andaluza, registrado así por el poeta y folclorista Francisco Rodríguez Marín en su obra "Cantos populares españoles" (1883), y cuya letra original hace alusión al enfrentamiento entre españoles y moros. Fue una de las canciones que mayor popularidad adquirió durante la revolución mexicana, la cual era además la favorita de los «villistas», aunque su aparición en México es anterior a la intervención francesa. En Monterrey, donde resurgió y fue adoptada por las tropas que luego la extenderían al ejército de Pancho Villa, llegó a transformarse en himno de guerra contra Victoriano Huerta, del que se dice era muy bebedor de coñac y fumador de marihuana.

10. En la sección La Cadena del Recuerdo, escucharemos una aportación de Juan Carlos Álvarez Echeverri, productor radiofónico en Pereira, Colombia, quien nos hablará sobre la rumba criolla. El término “Rumba” proviene de una expresión que significa, Convidar, Compartir. Los españoles asentados en Colombia en la época de la colonia interpretaban la rumba flamenca, practicando la rumba vieja. Desde el siglo XVIII se relaciona la rumba criolla con ritmos del bambuco acelerado. A nivel Nacional la rumba criolla se destaca en regiones específicas: La Rumba Cundi boyacense,  la Rumba Antioqueña y la Rumba Criolla Tolimense. La instrumentación para la rumba incluye tres tumbadoras (la tumbadora es un tambor inventado en Cuba que, a diferencia de los africanos, tiene llaves; se puede afinar, y escribir partituras. Hoy es universal) y dos palillos que repiquetean sobre una caja de madera. Dos de los tambores, (la tumbadora prima y el segundo o tres), marcan el ritmo básico; la tercera tumbadora llamada "quinto", (que se afina más alto), da los golpes improvisados, los floreos dirigidos a los bailarines. Existen dos tendencias de indumentaria para el baile de la “Rumba Criolla” que varían según el grupo social en donde se realiza el baile. El vestuario de la zona urbana, generalmente comercial y elitista está caracterizado por la influencia del color negro, compuesto de faldones largos y anchos, blusa amplia, un chal negro y un sombrero del mismo color. Predominan los vestidos elaborados y la uniformidad.

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 28 de ABRIL 2017 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.

martes, 18 de abril de 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 21 DE ABRIL DE 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 21 DE ABRIL DE 2017
* Sesenta años sin Pedro Infante. Oiremos sus primeras grabaciones y más 
* Jinetes en el cielo, tema de Stan Jones, inspirado en historias contadas en su infancia
* Además, en La Carpa, el dueto Abrego y Picazo; bailaremos con danzones de Carlos Campos; oiremos La voz dulcemente triste de Lupita cabrera; en el Rincón norteño, Las Atlixqueñas
* En Una canción colombiana para el mundo, la Guabina chiquinquirense, y en La cadena del recuerdo, A gozar muchachos, programa de radio donde inició la Billos Caracas Boys

1. Pedro Infante Cruz murió hace 60 años, el 15 de abril de 1957. Pedro Infante murió a los 39 años en la cúspide de su carrera. Fueron 17 años de intenso trabajo que lo llevó a destacar no sólo en México, también en países de América Latina, Estados Unidos y España, donde poco antes de su fallecimiento, ya se preparaba la filmación de una película. Fue en 1939 cuando el originario de Mazatlán, Sinaloa hizo su primera participación en cine. Fungió como extra en la película “En un burro tres baturros”, y para 1942 ya alcanzaba su primer protagónico en el filme “Jesusita en Chihuahua”, de René Cardona. Sin embargo, fue hasta 1944 que logró éxito mediante “¡Viva mi desgracia!” y “Escándalo de estrellas”, justo cuando la Segunda Guerra Mundial (1939-1945) estaba por concluir y el cine mexicano se distinguía en la llamada Época de Oro. En Culiacán fue vocalista de varias orquestas y se presentó en la radiodifusora local XEBL. Su esposa María Luisa León, consideró que podía tener futuro y lo impulsó para que siguiera su carrera de cantante en la Ciudad de México. Para 1938, ya cantaba en la XEB; también se presentó en el teatro Colonial con Jesús Martínez Palillo y Las Kúkaras, así como en el centro nocturno Waikikí. Sus primeras grabaciones para el sello Peerless fueron “El soldado raso” y “El durazno”, realizadas el 19 de noviembre de 1943, pero no olvidemos que antes para RCA Victor realizó las grabaciones de “Te estoy queriendo” y “Guajirita”, de Mario Ruiz Suárez.

2. ¿Quién no ha escuchado el tema musical “Jinetes en el cielo” (ghost riders in the sky)? El autor es Stan Jones, un bombero forestal del Valle de La muerte, en California, quien en el año de 1948 se inspiró para escribir la letra en los recuerdos de su niñez, ya que un vaquero le contó que en las noches de tormenta, en el cielo, se podía ver un arreo de las vacas del infierno conducido por jinetes fantasmales. Stan Jones musicalizó su composición con la música de "When Johnny comes marching house", una canción del siglo XIX compuesta por el irlandés Patrick Gilmour, que era parte del ejército del norte en los Estados Unidos, para inspirar a los soldados, pero después también los soldados sureños la adoptaron. El nombre completo de Stan Jones era Stanley Davis Jones, y nació en Douglas (Arizona), criándose en un rancho. Al fallecer su padre, su madre trasladó a la familia a Los Ángeles, California. Jones estudió en la Universidad de California en Berkeley, además de competir en el rodeo por razones económicas. Sin embargo, en 1934 dejó los estudios y entró a formar parte de la Armada de los Estados Unidos. Tras licenciarse, hizo trabajos diversos, entre ellos los de minero, bombero y guardabosques. En su tiempo libre escribía canciones, llegando finalmente a grabar más de 100. Casi todas las composiciones de Jones fueron de música Western. Este viernes escucharemos algunas versiones de “Jinetes en el cielo”.

3. En la sección Rincón norteño escucharemos a las Hermanas Lima, que también eran conocidas como Las Atlixqueñas. En esta ocasión escucharemos su temas rancheros “La barca marina” y “Ándale”. El dueto de las Hermanas Lima sin duda que destacan dentro de la música tropical en México, ya que grabaron gran cantidad de porros, cumbias y demás temas bailables, incluso no solamente fueron famosas en México y el sur de Estados Unidos, sino en otros países de Centroamérica y Sudamérica, especialmente en el tropical país de Colombia. Tal vez sus interpretaciones más destacadas fueron “Mi cafetal”, “Te vas amor”, “Casimiro”, “Mi tinajita” y otras más. Las Hermanas Lima grabaron la mayor parte de sus discos para el sello Columbia, del cual eran artistas exclusivas. Algo destacado es que ellas también grabaron temas rancheros con el nombre de las Atlixqueñas. Sobra decir que ellas eran originarias del estado de Puebla aunque lamentablemente hay pocos datos biográficos de ellas. Sus nombres eran Celia y Delia. Se pensó en un principio que las cantantes de los éxitos tropicales eran cubanas o colombianas, pero no, eran mexicanas nacidas en Atlixco, Puebla. Agradecemos al amigo Manuel Jiménez, quien desde Acámbaro, Guanajuato, nos compartió esta hermosa fotografía en la que observamos a las hermanas Lima, sin duda un hallazgo de don Manuel, ya que hasta ahora no teníamos una imagen de ellas.

4. Este viernes presentaremos dos canciones de Agustín Lara con la bolerista Lupita Cabrera, una cantante que a pesar de que su actividad musical se desarrolló a finales de los años cincuentas, hoy es poco recordada. A Lupita Cabrera le decían “La voz dulcemente triste”. Esta cantante, según datos de Pablo Dueñas, desarrolló su carrera en los años cincuentas en la emisora XEQ. Existen pocos datos biográficos de Lupita. Escribe José Guadalupe Chávez Pedraza en El Sol de Morelia que fue muy corta relativamente la vida artística de una trovadora dueña de una voz cálida y emotiva, María Guadalupe Cabrera, mejor conocida en el ambiente artístico como Lupita Cabrera, fina ejecutante de la guitarra; en todas sus actuaciones mostraba con maestría sus acompañamientos. Lupita incluso nos dio la sorpresa de ser compositora. Con su guitarra, Lupita llevó al disco diversos boleros de compositores como Gonzalo Curiel, Guillermo Campos, Lorenzo Barcelata y otros. Asimismo ella compuso algunos temas como “No tengo derecho”, que grabaron Los Hermanos Martínez Gil y la propia intérprete. (Foto: AMEF, libro Bolero: Historia Gráfica y Documental, Pablo Dueñas).

5. En la sección Rinconcito arrabalero presentaremos tres tangos del músico, pianista, periodista y compositor de tangos y canciones criollas uruguayas Gerardo Matos Rodríguez, fallecido el 25 de abril de 1948. Compuso varios temas para piezas teatrales: El Gran Circo Rivolta, de Manuel Romero entre ellas. Más tarde, dirigió fugazmente su propia orquesta típica. En 1931 colaboró con la musicalización de la película ¨ Las luces de Buenos Aires¨, filmada en Francia con el papel protagónico de Carlos Gardel. Compuso también temas para piezas teatrales estrenadas en Buenos Aires. Compuso La Cumparsita y otros tangos como Che papusa, oí, su tango preferido. La cumparsita es un tango cuya melodía fue creada y escrita entre finales del año 1915 y principios de 1916 por el músico uruguayo Gerardo Matos Rodríguez. Poco después y a pedido de Matos Rodríguez, recibió arreglos musicales de Roberto Firpo quien posteriormente a esto, la tocó junto a su orquesta por primera vez en público. Su letra más popular pertenece al argentino Pascual Contursi. Está considerado el tango más difundido a nivel mundial. El cantante Carlos Gardel y reconocidos directores de orquesta agregaron a su repertorio La cumparsita con éxito. La cumparsita es el himno popular y cultural de Uruguay, a partir de una ley aprobada en 1998 por el Poder Legislativo uruguayo. Este tema se usó esta música durante la entrada de la delegación deportiva y los deportistas de la República Argentina en los Juegos Olímpicos de Sídney 2000, lo cual generó el disgusto del Gobierno Uruguayo.

6. Jorge Añez fue un compositor, autor, cantante e investigador musical nacido hace 125 años en Santa Fe de Bogotá, el 23 de abril de 1892. Conformó durante varios años el famoso dueto Briceño y Añez con el cantante panameño Alcides Briceño. Igualmente tuvo dueto con Justiniano Rosales, con quien hizo grabaciones a principios del siglo en los Estados Unidos. Durante 18 años residió en los Estados Unidos difundiendo la música latinoamericana, y a su regreso a Colombia, fundó la emisora radial “Ecos del Tequendama”. En ella cantó a dúo con Carlos Julio Ramírez, y con Guillermo Beltrán. Fue Jorge Añez un inquieto investigador de la música colombiana. En su libro “Canciones y Recuerdos” dejó plasmadas sus averiguaciones sobre muchos artistas de Colombia. Es una extensa obra llena de importantes citas sobre la música y la bohemia de la época de principios del siglo XX, especialmente en lo relacionado con la actividad musical bogotana. Como compositor dejó un importante número de bellísimas canciones dentro de las que deben citarse algunas como “Mis rosas”, “Agáchate el sombrerito”, “Mi canción quisiera”, "Los cucaracheros", “Ausencia”, “Amor secreto”, “El cajoncito”, “Pos nunca me has de olvidar”, “Te acuerdas de mis cantares”, “No hay como mi morena”, “Amor, qué pasa”, “Oye, amor mío”, “Ibaguereña”, “Mi dulce media naranja” y muchas otras, todas ellas de singular belleza. Colaboró con el cantante mexicano Guty Cárdenas, con quien también grabó varios duetos. Jorge Añez fue uno de los muy grandes músicos que ha tenido Colombia en todas las épocas. Falleció el 22 de julio de 1952.

7. De los primeros duetos de artistas que grabaron discos en México destaca el dueto costumbrista de Abrego y Picazo, quienes a inicios de 1900 ya eran conocidos gracias a las parodias, canciones, diálogos y vaciladas que dejaron grabadas en discos de 78 rpm para el sello Victor. Jesús Abrego y Leopoldo Picazo fueron sin duda los pioneros en las grabaciones de discos en México. Junto con otro legendario dueto llamado Rosales y Robinson, Abrego y Picazo impregnaron de humor y sátiras costumbristas aquellos viejos discos de 78 rpm que hoy nos damos cuenta que todavía se pueden encontrar no sólo entre los coleccionistas mexicanos, también en otros países de América, hasta donde llegaron estos antiguos discos. Abrego y Picazo fueron de los primeros en llevar a discos no sólo cuadros y diálogos cómicos, sino también canciones populares de aquellos tiempos, como por ejemplo el que es considerado el primer bolero de la historia llamado “Tristezas” que grabaron para el sello Víctor en el año de 1908. Para esta ocasión escucharemos en la sección La Carpa algunas selecciones realmente antiguas con Abrego y Picazo, en las que notaremos el infaltable ingrediente humorístico que el dueto le imprimía a sus rústicas grabaciones. El investigador musical Pablo Dueñas escribe que hoy nadie sabe nada de Abrego y Picazo, aunque quizá anden por ahí sus tataranietos; no existe mención alguna en periódicos y revistas, ni siquiera de su tiempo, a pesar de que sus discos se vendían como pan caliente; esto es triste, ya que estos señorones hicieron una valiosa crónica de las costumbres y el habla popular del porfiriato.

8. Con la orquesta de Carlos Campos escucharemos algunos danzones que tuvieron mucho éxito durante los años cuarentas y cincuentas. Sin duda, una de las orquestas más memorables que impulsaron el danzón en la capital del país fue la que dirigió Carlos Campos Arreola, quién nació en la ciudad de México el 12 de noviembre de 1911. Según datos de Andrés Lang, el músico mexicano tuvo once hermanos y pasó su infancia en la colonia Doctores de la Ciudad de México. Sus padres, de origen humilde, deseaban que Carlos estudiara medicina, pero él se inclinó desde temprana edad por la música y de alguna manera se las ingenió para aprender a tocar el piano, la guitarra, saxofón y otros instrumentos de aliento. Durante su adolescencia y juventud, fue integrante de varias orquestas que solían tocar en pequeños cabarets y salones de baile. Durante algún tiempo trabajo en la orquesta de Evaristo Tafoya y también en la de Cutberto Jaramillo y sus Diablos Azules. A finales de los años cuarenta, la orquesta de Carlos Campos firmó contrato con el sello discográfico Musart, bajo el cual grabó sus mejores piezas musicales también en discos de 78 revoluciones por minuto. Cada disco que grababan comenzó a resultar un éxito de ventas infalible, de tal manera que un locutor de una popular estación de radio, le asignó al maestro Campos el mote de "El Campeón".  Durante los años cincuentas, Carlos Campos propuso una interesante fusión de danzón con cha cha chá, que resultó su sello de marca durante los años posteriores. Carlos Campos grabó su último disco al frente de su orquesta en 1975, y poco después decidió que era tiempo de retirarse. Abandonado a su suerte, el maestro Carlos Campos murió el 30 de diciembre de 1999 en un asilo. (Con datos tomados de www.radioquelite.com).

9. En la sección Una canción colombiana para el mundo, producida por Alberto Cardona Libreros, desde Bogotá, presentaremos la canción Guabina chiquinquireña, con letra de Daniel Bayona Posada y  música de Alberto Urdaneta, en las voces de los Hermanos Miño Naranjo. La guabina es un canto vocal con musicalización, danza de torbellino y género musical colombiano propios de la Región Andina de Colombia presente en los departamentos de Antioquia, Santander, Boyacá, Cundinamarca, Tolima y Huila, en los cuales se practican y constituyen diferentes muestras representativas del ritmo. Existen 3 tipos fundamentales los cuales son funcionales para la música y son la "Guabina Cundiboyacense", la "Guabina Veleña", también llamada "Guabina Santandereana", y la "Guabina Tolimense", también llamada "Guabina Grantolimense". La “Guabina chiquinquireña" fue concebida por Urdaneta como regalo para uno de sus hermanos y ha sido interpretada por importantes figuras de la canción como Carlos Julio Ramírez, Pedro Vargas, Garzón y Collazos y Margarita Cueto. Fue estrenada en el mes de abril de 1925 en la ciudad de Ibagué, e incluida en el repertorio del Ballet Vienés, de visita en Colombia hacia 1938 y en el del Ballet Colombiano, dirigido por Jacinto Jaramillo. Fue interpretada en la primera película rodada en español en Hollywood, "La Divina Aventurera" e incluida en la versión de "La Vorágine", en México, película en la que intervino la actriz colombiana Alicia Cato. Sobre la letra de la Guabina se ha dicho que fue escrita por Daniel Bayona Posada o por Mariano Álvarez, primo de Urdaneta.

10. En la Cadena del recuerdo escucharemos a Nury Tinedo, bajo la producción de Luis Paredes, del programa La colección de mis recuerdos, de la emisora Sabor 106.5 FM de Maracaibo, Venezuela. Ellos nos traerán recuerdos de un programa venezolano de radio llamado "A gozar muchachos", en donde destacó la orquesta Billos Caracas Boys de Billo Frómeta y que se emitió en la radio venezolana entre 1945 y 1957. La orquesta Billos Caracas Boys fue fundada el 31 de agosto de 1940, después de la disolución de la Billos Happy Boys y de varios contratiempos y afecciones de salud, su fundador Billo Frómeta organiza su orquesta y debuta en el Roof Garden. Ese día da el inicio a la trayectoria más larga y completa que alguna orquesta haya desarrollado en Venezuela y en otras partes del mundo. El primer programa de radio famoso en Venezuela, en cuanto a lo musical se refiere, fue “A gozar muchachos”, que presentó Radio Caracas a las 5 de la tarde desde el año 1945 hasta 1957. Otros programas radiales que tuvieron a la Billos Caracas Boys como atracción principal fueron: Variedades ESSO, Refresco Musical Coca Cola, Fiesta Fabulosa, Hora íntima con Billo Frómeta, Dancing Sociedad, Aplauso al Mérito, La Canción Palmolive, entre otros. La orquesta Billo's Caracas Boys actuó en los más vistos y exitosos programas de televisión: La Revista de Billo (1954), Cita con Saume (1960), Esta Noche Billo (1961), El Show del Pueblo (1969), De Fiesta con Venevisión (1970) Gane y Siga con Musiú y Sábado Sensacional (1970/1994). (Con datos de tomados de http://miguelangelibarraquintero.blogspot.es).

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 21 de ABRIL 2017 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.